Andy Warhol, Gold Marilyn Monroe, 1962, serigrafia sobre tela, 6′ 11 1/4″ x 57″ (211.4 x 144,7 cm) (Museum of Modern Art, Nova Iorque)
Popular culture, “popular” art
À primeira vista, a Pop Art pode parecer glorificar a cultura popular elevando as latas de sopa, as bandas desenhadas e os hambúrgueres ao estatuto de arte fina nas paredes dos museus. Mas, mais uma vez, um segundo olhar pode sugerir uma crítica às práticas de marketing de massas e à cultura de consumo que surgiram nos Estados Unidos após a Segunda Guerra Mundial. Andy Warhol’s Gold Marilyn Monroe (1962) reflecte claramente esta ironia inerente ao Pop. A imagem central sobre um fundo dourado evoca uma tradição religiosa de ícones pintados, transformando a estrela de Hollywood numa Madona Bizantina que reflecte a nossa obsessão com a celebridade. Notavelmente, a referência espiritual de Warhol foi especialmente pungente dado o suicídio de Monroe alguns meses antes. Tal como os fanáticos religiosos, os fãs da actriz adoravam o seu ídolo; no entanto, a serigrafia desleixada de Warhol chama a atenção para o artifício da fachada glamorosa de Marilyn e coloca-a ao lado de outras mercadorias comercializadas em massa como uma lata de sopa ou uma caixa de almofadas Brillo.
Génese de Pop
Richard Hamilton, Just what is it that makes today’s home so different, so appealing? 1956, colagem, 26 cm × 24,8 cm (10,25 in × 9,75 in) (Kunsthalle Tübingen, Tübingen, Alemanha)
Nesta perspectiva, não é surpreendente que o termo “Pop Art” tenha surgido pela primeira vez na Grã-Bretanha, que sofreu grandes dificuldades económicas após a guerra. No final dos anos 40, os artistas do “Independent Group”, começaram a apropriar-se de imagens idealizadas do estilo de vida americano que encontraram em revistas populares como parte da sua crítica à sociedade britânica. O crítico Lawrence Alloway e o artista Richard Hamilton são geralmente creditados com o termo, possivelmente no contexto da famosa colagem de Hamilton de 1956, O que é que torna a casa de hoje tão diferente, tão apelativa? Feita para anunciar a exposição “This Is Tomorrow” do Grupo Independente de 1956, em Londres, a imagem apresenta de forma proeminente um homem seminu muscular, segurando um Tootsie Pop.
Robert Rauschenberg, Bed, 1955, óleo e lápis sobre almofada, colcha, e lençol sobre suportes de madeira, 191,1 x 80 x 20,3 cm (The Museum of Modern Art, New York)
Pop Art’s origins, however, can be tracing back even further. Em 1917, Marcel Duchamp afirmou que qualquer objecto – incluindo o seu notório exemplo de um urinol – poderia ser arte, desde que o artista a pretendesse como tal. Artistas dos anos 50 construíram sobre esta noção para desafiar as fronteiras que distinguem a arte da vida real, em disciplinas de música e dança, bem como a arte visual. O desejo de Robert Rauschenberg de “trabalhar no fosso entre arte e vida”, por exemplo, levou-o a incorporar objectos como almofadas de cama, pneus e mesmo um bode de peluche na sua “combinação de pinturas” que fundiam características de pintura e escultura. Do mesmo modo, Claes Oldenberg criou The Store, uma instalação numa vitrina vazia onde vendeu esculturas de produtos de consumo de marca, de forma rudimentar. Estes artistas “Proto-pop” estavam, em parte, a reagir contra a rígida estrutura crítica e as elevadas filosofias em torno do Expressionismo Abstracto, o movimento artístico dominante da época; mas o seu trabalho também reflectia as numerosas mudanças sociais que ocorriam à sua volta.
Cultura do Consumidor Pós-Guerra Grabs Hold (and Never Lets Go)
p>1950s Anúncio para a Associação Americana do Gás Os anos que se seguiram à Segunda Guerra Mundial assistiram a um enorme crescimento da economia americana, o que, combinado com inovações na tecnologia e nos meios de comunicação, gerou uma cultura de consumo com mais tempo de lazer e rendimentos dispensáveis do que nunca. A indústria manufactureira que se tinha expandido durante a guerra começou agora a produzir em massa tudo, desde laca e máquinas de lavar a novos convertíveis brilhantes, que os anunciantes afirmavam que todos trariam a derradeira alegria aos seus proprietários. Significativamente, o desenvolvimento da televisão, bem como as mudanças na publicidade impressa, colocaram nova ênfase em imagens gráficas e logótipos de marca reconhecíveis – algo que agora damos por garantido no nosso mundo visualmente saturado.
Foi neste contexto artístico e cultural que os artistas Pop desenvolveram o seu estilo distintivo do início dos anos 60. Caracterizado por imagens claramente renderizadas de temas populares, parecia atacar os padrões da pintura moderna, que tinha abraçado a abstracção como reflexo de verdades universais e expressão individual.
Irony and Iron-Ons
(L) Roy Lichtenstein, Rapariga com uma bola, 1961, óleo sobre tela, 60 1/4 x 36 1/4″ (153 x 91.9 cm) (Museum of Modern Art, Nova Iorque); (R) Detalhe do rosto mostrando os pontos Benday pintados de Lichtenstein)
Em contraste com a tinta gotejante e as pinceladas cortantes do Expressionismo Abstracto – e mesmo dos artistas do Proto-Pop art-Pop -, os artistas aplicaram a sua tinta para imitar o aspecto das técnicas de impressão industrial. Esta abordagem irónica é exemplificada pelos pontos Benday metodicamente pintados de Lichtenstein, um processo mecânico utilizado para imprimir banda desenhada de pasta de papel.
À medida que a década avançava, os artistas afastaram-se da pintura para a utilização de técnicas industriais. Warhol começou a fazer serigrafias, antes de se afastar ainda mais do processo, fazendo com que outros fizessem a impressão propriamente dita no seu estúdio, apropriadamente chamado “A Fábrica”. Da mesma forma, Oldenburg abandonou as suas primeiras instalações e performances, para produzir as esculturas em grande escala de fatias de bolo, batons, e alfinetes de roupa pelos quais é hoje mais conhecido.