Die Musikpresse weiß offensichtlich nicht viel über Echsen. Wenn sie es täten, hätten sie vielleicht nicht fünf Jahrzehnte damit verbracht, David Bowie als das „Chamäleon des Pop“ zu bezeichnen.
Das entscheidende Merkmal des Chamäleons ist sicherlich seine Fähigkeit, die Farbe zu wechseln, um sich seiner Umgebung anzupassen. Es fügt sich in das Vorhandene ein, anstatt anders zu sein. Im Grunde ist es das Reptilien-Äquivalent von Good Charlotte.
Das Gegenteil war bei David Bowie der Fall. Nach der Veröffentlichung seiner ersten Singles im Jahr 1966, zwang Bowie den Hintergrund, sich ihm anzupassen. Dann, als dies der Fall war, zog er seine musikalische Haut ab und begab sich auf die Suche nach neuer Inspiration. Wir haben Bowie unzählige Male dabei beobachtet, bis zu den Veröffentlichungen von Blackstar im Jahr 2016, das er mit dem langjährigen Produzenten Tony Visconti und einer Truppe von bis dahin unangekündigten New Yorker Jazzern aufnahm. In welche Richtung er sich auch wandte, er versagte nie darin, Aufregung und Respekt hervorzurufen.
Wenn zeitgenössische Rockbands von Experimenten sprechen, bedeutet das in der Regel, dass sie einen neuen Akkord erlernt haben. Bowies Interpretation des Wortes war etwas extremer. Als er sich neu erfand, blieb von dem, was vorher war, wenig übrig. Die musikalische Richtung wechselte vielleicht von Glam zu Philly Soul; die Produktion tauschte üppig gegen spröde; die Bowie-Persönlichkeit sprang vielleicht vom androgynen Raumfahrer (alias Ziggy Stardust) zu einem von den Nazis besessenen Kabarettisten (alias The Thin White Duke); sogar Bowies Personal – immer ein wichtiger Bestandteil jeder neuen Ära – wurde auf wechselndem Sand gebaut, als der Künstler die besten Gegenspieler für seine dilettantische Muse suchte.
Bowies Appetit auf Neuerfindungen machte ihn sowohl magnetisch als auch widersprüchlich. Er ließ Genres und Kollaborateure gerade dann hinter sich, wenn es schien, dass sie ihren Höhepunkt erreichten. Manchmal verweilte er länger als nötig in so fragwürdigen Gewässern wie Electronica und Dance. Manchmal wirkte sein Eklektizismus gekünstelt – und während seines letzten Vierteljahrhunderts gibt es kaum Zweifel, dass er das Ziel mehr verfehlte als traf.
Und doch, wie er mit dem exzellenten Heathen von 2002, mit The Next Day von 2013 und mit Blackstar bewies, schrieb man David Bowie auf eigene Gefahr ab. Während die meisten Bands auf Vertrautheit setzten, blieb er einer der wenigen etablierten Künstler, die immer noch in der Lage waren, zu schockieren und zu innovieren; vielleicht der einzige Superstar der 70er Jahre, der sich immer noch durchsetzte. Bis zum Ende.
Essential: Die klassischen Alben
The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (RCA, 1972)
‚To Be Played At Maximum Volume‘, rät die Rückseite der Hülle, und das ist in der Tat die beste Art, Bowies kreativen Höhepunkt zu genießen. Ziggy Stardust markiert den Moment, in dem Bowie es absolut richtig gemacht hat.
Wie alle guten Konzeptalben fühlte es sich wie eine Reise an, von den apokalyptischen Five Years bis zum schmerzverzerrten Rock ‚N‘ Roll Suicide. Im Gegensatz zu den meisten Konzeptalben bedeutete die Fülle an Pop-Hooks, dass es sich genauso gut anhörte, wenn man es in Fetzen im Radio hörte. Während Bowie nie besser sein würde, kann man argumentieren, dass das Album gleichermaßen dem Gitarristen Mick Ronson gehört.Deal ansehen
Hunky Dory (RCA, 1971)
Bei „Hunky Dory“ geht es vor allem um die Songs. Dies ist das Album, das schwimmende Bowie-Fans am ehesten aus dem Regal nehmen werden, und das aus gutem Grund. Warum sollte man sich durch die „anspruchsvolleren“ Teile von Tin Machine II quälen, wenn man sich in dem fröhlichen Sonnenschein sonnen kann, der von Changes und Fill Your Heart ausgeht? Warum sich durch Earthling schleppen, wenn man zu Life On Mars und Kooks klopfen und summen kann?
Im Gegensatz zu einigen von Bowies späteren Platten gibt es nichts Esoterisches oder Affektiertes an den Songs, die auf Hunky Dory versammelt sind. Es ist das einzige Bowie-Album, das Ziggy Stardust ernsthaft Konkurrenz macht, und das einzige Album, das die Ära definiert und auch auf Hauspartys gut klingt.Deal ansehen
Superior – Die, die seinen Ruf zementierten
Low (RCA, 1977)
Das erste Album der sogenannten „Berlin-Trilogie“ (obwohl es größtenteils in Frankreich aufgenommen wurde), Low ist so disparat und uneinheitlich wie Bowies Denkweise zu dieser Zeit.
Auf diesem Klassiker von 1977, den Bowie zusammen mit Brian Eno schrieb, als er sich vom Kokainrausch der Station To Station-Phase erholte, entstand ein verwirrender Klangteppich, der von spröden Post-Punk-Tracks wie What In The World bis hin zu düsteren instrumentalen Soundscapes (Warszawa) reicht. Abgesehen von Tracks wie Sound And Vision und Speed Of Life ist Low kaum Bowies unmittelbarstes Werk, aber es spricht einiges dafür, dass es sein mutigstes und bewegendstes ist.
Aladdin Sane (RCA, 1973)
Nach „Ziggy Stardust“ im Jahr zuvor war Bowie ein echter Superstar. Folglich wurde ein Großteil des Nachfolgers geschrieben, während er Amerika durch das Fenster seines Tourbusses beobachtete.
In weniger guten Händen hätte das vielleicht zu einem Übergangswerk geführt, aber Aladdin Sane war kein gewöhnlicher Reisebericht. Es ist ein Breitwand-Epos, das Ziggy Stardust-eske Rocker (Watch That Man, The Jean Genie) mit beunruhigenden Anti-Balladen wie Lady Grinning Soul zusammenbringt und bei bluesigen Shuffles (Panic In Detroit) und Swing-Time-Pop (Drive-In Saturday) gleichermaßen überzeugend ist. Es war auch das letzte große Album, das Bowie und Mick Ronson gemeinsam schufen.Deal ansehen
Scary Monsters (And Super Creeps) (RCA, 1980)
Nach der „Berlin-Trilogie“, die von den Kritikern gelobt wurde, aber rückläufige Verkaufszahlen aufwies, begann Bowie das neue Jahrzehnt mit einer Platte, die es schaffte, auf Platz 1 zu debütieren.1 (UK) zu debütieren, ohne die rastlose Vision seines Autors zu kompromittieren.
Scary Monsters wurde durch die spinnenartigen Linien von King Crimson-Gitarrist Robert Fripp und Pete Townshend (auf Because You’re Young) unterstützt und hatte zwei neue Klassiker: Ashes To Ashes und Teenage Wildlife. Bowies kommerzielle Renaissance sollte mit Let’s Dance von 1983 an Fahrt aufnehmen, aber für viele war Scary Monsters sein letztes großes musikalisches Statement.Deal ansehen
Station To Station (RCA, 1976)
Bowies Drogenkonsum Mitte der 70er Jahre war so groß, dass er behauptet, sich nicht an die Entstehung von Station To Station zu erinnern. Für alle anderen bleibt dieser Klassiker aus dem Jahr 1976 eines seiner denkwürdigsten Alben.
Das Album besteht aus sechs ausgedehnten Tracks, deren emotionale Strenge Bowies Gemütszustand widerspiegelte (zu dieser Zeit firmierte er als „The Thin White Duke“), Station… markierte eine deutliche Abkehr vom luftigen Soul von Young Americans und deutete die elektronische Richtung an, die die „Berlin-Trilogie“ später einschlagen sollte. Golden Years war der große Hit des Albums und ist einer von mehreren herausragenden Momenten.Deal ansehen
Gut – eine Entdeckung wert
„Heroes” (RCA, 1977)
Bowie stellte sich der Herausforderung, nach Low sein zweites von Berlin inspiriertes Album abzuliefern, das im Hansa-Studio der Stadt aufgenommen wurde.
„Heroes“ weist viele der gleichen Qualitäten wie sein Vorgänger auf (vor allem bei so strengen Instrumentalstücken wie Sense Of Doubt und Neuköln), aber es gibt hier wohl mehr Licht, das unter dem Vorhang hervorlugt, vom aufsteigenden Trotz des Titeltracks bis zum Barrel-House-Stomp von Beauty And The Beast. Bemerkenswert ist auch die umwerfende Leistung von Robert Fripp (dessen Gitarrenparts angeblich an einem einzigen Tag aufgenommen wurden – obwohl er keinen der Songs vorher gehört hatte).Deal ansehen
The Man Who Sold The World (RCA, 1971)
Eine frühe Andeutung auf Mick Ronsons Potenzial als Katalysator kam auf diesem 1971er-Stürmer, der Bowies Folk-Pop-Sensibilität zerfetzte und ihn als echten Rockstar etablierte.
Auch wenn es nicht ganz so konsistent ist wie seine späteren Alben der 70er Jahre, ist es schwer, die primitive Kraft von Momenten wie Black Country Rock und dem Anfangsteil von The Width Of A Circle zu überhören. Die rauen Riffs von She Shook Me Cold könnten fast als Heavy Metal durchgehen, und die definitive Version des Titeltracks war hypnotisch und beunruhigend. Es sollte noch Besseres von Bowie und Ronson folgen, aber diese Platte war ein verdammt guter Anfang.Deal ansehen
Diamond Dogs (RCA, 1974)
Als Bowie die Erlaubnis verweigert wurde, eine Theaterproduktion basierend auf George Orwells 1984 zu inszenieren, fanden die überflüssigen Songs stattdessen ihren Weg auf die zweite Hälfte von Diamond Dogs.
Dieser Cut-and-Paste-Ansatz resultierte in einem lockeren Konzeptalbum (es wird durch die Vision einer verfallenden Zukunft zusammengehalten) und einigen von Bowies bis dato rockigsten Songs, mit Highlights wie dem rauen Titeltrack und dem spröden Stomp von Rebel Rebel. Wir alle vermissten Ziggy zu sehr, um es damals richtig zu würdigen, aber rückblickend gehört, sind Teile von Diamond Dogs die Nüsse des Köters (sozusagen).View Deal
Blackstar (ISO/Columbia, 2016)
Ein Großteil von Bowies Schaffen in seinen letzten 25 Jahren war ein Lippenbekenntnis zu seinen avantgardistischen Neigungen, hielt sich aber meist an ziemlich geradlinige Indie-Rock-Parameter.
Mit Blackstar ging er viel tiefer und schuf sein abenteuerlichstes und kompromisslosestes Album seit seiner klassischen Reihe von Brian-Eno-Kollaborationen. Mehr noch als das 2013er „Comeback“-Album The Next Day suggerierten diese sieben Tracks, dass die Klänge in seinem Kopf mit denen seines langjährigen Soul-Bruders Scott Walker übereinstimmten, obwohl er glücklicherweise auf einem wärmeren Niveau mit altmodischer Melodie und Emotion blieb. Eine umwerfende letzte Überraschung. View Deal
Avoid -. Der Zwerg des Wurfes
Labyrinth – The Original Soundtrack (EMI, 1986)
Er hatte sich bereits durch seine Rolle als Jareth, dem Koboldkönig, in Jim Hensons Film gemogelt, und Bowie fügte seiner strauchelnden Karriere eine weitere Demütigung zu, indem er sich am Soundtrack beteiligte. Vielleicht wären solch infantile Nummern wie „Magic Dance“ nicht so schlimm gewesen, wenn Bowies „ernsthaftes“ musikalisches Schaffen zu dieser Zeit aufgeblüht wäre.
Nach so vergesslichen Alben wie „Tonight“ und „Absolute Beginners“ klangen die fünf Songs, die Bowie zu „Labyrinth“ beisteuerte, jedoch deutlich nach „Underwhelming“.