Il personaggio pubblico di Diego Rivera e lo status eroico conferitogli in Messico furono tali che l’artista divenne oggetto di un mito durante la sua stessa vita. I suoi stessi ricordi, registrati nelle sue varie autobiografie, hanno contribuito alla sua immagine di bambino precoce di genitori esotici, di giovane uomo di fuoco che combatté nella rivoluzione messicana e di visionario che ripudiò completamente la sua partecipazione all’avanguardia europea per seguire un corso predestinato come leader della rivoluzione artistica del Messico.
I fatti sono più prosaici. Prodotto di una famiglia borghese, il giovane artista compie un percorso di formazione accademica presso il prestigioso corso accademico di San Carlos prima di lasciare il Messico per il tradizionale periodo di studi europei. Durante il suo primo soggiorno all’estero, come molti altri giovani pittori, fu molto influenzato dai post-impressionisti Paul Cezanne, Van Gogh e Gauguin. Per quanto riguarda la partecipazione alle prime battaglie della rivoluzione messicana, ricerche recenti sembrano indicare che non lo fece. Sebbene sia stato in Messico per un periodo tra la fine del 1910 e l’inizio del 1911, i suoi racconti di combattimenti con gli zapatisti non possono essere comprovati.
Dall’estate del 1911 all’inverno del 1920, Rivera visse a Parigi. Questo periodo della sua carriera è stato brillantemente illuminato da Ramon Favela nella mostra “Diego Rivera: L’anno cubista”. Il lavoro di questi anni rivela diverse influenze, dall’arte di El Greco e le nuove applicazioni dei principi matematici, in cui Rivera era stato ben istruito a San Carlos, a soggetti e tecniche che riflettono le discussioni sul ruolo dell’arte al servizio della rivoluzione che preoccupavano la comunità di artisti emigrati a Montparnasse.
In questo periodo, Diego Rivera lasciò la Spagna per un lungo tour in Francia, Belgio, Olanda e Inghilterra sperando di risolvere un problema che non poteva veramente definire. Ammirava molto il lavoro di Breughel, Hogarth e Francisco Goya. Desiderava che il suo lavoro potesse provocare l’intensa sensazione che provava quando guardava le loro opere. A Parigi andò in un negozio dove vide il lavoro di pittori più recenti che si definivano cubisti. Vide l’Arlecchino di Picasso e dipinti di Georges Braque e Derain. Rivera passò ore a Parigi guardando i dipinti di Cezanne. Rivera sarebbe diventato parte di questo mondo artistico parigino per un decennio. Discuteva, studiava, dipingeva, imparava tanto e faceva tanto; ma alla fine di dieci anni sentiva ancora che qualcosa mancava nel suo lavoro. I suoi quadri sembravano essere goduti solo da persone ben istruite che potevano permettersi di comprarli per le loro case. Lui pensava che l’arte dovesse essere goduta da tutti, specialmente dai poveri e dai lavoratori. Stava sviluppando un crescente interesse per le masse e cominciò ad approfondire la sua comprensione dell’arte popolare e degli antichi capolavori della sua terra natale. Anche dopo essersi stabilito a Parigi, Rivera tornò ogni anno in Spagna per dipingere, spesso nello stile di cubisti come Pablo Picasso, Salvador Dali e Paul Klee. Durante gli anni dal 1913 al 1918, Rivera si dedicò quasi interamente al cubismo e si trovò coinvolto nella sua ricerca di nuove verità. Tra le sue opere di questo periodo ci sono Ritratto di due donne, Ritratto di Ramon Gomez, Torre Eiffel e Natura morta. In tutti questi dipinti e nello stile cubista nel suo complesso sembra che gli artisti smontino i loro soggetti e creino nuovi oggetti di loro creazione.
Nel 1917, River cominciò ad allontanarsi dal cubismo, e nel 1918 il suo rifiuto dello stile cubista, se non di tutti i principi del cubismo, era completo. Le ragioni di questo rifiuto non sono state completamente determinate, ma certamente l’ispirazione della rivoluzione russa e il ritorno generale al realismo tra gli artisti europei furono fattori che contribuirono. Nel 1920, Rivera andò in Italia. Lì, nei murales dei partner italiani del quattrocento, trovò l’ispirazione per una nuova e rivoluzionaria arte pubblica capace di promuovere gli ideali della rivoluzione in corso nella sua terra natale.
Rivera tornò in Messico nel 1921 e presto divenne uno dei numerosi artisti messicani e stranieri che ricevettero commissioni per murales in edifici pubblici dal nuovo governo. Entro il 1923, il completamento della prima delle sue serie monumentali alla Secretaria de Educacion Publica e la sua assunzione del controllo sulla decorazione dell’intero edificio avevano stabilito la sua preminenza nel movimento ora conosciuto come il Rinascimento Murale Messicano.
Nel lavoro alla Secretaria, che lo avrebbe occupato per altri quattro anni, e nella cappella dell’ex Escuela de Agricultura a Chapingo, Rivera portò a pieno sviluppo il suo stile di figura classica e il suo approccio epico alla pittura storica, che si concentrava su soggetti che promuovevano idee rivoluzionarie e celebravano il patrimonio culturale indigeno del Messico.
Nel periodo successivo alla prima guerra mondiale, la vitalità letteraria, artistica e intellettuale del Messico post-rivoluzionario, in cui il movimento murale giocò un ruolo integrale, creò una “mecca” culturale che attirò giovani artisti dagli Stati Uniti, Europa e America Latina. Come risultato, alla fine degli anni venti, i murales di Rivera, e quelli di José Clemente Orozco e David Alfaro Siqueiros, erano ben noti negli Stati Uniti. Nei primi anni 1930, Rivera divenne uno degli artisti più richiesti in questo paese. Oltre a numerose commissioni per dipinti da cavalletto, ricevette commissioni per tre murales a San Francisco e gli fu data una mostra personale al Museum of Modern Art. Inoltre, i suoi costumi e le sue scenografie furono utilizzati nel balletto H. P. (horsepower), che debuttò a Philadelphia; decorò la corte centrale del Detroit Institute of Arts; fu invitato dalla General Motors a creare murales alla Chicago World’s Fair, e dipinse murales al Rockefeller Center e alla New Workers School di New York.
I soggiorni di Rivera negli Stati Uniti furono fondamentali per il suo lavoro. Per la prima volta nella sua carriera di muralista, fu separato dalla ricca storia culturale da cui attingeva per i suoi soggetti e non fu costretto a limitarsi ai temi di promozione degli ideali nazionalisti messicani. Fu anche in grado, almeno temporaneamente, di sfuggire alle turbolenze della sua precaria posizione politica in Messico, dove il Partito Comunista Messicano, di cui era stato membro tra il 1922 e il 1929, disapprovava i suoi crescenti legami con il governo del Messico. Il periodo di lavoro di Rivera negli Stati Uniti gli permise di esplorare una società industriale, di analizzare il ruolo dell’artista al suo interno, di postulare il suo legame con l’ordine universale per analogia con società precedenti come quella degli Aztechi e infine di presentare il suo concetto di una nuova società basata sulla scienza e sulla tecnologia. I murales negli Stati Uniti servirono a chiarire la sua comprensione del suo Messico nativo e ad ampliare la sua filosofia personale. Furono la fonte di ispirazione per molte delle sue opere successive, tra cui gli ultimi murales al Palacio Nacional e quelli alla Golden Gate Exposition di San Francisco, l’acquedotto di Lerma e l’Hospital de la Raza.
L’attività di Rivera negli Stati Uniti fu segnata da controversie. A Detroit fu accusato di usare soggetti sacrileghi e persino pornografici, la sua politica fu messa in discussione e fu criticato per aver causato l’invasione della temuta industria nel museo. La sicurezza dei murales fu addirittura minacciata fino a quando Edsel Ford fece una dichiarazione pubblica in loro difesa. Rivera, che credeva che il ciclo Detroit Industry Fresco fosse il suo più grande risultato artistico, fu costernato da questi attacchi.
Una controversia ancora più grande e amara scoppiò al Rockefeller Center di New Yor quando Rivera incluse un ritratto di Lenin nella sua rappresentazione della nuova società. Richiesto di rimuoverlo, Rivera si rifiutò e il murale fu infine distrutto, sul più grande scandalo della storia dell’arte. Quando Rivera tornò in Messico nel dicembre 1933, era uno degli artisti più pubblicizzati nella storia degli Stati Uniti, osannato dalla sinistra intellettuale e dalla comunità artistica e disprezzato dai conservatori e dai mecenati aziendali che un tempo lo avevano cercato.
L’influenza di Rivera sugli artisti americani continuò per tutti gli anni trenta attraverso l’agenzia della sezione murale del Federal Art Project della Works Progress Administration. Questo progetto, che doveva la sua stessa creazione all’esempio del governo messicano che commissionava opere per edifici pubblici, distribuì agli artisti partecipanti un manuale che delineava la tecnica di affresco di Rivera.a popolarità di Rivera presso il pubblico americano continuò negli anni Quaranta, ma la sua reputazione tra i critici d’arte e gli studiosi diminuì quando il realismo e l’enfasi sul contenuto sociale caddero in disgrazia di fronte al crescente interesse per gli stili del cubismo, del dadaismo e del surrealismo, allora portati in questo paese da artisti europei in fuga da Hitler.
È forse comprensibile che il lavoro di Rivera sia diventato inestricabilmente legato al realismo sociale. Il suo viaggio in U.S.S.R. nel 1927-28 lo mise in contatto con molti giovani artisti russi che in seguito eseguirono commissioni murali governative, e le sue opere erano ben conosciute a Mosca attraverso la pubblicazione di articoli su giornali e riviste. Gli artisti, come Ben Shahn, con cui Rivera si associò durante i suoi due soggiorni a New York erano individui politicamente attivi che, come le loro controparti russe, ammiravano Rivera come il grande rivoluzionario che aveva messo in pratica ciò che loro speravano ancora di ottenere. La filosofia politica di Rivera e il soggetto dei suoi murales crearono un legame comune tra il suo lavoro e quello dei realisti sociali. Tuttavia, il suo stile murale, anzi la sua estetica generale, modellata com’era sui suoi studi di affreschi del Rinascimento italiano, proporzioni classiche, forme scultoree precolombiane, spazio cubista e convenzioni futuriste di movimento, ha poca relazione con il realismo sociale.
Negli ultimi quarant’anni, l’opinione critica negli Stati Uniti è rimasta praticamente immutata: Il lavoro di Rivera e il movimento murale messicano nel suo complesso sono stati caratterizzati come politicamente motivati, stilisticamente retrogradi e storicamente isolati. Inoltre, gli studiosi messicani hanno tradizionalmente enfatizzato gli ideali apertamente rivoluzionari e il contenuto didattico dei murales di Rivera in Messico, esaltando così proprio gli aspetti del suo lavoro che hanno portato una connotazione negativa negli Stati Uniti. In Messico l’opera di Rivera è sinonimo di ideali istituzionalizzati della Rivoluzione messicana, che ha promosso la cultura indigena escludendo l’influenza straniera. Di conseguenza, in Messico la vasta letteratura pubblicata su Rivera si è concentrata sui suoi murales messicani, mentre poca attenzione è stata data al suo lavoro negli Stati Uniti e in Europa o ai suoi dipinti e disegni da cavalletto.
Le stesse dichiarazioni di Rivera sostengono questa visione della sua arte come uno sforzo unico e indigeno al servizio degli ideali rivoluzionari. Nella sua autobiografia, “La mia arte, la mia vita”, i suoi anni parigini e il suo soggiorno in Italia sono riconosciuti come preparazione per la creazione di nuovi murales rivoluzionari, ma ha caratterizzato la formazione del suo stile murale come generato spontaneamente dalla cultura indigena messicana:
Il mio ritorno a casa produsse un’euforia estetica che è impossibile descrivere. Era come se fossi nato di nuovo, nato in un nuovo mondo… Mi trovavo al centro del mondo plastico, dove le forme e i colori esistevano in purezza assoluta. In ogni cosa vedevo un potenziale capolavoro – le folle, i mercati, le feste, i battaglioni in marcia, i lavoratori nelle botteghe e nei campi – in ogni volto luminoso, in ogni bambino luminoso… Il mio stile era nato come nascono i bambini, in un momento, tranne che questa nascita era arrivata dopo una tortuosa gravidanza di trentacinque anni.”
Mentre è chiaro che i maggiori risultati della carriera di Rivera furono i suoi vasti programmi di murales in Messico e negli Stati Uniti, la tendenza di studiosi e critici a limitare la loro prospettiva e a concentrarsi solo su quelle opere è servita a mettere in ombra i suoi risultati complessivi come artista.
La vita di Rivera fu piena di contraddizioni – un pioniere del cubismo che promuoveva l’arte per amore dell’arte, divenne uno dei leader del Rinascimento murale messicano; un marxista/comunista, ricevette commissioni murali dall’establishment aziendale degli Stati Uniti; un campione del lavoratore, aveva un profondo fascino per la forma e la funzione delle macchine e pronunciò l’ingegnere dei più grandi artisti americani; un grande artista rivoluzionario, dipinse anche ritratti di società.
Parte della sfida nell’organizzare questa mostra è stato il tentativo di separare i fatti dalla finzione. Gladys March, che ha scritto “My Art, My Life” con Rivera, ha commentato la sua mitizzazione:
Rivera, che… avrebbe trasformato la storia del Messico in uno dei grandi miti del nostro secolo, non poteva, nel ricordarmi la sua vita, sopprimere la sua colossale fantasia. Aveva già convertito alcuni eventi, in particolare dei suoi primi anni, in leggende”.
La filosofia dell’arte e della vita di Rivera non corrisponde a nessun dogma specifico. Aveva un senso intuitivo straordinariamente sviluppato che modellava la sua comprensione del mondo e la sua comprensione umanistica del ruolo dell’artista e del ruolo dell’arte nella società. La sua capacità di presentare magistralmente immagini e idee universali nella sua arte continua ad affascinare gli spettatori di oggi.