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Culture populaire, art « populaire »

A première vue, le Pop Art pourrait sembler glorifier la culture populaire en élevant les boîtes de soupe, les bandes dessinées et les hamburgers au statut de beaux-arts sur les murs des musées. Mais, en y regardant de plus près, on peut y voir une critique des pratiques de marketing de masse et de la culture de consommation qui ont émergé aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale. L’œuvre Gold Marilyn Monroe (1962) d’Andy Warhol reflète clairement cette ironie inhérente au Pop. L’image centrale sur fond d’or évoque la tradition religieuse des icônes peintes, transformant la starlette d’Hollywood en une madone byzantine qui reflète notre obsession de la célébrité. La référence spirituelle de Warhol est d’autant plus poignante que Monroe s’est suicidée quelques mois plus tôt. Comme des fanatiques religieux, les fans de l’actrice vénéraient leur idole ; pourtant, la sérigraphie bâclée de Warhol attire l’attention sur l’artifice de la façade glamour de Marilyn et la place aux côtés d’autres marchandises commercialisées en masse comme une boîte de soupe ou une boîte de tampons Brillo.

Genèse du pop

Dans cette optique, il n’est pas surprenant que le terme « Pop Art » ait d’abord émergé en Grande-Bretagne, qui a souffert de grandes difficultés économiques après la guerre. À la fin des années 1940, les artistes du « Groupe indépendant » ont commencé à s’approprier des images idéalisées du mode de vie américain qu’ils trouvaient dans les magazines populaires, dans le cadre de leur critique de la société britannique. C’est au critique Lawrence Alloway et à l’artiste Richard Hamilton que l’on attribue généralement l’invention du terme, peut-être dans le contexte du célèbre collage d’Hamilton de 1956, Just what is it that makes today’s home so different, so appealing ? Réalisé pour annoncer l’exposition « This Is Tomorrow » de l’Independent Group en 1956, à Londres, l’image met en évidence un homme musclé semi-nu, tenant un Tootsie Pop positionné de manière phallique.

Les origines du pop art remontent toutefois encore plus loin. En 1917, Marcel Duchamp a affirmé que tout objet – y compris son exemple notoire d’urinoir – pouvait être de l’art, à condition que l’artiste le veuille comme tel. Les artistes des années 1950 se sont appuyés sur cette notion pour remettre en question les frontières qui distinguent l’art de la vie réelle, dans les disciplines de la musique et de la danse, ainsi que dans les arts visuels. Le désir de Robert Rauschenberg de « travailler dans l’écart entre l’art et la vie », par exemple, l’a conduit à incorporer des objets tels que des oreillers de lit, des pneus et même une chèvre en peluche dans ses « peintures combinées » qui fusionnent les caractéristiques de la peinture et de la sculpture. De même, Claes Oldenberg a créé The Store, une installation dans un magasin vacant où il vendait des sculptures grossières de biens de consommation de marque. Ces artistes « proto-pop » réagissaient, en partie, contre la structure critique rigide et les philosophies élevées entourant l’expressionnisme abstrait, le mouvement artistique dominant de l’époque ; mais leur travail reflétait également les nombreux changements sociaux qui avaient lieu autour d’eux.

La culture de la consommation d’après-guerre s’empare des lieux (et ne les lâche plus)

Les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale ont vu une énorme croissance de l’économie américaine, qui, combinée aux innovations technologiques et médiatiques, a donné naissance à une culture de consommation avec plus de temps libre et de revenus disponibles que jamais auparavant. L’industrie manufacturière, qui s’était développée pendant la guerre, s’est mise à produire en masse toutes sortes de choses, de la laque pour cheveux aux machines à laver en passant par les nouvelles décapotables rutilantes, dont les publicitaires affirmaient qu’elles apporteraient le bonheur ultime à leurs propriétaires. De manière significative, le développement de la télévision, ainsi que les changements dans la publicité imprimée, ont mis un nouvel accent sur les images graphiques et les logos de marque reconnaissables – quelque chose que nous considérons aujourd’hui comme acquis dans notre monde visuellement saturé.

C’est dans ce contexte artistique et culturel que les artistes Pop ont développé leur style distinctif du début des années 1960. Caractérisé par des images clairement rendues de sujets populaires, il semblait agresser les normes de la peinture moderne, qui avait embrassé l’abstraction comme un reflet des vérités universelles et de l’expression individuelle.

Ironie et ferraille

Contrairement à la peinture dégoulinante et aux coups de pinceau frondeurs de l’expressionnisme abstrait – et même du Proto-Pop art – les artistes pop appliquaient leur peinture pour imiter l’aspect des techniques d’impression industrielles. Cette approche ironique est illustrée par les points Benday peints méthodiquement de Lichtenstein, un procédé mécanique utilisé pour imprimer les bandes dessinées de pulp.

Au fur et à mesure que la décennie avançait, les artistes délaissaient la peinture au profit de l’utilisation de techniques industrielles. Warhol a commencé à réaliser des sérigraphies, avant de s’éloigner davantage du processus en confiant à d’autres l’impression proprement dite dans son studio, judicieusement nommé « The Factory ». De même, Oldenburg a abandonné ses premières installations et performances, pour produire les sculptures à grande échelle de tranches de gâteau, de rouges à lèvres et d’épingles à linge pour lesquelles il est le plus connu aujourd’hui.