La presse musicale ne connaît visiblement pas grand-chose aux lézards. Si c’était le cas, peut-être n’auraient-ils pas passé cinq décennies à qualifier David Bowie de » caméléon de la pop « .
La caractéristique déterminante du caméléon, assurément, est sa capacité à changer de couleur pour s’adapter à son environnement. Il se fond dans ce qui existe déjà, plutôt que d’être différent. Essentiellement, c’est l’équivalent reptilien de Good Charlotte.
L’inverse était vrai pour David Bowie. Après la sortie de son premier lot de singles en 1966, Bowie a forcé le fond à se fondre avec lui. Puis, quand c’était le cas, il se débarrassait de sa peau musicale et partait à la recherche d’une inspiration nouvelle. Nous avons vu Bowie faire cela d’innombrables fois, jusqu’à la sortie de Blackstar en 2016, qu’il a enregistré avec le producteur de longue date Tony Visconti et une troupe de jazzers new-yorkais jusqu’alors inconnus. Quelle que soit sa tournure, il n’a jamais manqué de susciter l’excitation et le respect.
Lorsque les groupes de rock contemporains parlent d’expérimentation, cela signifie généralement qu’ils ont appris un nouvel accord. L’interprétation du mot par Bowie était plutôt plus extrême. Lorsqu’il s’est réinventé, il ne restait plus grand-chose de ce qui avait précédé. La direction musicale pouvait passer du glam à la Philly soul ; la production pouvait troquer le somptueux pour le cassant ; le personnage de Bowie pouvait passer de l’homme de l’espace androgyne (alias Ziggy Stardust) à un numéro de cabaret obsédé par les nazis (alias The Thin White Duke) ; même le personnel de Bowie – toujours un brin vital de chaque nouvelle ère – était construit sur des sables mouvants, l’artiste cherchant les meilleurs faire-valoir à sa muse dilettante.
L’appétit de Bowie pour la réinvention l’a rendu à la fois magnétique et inconsistant. Il a laissé derrière lui des genres et des collaborateurs au moment où ils semblaient atteindre leur rythme de croisière. Parfois, il s’est attardé plus longtemps que nécessaire dans des eaux aussi douteuses que l’électronique et la danse. Parfois, son éclectisme semblait artificiel – et durant son dernier quart de siècle, il ne fait guère de doute qu’il a manqué la cible plus qu’il ne l’a atteinte.
Et pourtant, comme il l’a prouvé avec l’excellent Heathen de 2002, avec The Next Day de 2013 et avec Blackstar, vous avez fait une croix sur David Bowie à vos risques et périls. Alors que la plupart des groupes ont embrassé la familiarité, il est resté l’un des rares artistes établis encore capables de choquer et d’innover ; peut-être la seule superstar des années 70 qui se pousse encore. Jusqu’à la fin.
Essentiel : les albums classiques
The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (RCA, 1972)
« To Be Played At Maximum Volume », conseille le dos de la pochette, et c’est effectivement la meilleure façon d’apprécier l’apogée créative de Bowie. Ziggy Stardust marque le moment où Bowie a tout compris.
Comme tout bon album conceptuel, il a ressemblé à un voyage, de l’apocalyptique Five Years au douloureux Rock ‘N’ Roll Suicide. Contrairement à la plupart des albums conceptuels, l’abondance de crochets pop signifiait qu’il sonnait tout aussi bien entendu par bribes à la radio. Si Bowie ne sera jamais meilleur, on peut soutenir que l’album appartient également au guitariste Mick Ronson.View Deal
Hunky Dory (RCA, 1971)
Hunky Dory, c’est avant tout des chansons. C’est l’album que les fans de Bowie flottant sont le plus susceptibles de choisir sur l’étagère, et pour une bonne raison. Pourquoi, après tout, vouloir s’asseoir sur les parties les plus » difficiles » de Tin Machine II quand on peut se prélasser dans le joyeux soleil qui irradie de Changes et Fill Your Heart ? Pourquoi traîner dans Earthling alors que vous pourriez taper et fredonner sur Life On Mars et Kooks ?
Contrairement à certains des derniers disques de Bowie, il n’y a rien d’ésotérique ou d’affecté dans les chansons rassemblées sur Hunky Dory. C’est le seul album de Bowie qui donne à Ziggy Stardust un sérieux coup de pouce pour son argent, et le seul disque définissant l’époque qui sonne également très bien lors des fêtes à la maison.View Deal
Superior – Ceux qui ont contribué à cimenter sa réputation
Low (RCA, 1977)
Première de ce que l’on appelle la » trilogie berlinoise » (bien qu’elle ait été en grande partie enregistrée en France), Low est aussi disparate et inégal que l’état d’esprit de Bowie à l’époque.
Écrit alors qu’il se remettait du blizzard de cocaïne de la période Station To Station, ce classique de 1977 a vu Bowie collaborer avec Brian Eno pour créer une tapisserie sonore ahurissante, passant de morceaux post-punk cassants comme What In The World, à de sombres paysages sonores instrumentaux (Warszawa). En dehors de titres comme Sound And Vision et Speed Of Life, Low n’est guère l’œuvre la plus immédiate de Bowie, mais on peut soutenir que c’est sa plus courageuse et sa plus évocatrice.
Aladdin Sane (RCA, 1973)
Après avoir sorti Ziggy Stardust l’année précédente, Bowie était une véritable superstar. En conséquence, une grande partie de la suite a été écrite alors qu’il observait l’Amérique à travers la fenêtre de son bus de tournée.
En de moindres mains, cela aurait pu donner lieu à une œuvre de transition, mais Aladdin Sane n’est pas un carnet de voyage ordinaire. C’est une épopée sur grand écran qui réunit des rockers ziggy stardustiens (Watch That Man, The Jean Genie) et des anti-ballades troublantes comme Lady Grinning Soul, et qui est tout aussi convaincante dans les shuffles bluesy (Panic In Detroit) que dans la pop swing-time (Drive-In Saturday). C’est aussi le dernier grand album que Bowie et Mick Ronson ont créé ensemble.View Deal
Scary Monsters (And Super Creeps) (RCA, 1980)
Sortant de la » trilogie berlinoise » avec un succès critique mais des ventes en baisse, Bowie entame la nouvelle décennie avec un disque qui réussit à débuter au n° 1.1 (Royaume-Uni) sans compromettre la vision agitée de son auteur.
Scary Monsters était soutenu par les lignes arachnéennes du guitariste de King Crimson, Robert Fripp, et de Pete Townshend (sur Because You’re Young), et comptait deux nouveaux classiques : Ashes To Ashes et Teenage Wildlife. La renaissance commerciale de Bowie s’accélérera avec Let’s Dance en 1983, mais pour beaucoup, Scary Monsters est sa dernière grande déclaration musicale.View Deal
Station To Station (RCA, 1976)
La consommation de narcotiques de Bowie au milieu des années 70 était telle qu’il prétend ne pas se souvenir de la réalisation de Station To Station. Pour tous les autres, ce classique de 1976 reste l’un de ses albums les plus mémorables.
Composé de six titres étendus dont l’austérité émotionnelle reflétait justement l’état d’esprit de Bowie (à cette époque, il faisait du commerce sous le nom de The Thin White Duke), Station… marquait un départ significatif de la soul désinvolte de Young Americans, et laissait entrevoir la direction électronique que la » trilogie berlinoise » explorerait plus tard. Golden Years est le grand succès de l’album, et c’est l’un des nombreux moments marquants.View Deal
Bon – vaut la peine d’être exploré
« Heroes” (RCA, 1977)
Bowie relève le défi de suivre Low en livrant son deuxième album d’inspiration berlinoise, enregistré au Hansa Studio de la ville.
« Heroes » partage beaucoup des mêmes qualités que son prédécesseur (notamment sur des instrumentaux austères comme Sense Of Doubt et Neuköln), mais il y a sans doute plus de lumière qui se glisse sous le rideau ici, de la défiance planante du morceau titre au stomp barrel-house de Beauty And The Beast. Il est également remarquable pour la performance époustouflante de Robert Fripp (dont les parties de guitare auraient été enregistrées en une seule journée – bien qu’il n’ait jamais entendu aucune des chansons auparavant).View Deal
L’homme qui a vendu le monde (RCA, 1971)
Les premiers indices du potentiel de Mick Ronson en tant que catalyseur sont apparus sur cette tempête de 1971, qui a déchiqueté les sensibilités folk-pop de Bowie et l’a érigé en véritable rock star.
Bien qu’il ne soit pas tout à fait aussi cohérent que ses albums ultérieurs des années 70, il est difficile de frapper la puissance primitive de moments comme Black Country Rock et la section d’ouverture de The Width Of A Circle. Les riffs racoleurs de She Shook Me Cold, quant à eux, pourraient presque passer pour du heavy metal, et la version définitive de la chanson titre est hypnotique et troublante. De meilleures choses allaient suivre de la part de Bowie et Ronson, mais ce disque était un sacré début.View Deal
Diamond Dogs (RCA, 1974)
Lorsque Bowie s’est vu refuser l’autorisation de monter une production théâtrale basée sur 1984 de George Orwell, les chansons redondantes se sont retrouvées sur la seconde moitié de Diamond Dogs à la place.
Cette approche de copier-coller a donné lieu à un album conceptuel lâche (il est lié par la vision d’un futur en décomposition) et à certaines des chansons les plus rock de Bowie à ce jour, avec des points forts comme le morceau-titre rauque et le stomp cassant de Rebel Rebel. Ziggy nous manquait à tous trop pour l’apprécier correctement à l’époque, mais écouté rétrospectivement, certaines parties de Diamond Dogs sont les noix du cabot (pour ainsi dire).View Deal
Blackstar (ISO/Columbia, 2016)
Une grande partie de la production de Bowie au cours de ses 25 dernières années a rendu hommage du bout des lèvres à ses penchants avant-gardistes tout en restant le plus souvent dans des paramètres indie-rock assez droits.
Avec Blackstar, il est allé beaucoup plus loin, faisant son album le plus aventureux et sans compromis depuis sa série classique de collaborations avec Brian Eno. Plus encore que l’album de « retour » de 2013, The Next Day, ces sept morceaux suggéraient que les sons dans sa tête étaient en phase avec son frère soul de longue date, Scott Walker, même si, heureusement, il est resté en termes plus chaleureux avec la mélodie et l’émotion à l’ancienne. Une surprise finale époustouflante. View Deal
Aviter – L’avorton de la portée
Labyrinth – The Original Soundtrack (EMI, 1986)
Il avait déjà miné son rôle de Jareth le roi des gobelins dans le film de Jim Henson, et Bowie a aggravé l’indignité de sa carrière chancelante en participant à la bande originale. Peut-être que des numéros aussi infantiles que Magic Dance n’auraient pas été si mauvais si la production musicale » sérieuse » de Bowie s’était épanouie à l’époque.
Sortant du dos d’albums aussi oubliables que Tonight et Absolute Beginners, cependant, les cinq chansons auxquelles Bowie a contribué pour Labyrinth ressemblaient nettement à des déceptions.Voir l’offre