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A corte Gonzaga

Não se sabe exactamente quando Monteverdi deixou a sua cidade natal, mas ele entrou ao serviço do duque de Mântua por volta de 1590 como tocador de cordas. Entrou imediatamente em contacto com alguns dos melhores músicos, tanto intérpretes como compositores, da época. O compositor que mais o influenciou parece ter sido o compositor flamengo Giaches de Wert, um modernista que, embora já não fosse um jovem, ainda estava no meio de um movimento de vanguarda nos anos 1590. O cerne do seu estilo era que a música deve corresponder exactamente ao humor do verso e que a declamação natural das palavras deve ser cuidadosamente seguida. Uma vez que Wert escolheu usar a poesia lírica altamente concentrada e emocional de Tasso e do seu rival Battista Guarini, a música de Wert também se tornou altamente emocional, se bem que sem melodiosidade e difícil de cantar. Teve um efeito imediato em Monteverdi, cujo próximo livro de madrigais, publicado no seu primeiro ano em Mântua, mostra a influência do novo movimento sobre ele, embora a sua compreensão fosse imperfeita. Representou para ele uma completa mudança de direcção. A melodia é angular, a harmonia cada vez mais dissonante, o humor tenso ao ponto da neurose. Guarini é o poeta preferido, e cada nuance do verso é expressa, mesmo à custa do equilíbrio musical.

O novo estilo e ambiente parece ter perturbado a sua produtividade. Embora tenha continuado a compor, publicou pouco durante os próximos 11 anos. Em 1595 acompanhou o seu empregador numa expedição à Hungria e quatro anos mais tarde à Flandres. Em cerca de 1599 casou com uma cantora, Claudia Cattaneo, por quem teve três filhos, um dos quais morreu na infância. Quando o posto de maestro di cappella, ou director de música, ao duque ficou vago com a morte de Wert em 1596, Monteverdi ficou amargurado com a sua morte, mas finalmente alcançou o cargo em 1602, aos 35 anos de idade. Publicou mais dois livros de madrigais em 1603 e 1605, ambos contendo obras-primas. A maneira vanguardista foi agora melhor assimilada na sua língua. Embora o seu objectivo fosse ainda seguir o significado do verso em grande detalhe, resolveu os problemas puramente musicais do desenvolvimento temático e da proporção. Embora as dissonâncias se tornassem mais severas e a melodia por vezes ainda mais angular, o efeito total era mais variado em emoção e menos neurótico. Se o erotismo de Guarini estimulava um estilo musical sensual, Monteverdi dava frequentemente aos seus maduros loucos uma leveza e humor, vendo a essência de um poema em vez do seu detalhe.

Foi o meio musical avançado, especialmente o seu uso de dissonância intensa e prolongada, que provocou os ataques dos conservadores a Monteverdi, que se tornaram uma figura de proa do grupo vanguardista. Os ataques de um teórico bolonheso, Giovanni Maria Artusi, numa série de panfletos, fizeram de Monteverdi o compositor mais famoso da época e provocaram-no a responder com uma importante declaração estética da sua opinião sobre a natureza da sua arte. Renunciou ao papel de revolucionário, dizendo que ele era apenas o seguidor de uma tradição que se tinha desenvolvido nos últimos 50 anos ou mais. Esta tradição procurava criar uma união das artes, especialmente das palavras e da música, para que ele não fosse julgado simplesmente como compositor que utiliza dispositivos musicais convencionais. Além disso, a obra de arte deve ser suficientemente poderosa para “mover o homem inteiro”, e isto mais uma vez pode significar o abandono de certas convenções. Por outro lado, declarou a sua fé numa outra tradição mais antiga, na qual a própria música era suprema, e que era, de facto, representada pela polifonia pura de compositores como Josquin des Prez e Giovanni Palestrina. Assim, havia duas “práticas”, como ele lhes chamou; e essa visão, que se tornou imensamente influente, foi para provar a base da preservação de um estilo antigo em certos tipos de música de igreja, em oposição a um estilo moderno em ópera e cantatas, uma dicotomia que pode ser encontrada bem no século XIX.

Se os madrigais da época lhe deram uma reputação bem fora do norte de Itália, foi a sua primeira ópera, Orfeo, apresentada em 1607, que finalmente o estabeleceu como compositor de música em grande escala e não de requintadas obras em miniatura. Monteverdi pode ter assistido a algumas das performances das primeiras óperas, as compostas pelos compositores florentinos Jacopo Peri e Giulio Caccini, e certamente tinha escrito alguma música de palco em anos anteriores. Em Orfeo mostrou que tinha uma concepção muito mais ampla do novo género do que os seus antecessores. Combinou a opulência do entretenimento dramático do final da Renascença com a simplicidade de um simples conto pastoral contado em recitativo, que era o ideal dos florentinos. O seu recitativo é mais flexível e expressivo do que o deles, baseado na melodia declamatória dos seus madrigais e não nas suas teorias sobre o discurso elevado. Acima de tudo, ele tinha um dom maior para a unidade dramática, moldando actos inteiros em unidades musicais, em vez de os reunir a partir de pequenas secções. Mostrou também uma sensação de correspondência dos clímaxes do drama com os clímax musicais, usando a dissonância, o virtuosismo do cantor, ou sonoridades instrumentais para criar a sensação de emoção elevada.

Poucos meses após a produção de Orfeo, Monteverdi sofreu a perda da sua esposa, aparentemente após uma longa doença. Reformou-se num estado de profunda depressão na casa do seu pai em Cremona, mas foi chamado de volta a Mântua quase imediatamente para compor uma nova ópera como parte das celebrações por ocasião do casamento do herdeiro com o ducado, Francesco Gonzaga, com Margaret de Savoy. Monteverdi regressou de má vontade e foi prontamente submerso numa enorme quantidade de trabalho. Compôs não só uma ópera, mas também um ballet e música para um intermezzo a uma peça de teatro. Outro desastre ocorreu quando a ópera, L’Arianna, estava em ensaio, para a prima donna, uma jovem que tinha vivido na casa de Monteverdi, possivelmente como aluna da sua esposa, morreu de varíola. No entanto, a peça foi reformulada, e a ópera foi finalmente produzida em Maio de 1608. Foi um enorme sucesso. A partitura foi perdida, excepto o famoso “Lamento”, que sobrevive em várias versões e é a primeira grande cena de ópera (ou seja, uma cena de efeito especialmente dramático, geralmente com árias).

Após este enorme esforço, Monteverdi regressou novamente a Cremona numa condição de colapso, que parece ter durado muito tempo. Foi mandado regressar a Mântua em Novembro de 1608, mas recusou-se a partir. Acabou por regressar, mas depois disso odiou o tribunal de Gonzaga, que ele sustentava ter-lhe subvalorizado e pago mal, apesar de ter ganho um aumento de salário e uma pequena pensão pelo seu sucesso com L’Arianna. No entanto, não parece ter sido pouco criativo, embora a música que escreveu no ano seguinte reflicta mais ou menos a sua depressão. Organizou o “Lamento” como um madrigal de cinco vozes e escreveu um trenó madrigaliano sobre a morte da sua prima donna. A sestina, publicada mais tarde no sexto livro de madrigais, representa o auge da música dissonante e agonizante neste estilo. Numa veia mais vigorosa, escreveu alguma música de igreja, que publicou em 1610, num volume contendo uma missa no estilo antigo e música para as vésperas das festas da Virgem Maria. A missa foi um feito notável, uma tentativa deliberada de mostrar que a linguagem polifónica ainda era possível quando estava a morrer em todo o lado. Ainda mais notável é a música das vésperas, um compêndio virtual de todos os tipos de música moderna da igreja possível nos cenários do salmo da época, à maneira veneziana, música virtuosa para cantores a solo, música instrumental usada para interlúdios no serviço, até mesmo uma tentativa de usar música de ópera actualizada para definir as palavras expressivas e emotivas do Magnificat. No entanto, embora esta música seja tão “avançada” quanto possível, Monteverdi faz dela uma extensão da antiga tradição, utilizando melodias de canção simples – cânticos litúrgicos emancipados não acompanhados – como o material temático para os salmos e Magnificats. Acima de tudo, é música da Contra-Reforma; utilizando todos os meios, tradicionais e novos, seculares e religiosos, foi concebida para impressionar o ouvinte com o poder da Igreja Católica Romana e do seu Deus.