Suite, en musique, groupe de mouvements instrumentaux autonomes de caractère variable, généralement dans la même tonalité. Au cours des 17e et 18e siècles, période de sa plus grande importance, la suite se composait principalement de mouvements de danse. Aux 19e et 20e siècles, le terme désignait également, de manière plus générale, divers ensembles de pièces instrumentales, principalement dans des formes plus petites que celles de la sonate, et comprenait des sélections pour des concerts de musique de scène pour des pièces de théâtre (par exemple, la musique de Felix Mendelssohn pour le Songe d’une nuit d’été de Shakespeare et la suite de L’Arlésienne de Georges Bizet) et de la musique de ballet (par exemple, la suite Casse-Noisette de Pyotr Ilyich Tchaïkovski et les suites de l’Oiseau de feu d’Igor Stravinsky ).
La suite de mouvements de danse apparentés trouve son origine dans les danses appariées des XIVe-XVIe siècles, comme la pavane et le galliard ou la basse danse et le saltarello. Souvent, le même thème mélodique était traité dans un mètre et un tempo différents dans les deux danses. Aux XVIe et XVIIe siècles, les compositeurs allemands ont souvent arrangé trois ou quatre danses comme une entité musicale unifiée, un exemple précoce étant le Banchetto musicale de Johann Hermann Schein (publié en 1617), un recueil de suites de cinq danses pour cinq violes.
En France, la tendance était de publier des suites pour luth ou clavier solo qui étaient simplement des collections de jusqu’à 17 ou 18 pièces, presque toujours des danses, dans la même tonalité. Les compositeurs français ont progressivement transformé les danses en compositions élégantes et raffinées, et les différents genres de danse ont développé des traits musicaux distinctifs. Habituellement, les compositeurs français donnaient à leurs pièces des titres fantaisistes ou évocateurs, comme dans les ordres (suites) de François Couperin (par exemple, l’allemande L’Auguste de l’ordre I de son premier livre de musique de clavecin).
Au début du XVIIIe siècle, quatre danses étaient devenues la norme dans la suite : l’allemande, la courante, la sarabande et la gigue, dans cet ordre. Ce regroupement de base avait été établi en Allemagne à la fin du XVIIe siècle après que Johann Jakob Froberger ait commencé à inclure une gigue soit avant, soit après la courante dans l’arrangement allemand alors courant de l’allemande, courante, sarabande. L’éditeur de Froberger a plus tard réorganisé les danses dans l’ordre qui est devenu standard.
Au milieu du XVIIIe siècle, l’utilisation de mouvements supplémentaires (galanteries), comme les gavottes, les bourrées et les menuets, et même d’un air (mouvement lyrique ne dérivant pas d’une danse), était courante, tout comme un mouvement d’introduction diversement intitulé ; par exemple, prélude, ouverture, fantaisie, sinfonia. Parmi les exemples de telles expansions des quatre mouvements de base de la suite solo, on peut citer les Suites anglaises, les Suites françaises et les Partitas de J.S. Bach (partita était un terme allemand courant pour » suite « ).
En dehors de la France et de l’Allemagne, l’ordre et la sélection des danses avaient tendance à être moins standardisés. En Italie, une suite pour ensemble de chambre ou orchestre était communément appelée sonata da camera (sonate de chambre). Un autre type de suite s’est également développé à la fin du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle, notamment en Allemagne. Ce type incluait des danses alors modernes plutôt que les quatre types de danse traditionnels, qui, abstraits et raffinés, avaient alors perdu leur caractère de danse immédiate. Il s’ouvrait par une ouverture dans le style français ; c’est pourquoi les suites de ce type étaient souvent appelées ouvertures. Parmi les exemples de cette approche plus souple, citons les recueils Florilegia (1695, 1698) de Georg Muffat, les quatre Ouvertures pour orchestre de Johann Sebastian Bach, ainsi que la Water Music (1717) et la Music for the Royal Fireworks (1749) de George Frideric Handel.