Wie würden Sie vorgehen, wenn ich Sie bitten würde, eine Melodie für diesen Vers zu komponieren, der gesungen werden soll?
„Mein Herz hüpft beim Klang Deiner Stimme.“
Wie wäre es mit etwas wie diesem?
Oder vielleicht so?
Die Möglichkeiten sind endlos, aber was wir wirklich wollen, ist, die Bedeutung der Wörter hervorzuheben. Und hier ist die Tonmalerei (auch bekannt als Wortmalerei) wirklich nützlich. Es hilft uns, die Möglichkeiten einzugrenzen, und noch besser, es erlaubt uns, die Bedeutung des Verses selbst die Musik leiten zu lassen.
Was also ist Tonmalerei in der Musik?
Tonmalerei ist die Technik, Vokalmusik entsprechend der Bedeutung der Worte zu gestalten. Wir schreiben zum Beispiel eine Melodie, die bei Wörtern wie „steigend“, „bergauf“ und „kletternd“ ansteigt, oder wir lassen die Musik bei Wörtern wie „sanft“, „friedlich“ und „ruhig“ ganz leise werden.
Schauen wir uns ein paar echte Beispiele an.
Hinweis: Um Musikkomposition mit mir zu lernen, schauen Sie sich die Seite Online-Unterricht an.
Hier ist eine Arie (ein klassisches Lied, das von einem Solisten vorgetragen wird und normalerweise Teil einer Oper ist) aus Händels Oper Rinaldo. Hier weint die Figur und drückt ihren Kummer aus. Dies ist die Eröffnung des Stücks und bedeutet in einfachen Worten: „Lass mich über mein schlechtes Schicksal weinen.“ Abgesehen davon, dass es sich um eine Moll-Tonart handelt, fällt auf, wie sich die Melodie bei den Worten „ch’io pianga“ (was „dass ich weine“ bedeutet) und „crude sorte“ (was „grausames Schicksal“ bedeutet) um einen Halbtonschritt bewegt. In diesem Zusammenhang ist es die perfekte Wahl des Intervalls, um Traurigkeit auszudrücken.
Beachten Sie auch, wie die Struktur der Melodie selbst das Weinen imitiert. Sie ist in kurze Fragmente unterteilt, die durch Pausen getrennt sind, so dass der Sänger gezwungen ist, mehrmals zu stoppen und anzufangen, als ob er den Atem verliert. Wenn wir weinen, nehmen wir im Allgemeinen viel kürzere Atemzüge.
Die fallende kleine Sekunde ist tatsächlich ein sehr verbreitetes Motiv, um Weinen oder Trauer ab dem 16. Es ist sogar so gebräuchlich, dass es als „pianto“ bekannt ist, italienisch für „weinen“.
Hier ist ein weiteres Beispiel für das pianto. Dieses ist aus Monteverdis „Lamento d’Arianna“. Es ist ebenfalls in einer Moll-Tonart und der Sänger singt „Lasciatemi morire“ (italienisch für „Lass mich sterben“). Das Wort „sterben“ wird auf der tiefsten Note der Phrase gesungen, als ob es ein Gefühl der Resignation oder des Aufgebens gegenüber dem Unglück ausdrücken soll, wie im vorherigen Beispiel.
Nun ist die Tonmalerei nicht auf Traurigkeit oder eine einfache Wahl von Molltonarten beschränkt. Sie geht viel tiefer in die Gestaltung der Details der Musik.
In diesem nächsten Beispiel, ebenfalls von Händel, singt der Chor „Ehre sei Gott dem Höchsten und Friede auf Erden“. Die Worte „Glory to God the Highest“ werden zu einer majestätischen und lebendigen melodischen Kontur gesungen. Die Worte „Und Friede auf Erden“ werden sanft zu einem einzigen Ton gesungen.
Handels Wahl der Stimmen ist ebenfalls aufschlussreich. ‚Glory to God‘ wird vom gesamten Chor gesungen, mit Ausnahme der Bassstimmen. Durch das Fehlen der Bässe entsteht ein hellerer und leichterer Klang. Andererseits wird „Friede auf Erden“ nur von den Männerstimmen (Tenöre und Bässe) in relativ tiefer Lage gesungen.
Es ist klar, dass Händel uns einen Kontrast zwischen dem, was himmlisch ist und dem, was auf die Erde gehört, zeigt.
Lassen Sie uns in der Musikgeschichte um etwa 200 Jahre weitergehen.
Vaughan Williams‘ Eröffnung der Sea Symphony ist absolut ehrfurchtgebietend. Nach einer kurzen Fanfare setzt der Chor mit einem gewaltigen Einsatz auf die Worte „Behold! The Sea!“. Der Komponist will uns offensichtlich mit dem Gedanken an das majestätische Meer und die Erhabenheit der Natur in Erstaunen versetzen. Als Zuhörer haben wir keine andere Wahl, als zu „behold“!
Als Beispiel für das Erzeugen einer Atmosphäre aufgrund der Worte möchte ich zwei fantastische Songs von Pink Floyd anführen. Streng genommen sind das keine wirklichen Beispiele für Tonmalerei, denn die Teile, auf die ich mich beziehe, sind instrumental. Aber sie sind großartige Beispiele für den Einsatz von Klang, um den Hörer auf die Bedeutung des Textes vorzubereiten. Ich beziehe mich auf die Songs ‚Money‘ und ‚Time‘ vom Album ‚the Dark Side of the Moon‘.
‚Money‘ beginnt mit dem Klang von Registrierkassen. ‚Time‘ beginnt mit dem Klang einer Vielzahl von klingelnden und tickenden Uhren, bis schließlich, nach der Zwei-Minuten-Marke, der Sänger mit den Worten „Ticking Away“ einsetzt. Sie sollten sie auf jeden Fall ausprobieren, egal welchen Dienst Sie für Musikstreaming nutzen.
Zurück zur eigentlichen Wortmalerei: hier ein Beispiel aus Rossinis beliebter Arie „Largo al Factotum“. Der Sänger singt eine absteigende Oktave auf dem Wort „Largo“. Hier bedeutet es „Platz machen“ oder „Raum geben“. In der Tat ist zwischen diesen beiden Tönen viel Platz – der Platz einer ganzen Oktave nämlich:
Hier ist das gleiche Intervall in einer moderneren Einstellung. Bei dem Wort „fallen“ fällt die Melodie buchstäblich eine Oktave.
Lassen Sie uns nun zu einem meiner Lieblingsbeispiele für Tone Painting übergehen. Es stammt aus Mozarts „Voi Che Sapete“, einer Arie aus der Oper „Die Hochzeit des Figaro“. Das Lied handelt von einem Jungen, der die Liebe beschreibt. In dem Moment, in dem diese Strophe gesungen wird, besteht der Rhythmus aus kürzeren Werten, die den Eindruck von Herzklopfen und Atemlosigkeit vermitteln:
Beachten Sie auch, wie das Muster nach oben geht (bekannt als Sequenz – eine Wiederholung auf höherer oder tieferer Tonhöhe), was dazu beiträgt, ein Gefühl von Angst oder Aufregung zu erzeugen.
Wortmalerei beeinflusst nicht nur die Melodie. Sie kann auch jeden anderen Aspekt der Musik beeinflussen. In unserem nächsten Beispiel leitet die Geschichte des Gedichts den Komponisten bei der Wahl der Begleitung und des Tempos, was sich natürlich auf die gesamte Stimmung des Stücks auswirkt.
Ich spreche von Schuberts Der Erlkönig. Es geht um einen kranken Jungen, der sehr spät in der Nacht von seinem Vater auf einem Pferd weggejagt wird. Als der Junge im Sterben liegt, hat er Visionen vom ‚Erlkönig‘ – dem deutsch-skandinavischen Fabelwesen, das die Sterbenden besucht (ähnlich dem Sensenmann in anderen Kulturen). Der Sänger hat mehrere Rollen: Er singt aus der Sicht des Erzählers, des Vaters, des Jungen sowie des Erlkönigs selbst. Schubert stellt diese Charaktere mit verschiedenen Stimmlagen und auch mit verschiedenen Arten der Begleitung dar. Es empfiehlt sich, das ganze Stück zu hören, aber hier ist die Klaviereinleitung, die das Szenario aufbaut. Die schnellen Triolen selbst drücken ein großes Gefühl der Eile und Dringlichkeit aus:
Tonmalerei muss auch nicht komplex sein. Leonard Cohens wunderschönes „Hallelujah“ beinhaltet eine eher einfache Akkordfolge, aber es gibt diese spezielle Strophe, bei der die Akkorde perfekt zum Text passen:
„Es geht so, die Quarte, die Quinte,
Das Moll-Fallen und das Dur-Heben“
Beim Wort „Quarte“ ist der Akkord die 4 in der Tonart und ähnlich beim Wort „Quinte“ ist der Akkord die 5 in der Tonart. Bei den Worten „Dur-Hebung“ ist der Akkord Dur, bei den Worten „Moll-Fall“ ist der Akkord Moll. Für mich geben diese subtilen Akzente dem Text eine zusätzliche Tiefe.
Nun, nur für den Fall, dass Ihnen die Theorie dahinter nicht klar ist, studieren Sie diese Lektion und es wird Sinn ergeben. Kurz gesagt, wenn wir die Tonart C-Dur nehmen, ist der vierte Akkord F-Dur und der fünfte ist G-Dur:
Das erinnert übrigens an den Do-Re-Mi-Song aus The Sound of Music. Hier wird nicht nur die Harmonie durch den Text beeinflusst, sondern sogar die Struktur der Melodie selbst. Das Lied stammt aus einer Szene, in der die Protagonistin, Maria, den Kindern unter ihrer Obhut Musik beibringt. Sie tut dies, indem sie ihnen ein Lied vorsingt, in dem jede Strophe mit dem nächsten Ton in der Tonleiter beginnt – sowohl im Text als auch in der Musik. („Doh“, „re“, „mi“, „fa“, „sol“, „la“, „ti“ sind die Silben, die für die Noten C, D, E, F, G, A, B in einigen Gehörbildungsaktivitäten verwendet werden. Das erste Wort jeder Zeile dieser Strophe ist eine dieser Silben).
„Doe, ein Reh, ein weibliches Reh,
Ray, ein Tropfen goldener Sonne,
Me, ein Name, den ich selbst nenne,
Far, a long, long way to run,
Sew, a needle pulling thread,
La, a note to follow Sew,
Tea, a drink with jam and bread,
That will bring us back to Do“
(Hinweis: Die Aufnahmen dieses Liedes sind normalerweise in B, aber ich habe die Notation der Einfachheit halber nach C transponiert).
Tonmalerei-Übungen
Nachdem Sie nun eine ganze Reihe von Beispielen gesehen haben, wie würden Sie die erste Strophe angehen, die ich Ihnen am Anfang gezeigt habe? Hier sind einige Vorschläge, um das Tone Painting selbst auszuprobieren. Teilen Sie Ihre Arbeit mit uns in unserer FB-Gruppe, ich würde mich freuen, Ihre Ideen zu sehen!
1. Hören Sie sich an, wie Tone Painting in diesen Stücken verwendet wird:
- As Vesta was Descending von Thomas Weelkes (beachten Sie, was bei den Wörtern passiert: „descending“, „ascending“, „long“ und den Phrasen „two by two“, „three by three“ und „all alone“).
- Smash the Mirror von The Who (Beachten Sie, wie die Melodie bei der Wiederholung des Wortes ‚rise‘ ansteigt).
- Man in the Mirror von Michael Jackson (Warten Sie auf den kulminierenden Tonartwechsel bei dem Wort „change“ selbst bei 02:53)
2. Komponieren Sie kurze musikalische Ausschnitte für ein paar dieser kurzen Strophen.
- My heart is leaping to the sound of your voice.
- Together we rise. Alleine sinken wir.
- Oben, unten, links oder rechts? It matters not if you’re with me.
- She is all alone in a sea of people.
- It’s a slow, long way to home.
3. Um Musikkomposition mit mir auf einer 1-zu-1-Basis zu lernen, schauen Sie auf der Seite Online-Unterricht.