Eine Motette ist ein geistliches Chorstück, das in mehreren Teilen gesungen wird.
Das ist zumindest so nahe, wie man einer Definition von „Motette“ kommen kann, ohne ganze Bereiche des Repertoires auszuschließen.
Aber wie bei der anderen wichtigen europäischen Musikform, der Sinfonie, ist die formale Fluidität der Motette kein Zeichen von inhärenter Unbestimmtheit, sondern von Stärke und Gesundheit – der Fähigkeit, in Zeiten großer kultureller Veränderungen zu überleben und zu gedeihen.
Im Wesentlichen repräsentiert die mittelalterliche Motette die erste große Blüte der eindeutig westlichen Innovation, der Polyphonie. Der Begriff „Motette“ scheint sich vom französischen „mots“ – „Worte“ – abzuleiten, aber das ist noch nicht ganz geklärt.
Es ist jedoch genau diese Fülle an Texten, die gleichzeitig zu dynamisch kontrastierenden Gesangslinien gesungen werden, die die Motette zu einem Medium für komplexe virtuose Kompositionen werden ließ.
Ein lateinischer Plainchant, der in der Regel in relativ langsamen Noten gesungen wird, lieferte die Grundlage – den ‚cantus firmus‘ – um den herum Komponisten wie der biographisch schattenhafte Pérotin (um 1200) und später Machaut, Dunstaple und Dufay schneller fließende Zeilen verwoben, die Worte vertonten, die sich auf die Hauptideen oder Bilder des Gesangs bezogen.
Die Beziehung könnte allerdings ziemlich tangential sein. Die zusätzlichen Texte könnten in einer anderen Sprache sein, oder eine Motette zum Lob der heiligen Jungfrau könnte auch Worte aus einem zeitgenössischen Popsong enthalten, der möglicherweise weibliche Attribute besingt, die weit von der jungfräulichen Reinheit entfernt sind.
Allerdings scheint es eine Annahme gegeben zu haben, die von Theoretikern wie Johannes de Grocheo bestätigt wurde, dass die Motette eine Form für Kenner war, und definitiv nicht für ‚das gemeine Volk‘.
Nimmt man die letzten beiden Merkmale zusammen, kann man die Versuche der Kirche verstehen, die Komponisten zu zügeln – wie auf dem Konzil von Trient (1545-63).
War die mittelalterliche Motette noch hierarchisch (cantus firmus fest im Zentrum), so war die Motette, die aus ihr hervorging und in der Renaissance und im Barock ihre Blütezeit erlebte, egalitärer – man könnte sogar sagen ‚humanistisch‘.
Motive wurden zwischen den Stimmen geteilt, so dass jede Stimme einen Vorgeschmack darauf bekam, was es heißt, ‚Erster unter Gleichen‘ zu sein. In den Händen von Meistern wie Palestrina, Victoria und Byrd konnten Motetten eine beeindruckende Bandbreite an Ideen und Gefühlen vermitteln, von erhabener, leuchtender Ordnung bis hin zu intensiven, sogar schmerzhaften Emotionen.
Seitdem ist Großes von Schütz, Bach, Mozart, Brahms, Bruckner, Poulenc und Messiaen hinzugekommen, aber nur wenige würden behaupten, dass diese die Meisterwerke der Spätrenaissance übertreffen.
Dieser Artikel wurde zuerst in der Oktober 2014 Ausgabe des BBC Music Magazine veröffentlicht