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Eddie Van Halen verbrachte ein ganzes Leben damit, den Klängen nachzujagen, die er in seinem Kopf hörte. Die Lobeshymnen, die seit Van Halens Tod am 6. Oktober im Umlauf sind, stellen Vergleiche mit Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page und anderen an, die das Pantheon der sagenumwobenen „Gitarrenhelden“ des Rock bilden. Ein aufschlussreicherer Vergleich ist der mit Les Paul, einem Gitarrenvirtuosen aus der Zeit vor dem Rock, der die Vorlage für vieles, was folgte, lieferte. Wie Paul war Van Halen das, was ich einen „tüftelnden Virtuosen“ nennen würde. Das heißt, er widmete einen Großteil seines Handwerks und seiner Kreativität nicht nur der Verfeinerung seiner erstaunlichen Gitarrentechnik, sondern auch dem Optimieren und Anpassen der grundlegenden Werkzeuge seines Handwerks. Unzufrieden mit den Spezifikationen der beiden am weitesten verbreiteten E-Gitarren seiner Zeit – der Fender Stratocaster und der Gibson Les Paul – baute Van Halen irgendwann in den Jahren 1976-77 seine eigene Gitarre aus geliehenen Teilen und schuf ein hybrides Instrument, das aussah, als würde es kaum zusammenhängen, aber einen Klang und ein Spielgefühl hatte, das eine ganz neue Klasse von Gitarren schuf, die „Superstrats“, die zu einem neuen Industriestandard wurden. Auch sein berühmter „Brown Sound“ – die hochgradig gesättigte, übersteuerte Klangfarbe, die sein Spiel umhüllte – entstand aus seinen Experimenten mit modifizierten Verstärkern und einer Reihe von Effektpedalen, die arbeitenden Rockgitarristen in den 1970er Jahren zur Verfügung standen.

Diese Tüftlerqualität galt auch für sein Spiel. Van Halen war nicht nur ein großartiger Gitarrist. Er entwickelte ein Repertoire an Techniken, die die Art und Weise, wie die Gitarre gespielt wurde, veränderten. In dieser Hinsicht ist der Vergleich mit Hendrix treffend, und wiederum mit Les Paul, die beide die Bandbreite dessen, was mit einer elektrischen Gitarre möglich war, erweiterten. Doch während Paul sein Spiel mit ebenso innovativen Aufnahmetechniken verband, um einen hypermodernen Stil der Virtuosität zu schaffen, der seine Schuld an der Technologie auf dem Ärmel trug, nutzte Van Halen die ihm zur Verfügung stehenden Technologien, um ein Gefühl der Rohheit und Unmittelbarkeit zu schaffen. Ein Killer-Solo oder -Riff von Van Halen hat den Anschein, als ob es spontan entstanden wäre. Es ist diese Mischung aus Spontaneität und Präzision, die sich durch seine besten Aufnahmen zieht.

Hier sind fünf Songs, bei denen wir diese Balance in voller Blüte hören können. Es sind nicht unbedingt die „besten“ Van-Halen-Soli, aber sie repräsentieren etwas von der Bandbreite seines musikalischen Könnens und zeichnen in ihrer Gesamtheit ein Porträt von Eddie als Gitarrist, der in mehreren Dimensionen verweilte. Aber zuerst eine Anmerkung zu meiner Auswahl: Als gebürtiger Südkalifornier, der das erste Van-Halen-Album kaufte, als es 1978 herauskam (als ich reife 10 Jahre alt war) und die Band zweimal sah – auf der letzten Tour mit David Lee Roth 1984 und der ersten Tour mit Sammy Hagar 1986 – fühle ich keinen Konflikt, wenn ich mich zu einem uneingeschränkten Anhänger der Roth-geführten Version der Band (v. 1.0) erkläre. Daher habe ich keine Anstrengungen unternommen, einen repräsentativen Querschnitt von Songs aus der gesamten Karriere der Band auszuwählen.

„Eruption“ von Van Halen (1978)

Dieser treffend benannte Knaller ist der Grundstein für jede Überlegung, warum Van Halen, der Gitarrist, wichtig ist. „Eruption“ steht neben Jimi Hendrix‘ „Star-Spangled Banner“-Performance in Woodstock als definitive Aussage dessen, was die elektrische Sologitarre leisten kann. Es zeichnete auch eine klare Linie in den Sand, die ein „vorher“ und „nachher“ abgrenzte. Man kann eine Vielzahl von Einflüssen aufspüren, die in „Eruption“ zu hören sind, aber die einfache Tatsache ist, dass Van Halens Spiel nicht wirklich nach irgendetwas klingt, das vorher gekommen war. Danach wurde „Eruption“ zum Sound von Tausenden von aufstrebenden Gitarristen, die in ihren Schlafzimmern, Garagen oder in den Gängen des örtlichen Gitarrenladens schredderten (oder es versuchten).

Beginnend mit einem einleitenden Trommelwirbel von Bruder Alex und einem riesigen Power-Akkord, packt „Eruption“ drei verschiedene Mini-Bewegungen in seine eine Minute und zweiundvierzig Sekunden Dauer. Den ersten Abschnitt könnte man als „Blues im Exzess“ bezeichnen. Pentatonische Skalen, die Grundbausteine des bluesbasierten Gitarrensolos, sind hier vorherrschend, aber Eddie transformiert sie durch eine Reihe von Techniken, die zu charakteristischen Bestandteilen des Van-Halen-Stils wurden: Palm-Muting (wobei der Gitarrist die Handfläche benutzt, um den Klang der Saiten zu dämpfen), schnelle Hammer-Ons und Pull-Offs (wenn der Gitarrist die Töne anschlägt, ohne sie auch zu zupfen) und als Höhepunkt ein wildes, mutiertes Herunterdrücken der tiefen E-Saite der Gitarre mit Hilfe seines Whammy-Bars bis zu dem Punkt, an dem sie nicht mehr weiter reicht.

Ein weiteres Aufblühen von Powerchords führt in den nächsten Abschnitt. Man könnte es „Staccato-Neoklassizismus“ nennen – hier pickt Van Halen fast jede Note in halsbrecherischer Geschwindigkeit in einer Passage, die mit einem Zitat aus einer bekannten Geigenetüde von Rodolphe Kreutzer gipfelt. Klassische Einflüsse waren schon seit einem Jahrzehnt ein wachsendes Merkmal des Rock, als Van Halen 1978 „Eruption“ aufnahm, aber Van Halen setzte sie mit entschiedener Kraft ein, indem er die Grenze angriff, die die hohe Kultur von der niedrigen trennt. Und die Anspielung, die den zweiten Teil der Performance abschließt, ist eigentlich nur ein Vorgeschmack auf die mitreißende akustische Freude im letzten Teil des Stücks, den ich „tapping toward ecstasy“ nenne. Indem er den Zeigefinger der rechten Hand im Tandem mit den Hammer-Ons und Pull-Offs der linken Hand auf das Griffbrett klopft, erzeugt Eddie eine sich schnell verändernde Kaskade von Noten, die auf dem Griffbrett nach oben steigen und sich dann wieder nach unten bewegen, und die den Zuhörer mitreißen, sich zu wundern, wie jemand so schnell und so präzise spielen kann, und ihn dann an einem Punkt der Auflösung vorbei zu einem endgültigen ohrenbetäubenden Schmelz führen. Eddie Van Halen hat die Technik des beidhändigen Klopfens auf der Gitarre nicht erfunden, aber mit „Eruption“ hat er sie perfektioniert, und der Klang dieser fließenden Legato-Noten sollte das entscheidende Merkmal seines Spiels werden.

„I’m the One“ von Van Halen (1978)

„Eruption“ komprimierte viele von Eddie Van Halens ohrwurmverdächtigsten Klängen zu einem eigenständigen Solo-Gitarren-Statement. In gewisser Weise war es jedoch noch bemerkenswerter zu hören, wie geschickt der Gitarrist so viele der gleichen Techniken in etwas integrieren konnte, das eher als „Song“ mit Gesang und einer konventionellen Strophe/Refrain-Struktur erkennbar war. „I’m the One“ besaß nicht die Melodiösität anderer Perlen auf dem Debüt der Band – Tracks wie „Running with the Devil“, „Ain’t Talkin‘ Bout Love“ und „Jamie’s Crying“ waren die songtechnischen Highlights des Albums. Was dem Album an Hummelbarkeit fehlte, machte es mit seinem unerbittlichen Blues-Boogie-Galopp in hohem Maße wieder wett. Vom ersten Riff an demonstriert der Song Eddies Fähigkeit, musikalische Elemente, die in den Händen eines anderen Musikers als Klischees erscheinen könnten, durch schiere Kraft der Ausführung zu erhöhen.

„I’m the One“ kann als Meisterklasse im Fill angesehen werden. Eddie wirft seine Gitarre zwischen jeder Phrase von David Lee Roths Gesang ein. Allein in der Bridge, die auf die erste Strophe folgt, hören wir nach einer Zeile gezupfte Obertöne, die mit dem Whammy-Balken gebeugt werden, nach der nächsten Zeile schabt Eddies Plektrum aggressiv über die Gitarrensaiten, nach Zeile drei folgt ein Sturzflug und dann ein herrlich schneller Tonleiterlauf, der den Refrain einleitet. Es ist eine frenetische Art von Call-and-Response und ein perfektes Destillat dafür, wie bereitwillig Van Halen seine Virtuosität an die Konturen eines Songs anpassen konnte, indem er sein Können Sekunde für Sekunde demonstrierte.

Wenn das noch nicht genug ist, spielt Eddie nicht nur ein, sondern gleich zwei Soli auf „I’m the One“, was den Song zu einem Gitarren-Showcase der Extraklasse macht. Im ersten spielt er einen mit den Fingern getippten Lauf und eine schnell gezupfte aufsteigende Linie, die direkt aus „Eruption“ stammen könnten, aber mit einer Prägnanz präsentiert werden, die ihre Wirkung nur noch verstärkt. Das zweite Solo spinnt die Noten in einem Tempo, das den Zuhörer nach Luft schnappen lässt, bevor es sich in einem straff gespielten Turnaround einpendelt, der für ein fast unerträglich leichtes, aber charmantes A-Capella-Zwischenspiel mit Barbershop-Ersatzharmonien endet. Das abrupte Nebeneinander von Gitarrenfeuerwerk und gesanglicher Laune fängt eine der wichtigsten Dualitäten der Band ein. Eddies Virtuosität schien manchmal in einer anderen Sphäre zu existieren als die seiner Bandkollegen, und doch nutzte er in einem Song wie „I’m the One“ genau diese Unstimmigkeit, um seine Kraft zu steigern.

„Mean Street“ von Fair Warning (1981)

Van Halens viertes Album, Fair Warning, war das „dunkle“ Album der Band, weniger überschwänglich und partyorientiert als seine Vorgänger. Der Eröffnungstrack, „Mean Street“, signalisiert den Tonwechsel mit einer bedrohlichen Einblendung auf Eddie, der ohne Begleitung heftig auf die unteren Saiten seiner Gitarre klopft. Hier erzeugt er ein Gefühl von Klaustrophobie, indem er immer wieder die gleichen Noten anschlägt. Der Effekt ist weniger melodisch als perkussiv – es ist fast so, als ob er die Slapping-Bass-Technik, die von Funkspielern wie Larry Graham und Louis Johnson entwickelt wurde, auf die Gitarre anwendet.

Endlich geht Eddie über das feste Muster hinaus und klopft eine Reihe von Läufen, die von durchdringenden Obertönen unterbrochen werden. Obertöne sind glockenartige Töne mit ungewöhnlichem Sustain, die an bestimmten Stellen des Griffbretts der Gitarre am ehesten auftreten – vor allem am fünften, siebten und zwölften Bund. Mit seiner Tapping-Technik gelang es Van Halen jedoch, Obertöne über das gesamte Griffbrett zu spielen. Dies war eine Methode, die von Musikern wie dem Jazz-Gitarristen Lenny Breau und dem Aushängeschild der Country-Musik, Chet Atkins, mit großer Subtilität eingesetzt worden war. Eddie selbst benutzte sie mit eher dezentem Effekt auf früheren Van Halen-Songs wie „Dance the Night Away“ und „Women in Love“, aber auf „Mean Street“ wendet er die für ausgewachsenen Hardrock charakteristischen Bögen aus Verzerrung und Echo an, was dem Ergebnis eine unheimliche Qualität verleiht. Nirgendwo kommt Eddies Sinn für klangliche Erkundungen besser zur Geltung.

„Cathedral“ von Diver Down (1982)

Diver Down ist das schwächere der Alben, die von der Band während der David Lee Roth-Ära veröffentlicht wurden, aber seine große Lockerheit ließ Raum, um nicht nur ein, sondern zwei Beispiele für Eddies Solospiel aufzunehmen. Von den beiden ist „Cathedral“ vielleicht das erhabenste Stück von Van Halen. In dem kurzen Stück spielt Eddie mit einem auffallend sauberen Gitarrensound – hier gibt es keine durchdringenden Ausbrüche von Verzerrung! – der durch sein Echoplex-Delay-Pedal noch verstärkt wird. Was dem Stück seine ätherische Qualität verleiht, ist die Manipulation des Lautstärkereglers seines Instruments durch den Gitarristen. Mit der ganzen Kraft seiner linken Hand spielt Van Halen eine üppige Reihe von klassisch angehauchten Arpeggien im reinen Legato-Modus, während seine rechte Hand den Lautstärkeregler bei jeder gespielten Note nach oben und dann wieder nach unten dreht. Der daraus resultierende Sound hat nur Schwellungen und keinen Attack. Zusammen mit der Verzögerung, die jede Note wiederholt, während sie vorbeizieht, ist der Gesamteffekt unheimlich und entschieden gitarrenuntypisch – daher auch der Titel des Stücks, „Cathedral“, der an die Art und Weise erinnern soll, wie Van Halen den Klang einer Kirchenorgel in all ihrer hallenden Erhabenheit kanalisiert.

(Der zweite beeindruckende Solo-Gitarrentrack auf Diver Down ist das Intro zum Song „Little Guitars“, der, wie das frühere, kopfbewegende „Spanish Fly“ vom zweiten Van Halen-Album, ein Akustikgitarren-Instrumental war, das bewies, dass seine Trademark-Technik nicht auf alle Finessen der Hardrock-Soundmodifikation angewiesen war, um realisiert zu werden. Wie „Cathedral“ zeigt auch „Little Guitars (Intro)“ die ungewöhnliche und verblüffende Unabhängigkeit von Eddies rechter und linker Hand, um sich dem Spiel von Flamenco-Gitarristen wie Carlos Montoya anzunähern, während er eine völlig andere Technik anwendet. Eddie würde später sagen, dies sei ein Beispiel für seine Fähigkeit zu „schummeln“ in seinem Bemühen, einen Sound zu emulieren, der in seinem Kopf hängen geblieben ist. Ich würde stattdessen sagen, dass der zweiundvierzig Sekunden lange Track seine Fähigkeit zur musikalischen Neuerfindung verkörpert.)

„Drop Dead Legs“ von 1984 (1984)

Ein „Album-Track“ auf dem erfolgreichsten Album von Van Halens Karriere, „Drop Dead Legs“ ist voller Schwung. Der Song zeigt die Band selbstbewusst in einem Mid-Tempo-Groove, der von einem herausragenden Riff von Eddie angetrieben wird, der ein Stop-and-Start-Muster arbeitet, das den sich abwechselnden Noten und Akkorden Raum zum Atmen gibt. Wenn der Song in den Refrain übergeht, spielt Eddie eine Mischung aus Akkorden und Fills, die die Grenze zwischen Lead- und Rhythmusgitarre verschwimmen lässt, hervorgehoben durch eine Sequenz von Single-Note-Läufen, die eine Brücke zur nächsten Strophe bilden.

Wenn sich der Track dem Ende nähert, kommt die Band zu einer instrumentalen Coda, die sich als das wahre, lebendige Herz des Songs entpuppt. An diesem Punkt wird das umwerfend brillante Riff, das den größten Teil des Songs beherrscht, durch eine immer noch treibende, aber etwas entspanntere rhythmische Figur ersetzt. Es beginnt in einer geradlinigen Blues-Ader, aber nachdem es zweimal wiederholt wurde, lässt Eddie eine überraschende Note einfließen, die genau den richtigen Hauch von etwas Unerwartetem hinzufügt. Nachdem er das Outro-Riff von einer Variation zur nächsten durchlaufen hat und jedes Mal mehr Schwung aufbaut, beginnt der Gitarrist sein Solo fast zaghaft, als würde er den Zeh ins Wasser tauchen, um die Temperatur zu prüfen, bevor er kopfüber eintaucht. Seine Noten haben ein ausgeprägtes Blues-Feeling, gebogen und verdreht mit dem Whammy-Bar. Dann, ohne Vorwarnung, beginnt das Klopfen, und die verirrten Einzelnoten werden zu einem Wirrwarr, das vorbeirauscht. Eddie’s Phrasen haben eine stockende Qualität, als ob er zwischen jedem Durchgang einen Atemzug nehmen würde. Mit jedem neuen Durchlauf wird sein Spiel ein wenig mehr „out“, er testet die Gewässer der Dissonanz, während er sich immer noch an das Ufer des Riffs schmiegt. Als sich das endgültige Ausblenden des Songs nähert, klingt es so, als ob Eddie über die Grenzen des Griffbretts hinaus in eine astrale Ebene körperloser Gitarrenpoesie abdriften könnte, aber er bleibt letztendlich genau in den Grenzen. Die letzten neunzig Sekunden von „Drop Dead Legs“ präsentieren Eddie Van Halen als „Avant-Rocker“ und sind eine so perfekte Paarung von Riff und Solo, wie es sie im Kanon der Rockgitarren gibt.