Comment vous y prendriez-vous, si je vous demandais de composer une mélodie pour ce verset à chanter ?
« Mon cœur bondit au son de ta voix. »
Que diriez-vous de quelque chose comme ceci ?
Ou peut-être ceci ?
Les possibilités sont infinies mais ce que nous voulons vraiment, c’est faire ressortir le sens des mots. Et c’est là que le tone painting (également connu sous le nom de word painting) est vraiment utile. Il nous aidera à réduire les possibilités et mieux encore, il nous permet de laisser le sens du vers lui-même guider la musique.
Alors, qu’est-ce que le tone painting en musique ?
Le tone painting est la technique qui consiste à façonner la musique vocale en fonction du sens des mots. Par exemple, on écrira une mélodie qui monte sur des mots tels que » rising « , » uphill » et » climbing » ou on fera en sorte que la musique devienne vraiment calme sur des mots tels que » soft « , » peaceful » et » calm « .
Regardons quelques exemples réels.
Note : Pour apprendre la composition musicale avec moi, consultez la page Cours en ligne.
Voici une Aria (un chant classique interprété par un soliste, faisant généralement partie d’un opéra) de l’opéra Rinaldo de Haendel. Ici, le personnage pleure et exprime son chagrin. C’est l’ouverture de la pièce et, en termes simples, elle se traduit par « Laissez-moi pleurer sur mon mauvais sort ». En plus d’être dans une tonalité mineure, remarquez comment la mélodie se déplace d’un demi-pas sur les mots » ch’io pianga » (signifiant » que je pleure « ) et » crude sorte » (signifiant » destin cruel « ). Dans ce contexte, c’est le choix d’intervalle parfait pour exprimer la tristesse.
Notez également comment la structure de la mélodie elle-même imite les pleurs. Elle est décomposée en courts fragments séparés par des silences, de sorte que le chanteur est obligé de s’arrêter et de repartir plusieurs fois comme s’il perdait son souffle. Lorsque nous pleurons, nous prenons généralement des respirations beaucoup plus courtes.
La seconde mineure descendante est en fait un motif très courant pour représenter les pleurs ou le chagrin dès le XVIe siècle. Il est si courant, en fait, qu’il est connu sous le nom de » pianto « , qui signifie » pleurer » en italien.
Voici un autre exemple de pianto. Celui-ci est tiré du Lamento D’Arianna de Monteverdi. Il est également dans une tonalité mineure et le chanteur chante « Lasciatemi morire » (en italien, « laissez-moi mourir »). Le mot mourir est chanté sur la note la plus grave de la phrase comme pour indiquer un sentiment de résignation ou d’abandon à la malchance comme l’exemple précédent.
Ainsi, le tone painting ne se limite pas à la tristesse ou à un simple choix de tonalités mineures. Elle va beaucoup plus loin en façonnant les détails de la musique.
Dans cet exemple suivant, également de Haendel, le chœur chante « Glory to God the Highest and peace on earth ». Les mots « Glory to God the Highest » sont chantés sur un contour mélodique majestueux et vivant. Les mots « Et paix sur terre » sont chantés doucement sur une seule note.
Le choix des voix de Handel est également révélateur. ‘Glory to God’ est chanté par l’ensemble du chœur à l’exception des voix de basse. L’absence des basses crée un son plus clair et plus léger. En revanche, » peace on earth » est chanté par les voix masculines uniquement (ténors et basses) dans un registre relativement grave.
Il est clair que Haendel nous montre un contraste entre ce qui est céleste et ce qui appartient à la Terre.
Reculons dans l’histoire de la musique de quelques 200 ans.
L’ouverture de la Symphonie de la mer par Vaughan Williams est absolument époustouflante. Après une brève fanfare, le chœur entre en scène avec une entrée massive sur les mots « Behold ! La mer ! » Le compositeur veut clairement nous étonner à la pensée de la mer majestueuse et de la grandeur de la nature. En tant qu’auditeurs, nous n’avons pas d’autre choix que de » contempler » !
Parlant de créer une atmosphère à partir des mots, il y a deux chansons fantastiques de Pink Floyd que je veux évoquer. À proprement parler, il ne s’agit pas de véritables exemples de tone painting, car les parties auxquelles je fais référence sont instrumentales. Mais ce sont d’excellents exemples d’utilisation du son pour préparer l’auditeur à la signification des paroles. Je fais référence aux chansons ‘Money’ et ‘Time’ de l’album ‘the Dark Side of the Moon’.
‘Money’ commence par le son de caisses enregistreuses. ‘Time’ commence avec le son d’une variété de sonneries et de tic-tac d’horloges jusqu’à ce que finalement, après la marque de deux minutes, le chanteur arrive avec les mots « Ticking Away ». Vous devriez absolument les écouter sur le service que vous utilisez pour la musique en streaming.
Pour en revenir à la peinture de mots proprement dite : voici un exemple tiré de l’air populaire « Largo al Factotum » de Rossini. Le chanteur chante une octave descendante sur le mot « Largo ». Ici, il signifie « faire place » ou « me donner de l’espace ». En effet, il y a beaucoup d’espace entre ces deux notes – l’espace d’une octave entière en fait :
Voici le même intervalle dans un cadre plus moderne. Sur le mot » fallen « , la mélodie tombe littéralement d’une octave.
Passons maintenant à l’un de mes exemples préférés de Tone Painting. Il s’agit de « Voi Che Sapete » de Mozart, un air de l’opéra Les Noces de Figaro. La chanson met en scène un jeune garçon qui décrit l’amour. Au moment où cette strophe est chantée, le rythme est constitué de valeurs plus courtes donnant l’impression de palpitations et d’essoufflement :
Notez également comment le motif monte (on parle de séquence – une répétition à une hauteur plus ou moins élevée), ce qui contribue à produire un sentiment d’anxiété ou d’excitation.
Le word painting n’affecte pas seulement la mélodie. Elle peut influencer tout autre aspect de la musique. Dans notre prochain exemple, l’histoire du poème guide le compositeur dans le choix de l’accompagnement et du tempo, qui, bien sûr, affectent toute l’ambiance du morceau entier.
Je parle de Der Erlkönig de Schubert. C’est l’histoire d’un garçon malade qui est emmené d’urgence à cheval par son père très tard dans la nuit. Alors que le garçon est en train de mourir, il a des visions de l' »Erlkönig », une créature mythique germano-scandinave qui rend visite aux mourants (un peu comme la faucheuse dans d’autres cultures). Le chanteur a plusieurs rôles : il chante du point de vue du narrateur, du père, du garçon ainsi que de l’Erlkönig lui-même. Schubert dépeint ces personnages avec différentes tessitures de voix et aussi avec différents types d’accompagnement. Il est bon d’écouter l’ensemble du morceau, mais voici l’introduction au piano, qui met en place le scénario. Les triolets rapides eux-mêmes expriment un grand sentiment de précipitation et d’urgence :
La peinture sonore ne doit pas non plus être complexe. Le magnifique ‘Hallelujah’ de Leonard Cohen implique une progression d’accords plutôt simple, mais il y a cette strophe particulière où les accords correspondent parfaitement aux paroles :
« Ça va comme ça, la quatrième, la cinquième,
la chute mineure et l’élévation majeure »
Sur le mot « quatrième », l’accord est la quatrième dans sa tonalité et de même sur le mot « cinquième », l’accord est la cinquième dans la tonalité. Sur les mots « major lift », l’accord est majeur ; sur les mots « minor fall », l’accord est mineur. Pour moi, ces touches subtiles donnent une profondeur supplémentaire aux paroles.
Maintenant, au cas où la théorie derrière cela ne serait pas claire pour vous, étudiez cette leçon et cela prendra tout son sens. En bref, si nous prenons la clé de Do majeur, le quatrième accord est F majeur et le cinquième est G majeur :
Cela rappelle d’ailleurs la chanson Do-Re-Mi de La Mélodie du bonheur. Ici, non seulement l’harmonie est affectée par les paroles, mais aussi la structure même de la mélodie. La chanson est tirée d’une scène où la protagoniste, Maria, enseigne la musique aux enfants dont elle a la charge. Elle le fait en leur chantant une chanson dans laquelle chaque couplet commence par la note suivante de la gamme – tant dans les paroles que dans la musique. (« Doh », « re », « mi », « fa », « sol », « la », « ti » sont les syllabes utilisées pour les notes do, ré, mi, fa, sol, la, si dans certaines activités de formation de l’oreille. Le premier mot de chaque ligne de cette strophe est une de ces syllabes).
« Biche, un cerf, un cerf femelle,
Ray, une goutte de soleil doré,
Moi, un nom que je me donne,
Far, un long, long chemin à parcourir,
Coudre, une aiguille tirant du fil,
La, une note pour suivre Coudre,
Thé, une boisson avec de la confiture et du pain,
Ce qui nous ramènera à Do »
(Note : Les enregistrements de cette chanson sont normalement en si bémol mais j’ai transposé la notation en do pour faciliter la lecture).
Exercices de Tone Painting
Maintenant que vous avez vu un bon nombre d’exemples, comment aborderiez-vous ce premier couplet que je vous ai montré au début ? Voici quelques suggestions pour vous permettre d’essayer vous-même la peinture de tonalité. Partagez votre travail avec nous sur notre groupe FB, j’adorerais voir vos idées !
1. Écoutez comment la Tone Painting est utilisée dans ces pièces :
- As Vesta was Descending de Thomas Weelkes (remarquez ce qui se passe sur les mots : « descendant », « ascendant », « long » et les phrases « deux par deux », « trois par trois » et « tout seul »).
- Smash the Mirror de The Who (Remarquez comment la mélodie monte sur la répétition du mot « rise »).
- Man in the Mirror de Michael Jackson (Attendez le changement de tonalité culminant sur le mot » change » lui-même à 02:53)
2. Composez de courts extraits musicaux pour quelques-uns de ces courts vers.
- My heart is leaping to the sound of your voice.
- Together we rise. Seul, nous coulons.
- Haut, bas, gauche ou droite ? Cela n’a pas d’importance si vous êtes avec moi.
- Elle est toute seule dans une mer de gens.
- C’est un lent, long chemin vers la maison.
3. Pour apprendre la composition musicale avec moi sur une base 1 à 1, consultez la page Cours en ligne.