Der Gonzaga-Hof
Es ist nicht genau bekannt, wann Monteverdi seine Heimatstadt verließ, aber er trat um 1590 als Streicher in die Dienste des Herzogs von Mantua. Er kam sofort in Kontakt mit einigen der besten Musiker, sowohl Interpreten als auch Komponisten, der damaligen Zeit. Der Komponist, der ihn am meisten beeinflusste, scheint der flämische Komponist Giaches de Wert gewesen zu sein, ein Modernist, der, obwohl er nicht mehr jung war, in den 1590er Jahren noch mitten in einer Avantgardebewegung steckte. Die Krux seines Stils war, dass die Musik genau zur Stimmung des Verses passen musste und dass die natürliche Deklamation der Worte sorgfältig befolgt werden musste. Da Wert die hochkonzentrierte, emotionale Lyrik von Tasso und Tassos Rivalen Battista Guarini wählte, wurde auch Werts Musik hochemotional, wenn auch unmelodiös und schwer zu singen. Sie hatte eine unmittelbare Wirkung auf Monteverdi, dessen nächstes Madrigalbuch, das in seinem ersten Jahr in Mantua veröffentlicht wurde, den Einfluss der neuen Bewegung auf ihn zeigt, obwohl sein Verständnis unvollkommen war. Sie stellte für ihn eine völlige Richtungsänderung dar. Die Melodie ist kantig, die Harmonie zunehmend dissonant, die Stimmung angespannt bis hin zur Neurose. Guarini ist der bevorzugte Dichter, und jede Nuance des Verses kommt zum Ausdruck, auch auf Kosten der musikalischen Balance.
Der neue Stil und das neue Ambiente scheinen seine Produktivität gestört zu haben. Obwohl er weiter komponierte, veröffentlichte er in den nächsten 11 Jahren wenig. 1595 begleitete er seinen Arbeitgeber auf eine Expedition nach Ungarn und vier Jahre später nach Flandern. Um 1599 heiratete er eine Sängerin, Claudia Cattaneo, mit der er drei Kinder hatte, von denen eines im Säuglingsalter starb. Als der Posten des maestro di cappella oder Musikdirektors des Herzogs nach dem Tod von Wert im Jahr 1596 frei wurde, war Monteverdi verbittert darüber, übergangen worden zu sein, aber er erreichte die Position schließlich 1602, im Alter von 35 Jahren. In den Jahren 1603 und 1605 veröffentlichte er zwei weitere Bücher mit Madrigalen, die beide Meisterwerke enthalten. Die avantgardistische Manier war nun besser in sein Idiom eingefügt. Während er immer noch bestrebt war, dem Sinn des Verses in allen Einzelheiten zu folgen, löste er die rein musikalischen Probleme der thematischen Entwicklung und Proportion. Obwohl die Dissonanzen strenger und die Melodie manchmal noch kantiger wurden, war die Gesamtwirkung abwechslungsreicher in der Emotion und weniger neurotisch. Wenn Guarinis Erotik einen sinnlichen Musikstil anregte, verlieh Monteverdi seinen reifen Madrigalen oft eine Leichtigkeit und einen Humor, der eher die Essenz eines Gedichts als dessen Details sah.
Es waren die fortschrittlichen musikalischen Mittel, vor allem sein Gebrauch von intensiver und lang anhaltender Dissonanz, die Angriffe der Konservativen auf Monteverdi provozierten, der zu einer Galionsfigur der Avantgarde wurde. Die Angriffe eines Bologneser Theoretikers, Giovanni Maria Artusi, in einer Reihe von Pamphleten, machten Monteverdi zum berühmtesten Komponisten der Zeit und provozierten ihn, mit einer wichtigen ästhetischen Erklärung seiner Ansicht über die Natur seiner Kunst zu antworten. Er lehnte die Rolle des Revolutionärs ab und sagte, er sei nur der Anhänger einer Tradition, die sich in den letzten 50 Jahren oder mehr entwickelt habe. Diese Tradition strebte eine Vereinigung der Künste an, insbesondere von Wort und Musik, so dass er nicht einfach als Komponist beurteilt werden sollte, der konventionelle musikalische Mittel verwendet. Außerdem müsse das Kunstwerk kraftvoll genug sein, um „den ganzen Menschen zu bewegen“, und das wiederum könne den Verzicht auf bestimmte Konventionen bedeuten. Auf der anderen Seite bekannte er sich zu einer anderen, älteren Tradition, in der die Musik selbst an erster Stelle stand, und die in der Tat durch die reine Polyphonie von Komponisten wie Josquin des Prez und Giovanni Palestrina repräsentiert wurde. Es gab also zwei „Praktiken“, wie er sie nannte; und diese Ansicht, die immens einflussreich wurde, sollte sich als Grundlage für die Bewahrung eines alten Stils in bestimmten Arten von Kirchenmusik erweisen, im Gegensatz zu einem modernen Stil in Oper und Kantaten, eine Dichotomie, die sich bis weit ins 19: La favola d’Orfeo
Mit freundlicher Genehmigung von Naxos of America, Inc.
Wenn die Madrigale jener Zeit ihm auch einen Ruf weit über Norditalien hinaus verschafften, so war es doch seine erste Oper, Orfeo, die 1607 aufgeführt wurde, die ihn endgültig als Komponist groß angelegter Musik und nicht nur exquisiter Miniaturwerke etablierte. Monteverdi mag einigen Aufführungen der frühesten Opern beigewohnt haben, die von den Florentiner Komponisten Jacopo Peri und Giulio Caccini komponiert worden waren, und er hatte sicherlich in den Jahren zuvor einige Bühnenmusiken geschrieben. In Orfeo zeigte er, dass er eine viel umfassendere Vorstellung von der neuen Gattung hatte als seine Vorgänger. Er verband die Opulenz der dramatischen Unterhaltungen der späten Renaissance mit der Geradlinigkeit einer einfachen, im Rezitativ erzählten Hirtengeschichte, die das Ideal der Florentiner war. Sein Rezitativ ist flexibler und ausdrucksstärker als das der Florentiner, es basiert eher auf der deklamatorischen Melodie seiner Madrigale als auf deren Theorien über gesteigerte Sprache. Vor allem hatte er eine größere Gabe für dramatische Einheit, indem er ganze Akte zu musikalischen Einheiten formte, anstatt sie aus kleinen Abschnitten zusammenzusetzen. Er zeigte auch ein Gespür dafür, die Höhepunkte des Dramas durch musikalische Höhepunkte zu ergänzen, indem er Dissonanzen, die Virtuosität des Sängers oder instrumentale Klangfarben einsetzte, um das Gefühl gesteigerter Emotionen zu erzeugen.
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Ein paar Monate nach der Produktion von Orfeo erlitt Monteverdi den Verlust seiner Frau, scheinbar nach langer Krankheit. Er zog sich in einem Zustand tiefer Depression in das Haus seines Vaters in Cremona zurück, aber er wurde fast sofort nach Mantua zurückgerufen, um eine neue Oper als Teil der Feierlichkeiten anlässlich der Hochzeit des Erben des Herzogtums, Francesco Gonzaga, mit Margarete von Savoyen zu komponieren. Monteverdi kehrte nur widerwillig zurück und wurde prompt in ein gewaltiges Arbeitspensum vertieft. Er komponierte nicht nur eine Oper, sondern auch ein Ballett und Musik für ein Intermezzo zu einem Theaterstück. Eine weitere Katastrophe ereignete sich, als die Oper, L’Arianna, in den Proben war, denn die Primadonna, ein junges Mädchen, das in Monteverdis Haus gelebt hatte, möglicherweise als Schülerin seiner Frau, starb an den Pocken. Dennoch wurde die Rolle neu besetzt, und die Oper wurde schließlich im Mai 1608 aufgeführt. Sie war ein enormer Erfolg. Die Partitur ist verloren gegangen, bis auf das berühmte „Lamento“, das in verschiedenen Fassungen überliefert ist und die erste große Opernszene darstellt.
Nach dieser enormen Anstrengung kehrte Monteverdi in einem Zustand des Zusammenbruchs, der lange Zeit angehalten zu haben scheint, wieder nach Cremona zurück. Im November 1608 wurde er nach Mantua zurückbeordert, weigerte sich aber, zu gehen. Er kehrte schließlich zurück, aber danach hasste er den Gonzaga-Hof, von dem er behauptete, er habe ihn unterbewertet und unterbezahlt, obwohl er eine Gehaltserhöhung und eine kleine Pension für seinen Erfolg mit L’Arianna erhielt. Er scheint jedoch nicht unkreativ gewesen zu sein, obwohl die Musik, die er im nächsten Jahr oder so schrieb, seine Depression widerspiegelt. Er arrangierte das „Lamento“ als fünfstimmiges Madrigal und schrieb eine madrigalische Threnodie auf den Tod seiner Primadonna. Die Sestina, die später im sechsten Buch der Madrigale veröffentlicht wurde, stellt den Höhepunkt der dissonanten, agonierten Musik in diesem Stil dar. In einer kraftvolleren Art und Weise schrieb er einige Kirchenmusik, die er 1610 in einem Band veröffentlichte, der eine Messe im alten Stil und Musik für Vespern an Marienfesten enthält. Die Messe war eine bemerkenswerte Leistung, ein bewusster Versuch zu zeigen, dass das polyphone Idiom noch möglich war, während es überall im Sterben lag. Noch bemerkenswerter ist die Vespermusik, ein virtuelles Kompendium aller Arten moderner Kirchenmusik, die zu dieser Zeit möglich waren – großartige Psalmvertonungen in venezianischer Manier, virtuose Musik für Gesangssolisten, Instrumentalmusik, die für Zwischenspiele im Gottesdienst verwendet wurde, sogar ein Versuch, moderne Opernmusik zu verwenden, um die ausdrucksstarken, emotionalen Worte des Magnificat zu vertonen. Doch obwohl diese Musik so „fortschrittlich“ wie möglich ist, macht Monteverdi sie zu einer Erweiterung der alten Tradition, indem er Plainsong-Melodien – alte unbegleitete liturgische Gesänge – als thematisches Material für die Psalmen und Magnificats verwendet. Vor allem ist es Musik der Gegenreformation; mit allen Mitteln, traditionellen und neuen, weltlichen und religiösen, soll sie den Zuhörer mit der Macht der römisch-katholischen Kirche und ihres Gottes beeindrucken.