Un motet est une pièce chorale sacrée chantée en plusieurs parties.
C’est du moins ce qui se rapproche le plus d’une définition du » motet » sans exclure des pans entiers du répertoire.
Mais comme pour cette autre forme musicale européenne extrêmement importante qu’est la symphonie, la fluidité formelle du motet est un signe non pas d’imprécision inhérente, mais de force et de santé – la capacité de survivre et de prospérer à des époques d’énormes changements culturels.
Par essence, le motet médiéval représente la première grande floraison de cette innovation distinctement occidentale, la polyphonie. Le terme « motet » semble dériver du français « mots » – « paroles » – bien que le jury ne se soit pas encore prononcé à ce sujet.
C’est pourtant dans cette profusion même de textes, chantés simultanément sur des lignes vocales dynamiquement contrastées, que le motet est apparu comme un support de composition virtuose complexe.
Un plain-chant latin, généralement chanté en notes relativement lentes, a fourni la base – le » cantus firmus » – autour de laquelle des compositeurs comme le biographiquement ombrageux Pérotin (vers 1200), et plus tard Machaut, Dunstaple et Dufay, ont tissé des lignes plus fluides fixant des mots qui se rapportent aux idées ou images principales du chant.
Mais la relation pourrait être assez tangentielle. Les textes supplémentaires pourraient être dans une autre langue, ou un motet à la louange de la Sainte Vierge pourrait également inclure des paroles d’une chanson pop contemporaine, qui hymne peut-être des attributs féminins bien éloignés de la pureté virginale.
Malgré cela, il semble y avoir eu une hypothèse, confirmée par des théoriciens comme Johannes de Grocheo, selon laquelle le motet était une forme pour les connaisseurs, et certainement pas pour » le vulgaire « .
Prenez ces deux dernières caractéristiques ensemble et vous pouvez comprendre les tentatives de l’Église de réintégrer les compositeurs – comme célèbre au Conseil de Trente (1545-63).
Si le motet médiéval était encore hiérarchique (cantus firmus fermement au centre), le motet qui en est issu et a fleuri pendant la Renaissance et le baroque était plus égalitaire – » humaniste » pourrait-on même dire.
Les motifs étaient partagés entre les parties, afin que chaque voix ait un avant-goût de ce que c’est que d’être » premier parmi ses égaux « . Entre les mains de maîtres tels que Palestrina, Victoria et Byrd, les motets pouvaient transmettre une gamme impressionnante d’idées et de sentiments, de l’ordre sublime et lumineux aux émotions intenses, voire douloureuses.
Depuis lors, de grandes choses ont été ajoutées par Schütz, Bach, Mozart, Brahms, Bruckner, Poulenc et Messiaen, mais peu d’entre eux soutiendraient que ceux-ci surpassent les chefs-d’œuvre de la fin de la Renaissance.
Cet article a été publié pour la première fois dans le numéro d’octobre 2014 du BBC Music Magazine
.