La prensa musical obviamente no sabe mucho de lagartos. Si lo hicieran, tal vez no habrían pasado cinco décadas refiriéndose a David Bowie como el ‘camaleón del pop’.
La característica que define al camaleón, seguramente, es su capacidad de cambiar de color para adaptarse a su entorno. Se mezcla con lo que ya existe, en lugar de ser diferente. Esencialmente, es el equivalente reptil de Good Charlotte.
Lo contrario ocurrió con David Bowie. Tras el lanzamiento de su primera tanda de singles en 1966, Bowie obligó al fondo a mezclarse con él. Luego, cuando lo hizo, se despojó de su piel musical y salió en busca de nueva inspiración. Hemos visto a Bowie hacer esto en innumerables ocasiones, hasta los lanzamientos de Blackstar en 2016, que grabó con el productor de toda la vida Tony Visconti y un grupo de jazzistas neoyorquinos no anunciados anteriormente. En cualquier caso, nunca dejó de provocar entusiasmo y respeto.
Cuando las bandas de rock contemporáneas hablan de experimentación, generalmente significa que han aprendido un nuevo acorde. La interpretación de Bowie de la palabra era bastante más extrema. Cuando se reinventó a sí mismo, poco quedó de lo que había antes. La dirección musical podría haber pasado del glam al soul de Filadelfia; la producción podría haber cambiado la suntuosidad por la fragilidad; el personaje de Bowie podría haber pasado de ser un andrógino espacial (aka Ziggy Stardust) a un acto de cabaret obsesionado con el nazismo (aka The Thin White Duke); incluso el personal de Bowie -siempre un elemento vital de cada nueva era- se construyó sobre arenas movedizas, mientras el artista buscaba los mejores complementos para su musa diletante.
El apetito de reinvención de Bowie le hizo tan magnético como inconsistente. Dejó atrás géneros y colaboradores justo cuando parecía que estaban alcanzando su nivel. A veces, merodeaba más tiempo del necesario en aguas tan dudosas como la electrónica y el dance. A veces su eclecticismo parecía artificial, y durante su último cuarto de siglo no cabe duda de que erró el tiro más de lo que acertó.
Y sin embargo, como demostró con el excelente Heathen, de 2002, con The Next Day, de 2013, y con Blackstar, uno se arriesga a descartar a David Bowie. Mientras la mayoría de las bandas se abrazaban a la familiaridad, él seguía siendo uno de los pocos artistas consagrados que aún era capaz de impactar e innovar; quizá la única superestrella de los 70 que seguía exigiéndose a sí misma. Hasta el final.
Esenciales: los álbumes clásicos
The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (RCA, 1972)
«Para ser reproducido a máximo volumen», aconsejaba el reverso de la carátula, y esa es, en efecto, la mejor manera de disfrutar de la cúspide creativa de Bowie. Ziggy Stardust marca el momento en el que Bowie acertó de lleno.
Como todos los buenos álbumes conceptuales, parecía un viaje, desde el apocalíptico Five Years hasta el doloroso Rock ‘N’ Roll Suicide. A diferencia de la mayoría de los álbumes conceptuales, la abundancia de ganchos pop hizo que sonara igual de bien escuchado en fragmentos en la radio. Aunque Bowie nunca sería mejor, se puede argumentar que el álbum pertenece igualmente al guitarrista Mick Ronson.Ver Oferta
Hunky Dory (RCA, 1971)
Hunky Dory es todo canciones. Este es el álbum que los fans flotantes de Bowie más probablemente escogerán de la estantería, y por una buena razón. Después de todo, ¿por qué querrías sentarte en las partes más «difíciles» de Tin Machine II cuando podrías disfrutar del alegre sol que irradia Changes y Fill Your Heart? ¿Por qué hurgar en Earthling cuando se puede zapatear y tararear Life On Mars y Kooks?
A diferencia de algunos de los discos posteriores de Bowie, no hay nada esotérico o afectado en las canciones recogidas en Hunky Dory. Es el único álbum de Bowie que le da a Ziggy Stardust un serio recorrido por su dinero, y el único disco que define la era que también suena muy bien en las fiestas en casa.Ver Oferta
Superiores – Los que ayudaron a cimentar su reputación
Low (RCA, 1977)
El primero de la llamada ‘trilogía de Berlín’ (a pesar de haber sido grabado en gran parte en Francia), Low es tan dispar y desigual como la mentalidad de Bowie en ese momento.
Escrito mientras se recuperaba de la ventisca de cocaína del periodo Station To Station, este clásico de 1977 vio a Bowie colaborar con Brian Eno para crear un desconcertante tapiz sonoro, que va desde frágiles temas post-punk como What In The World, hasta sombríos paisajes sonoros instrumentales (Warszawa). Aparte de temas como Sound And Vision y Speed Of Life, Low no es el trabajo más inmediato de Bowie, pero se puede argumentar que es el más valiente y evocador.
Aladdin Sane (RCA, 1973)
Después de Ziggy Stardust, el año anterior, Bowie era una auténtica superestrella. Como consecuencia, gran parte de la continuación fue escrita mientras observaba América a través de la ventana del autobús de la gira.
En manos menores, eso podría haber dado lugar a una obra de transición, pero Aladdin Sane no era un diario de viaje ordinario. Es una epopeya de pantalla ancha que reúne rockeros al estilo de Ziggy Stardust (Watch That Man, The Jean Genie) con inquietantes antibaladas como Lady Grinning Soul, y es igualmente convincente en los shuffles blueseros (Panic In Detroit) y en el pop a ritmo de swing (Drive-In Saturday). También fue el último gran álbum que Bowie y Mick Ronson crearon juntos.Ver Oferta
Scary Monsters (And Super Creeps) (RCA, 1980)
Saliendo de la ‘trilogía de Berlín’ con la aclamación de la crítica pero con la caída de las ventas, Bowie comenzó la nueva década con un disco que logró debutar en el No.1 (Reino Unido) sin comprometer la inquieta visión de su autor.
Scary Monsters se vio reforzado por las arañas del guitarrista de King Crimson, Robert Fripp, y Pete Townshend (en Because You’re Young), y contó con dos nuevos clásicos: Ashes To Ashes y Teenage Wildlife. El renacimiento comercial de Bowie cobraría velocidad con Let’s Dance de 1983, pero para muchos, Scary Monsters fue su última gran declaración musical.Ver Oferta
Station To Station (RCA, 1976)
La ingesta de estupefacientes de Bowie a mediados de los 70 era tal que afirma no recordar la realización de Station To Station. Para todos los demás, este clásico de 1976 sigue siendo uno de sus álbumes más memorables.
Compuesto por seis temas extensos cuya crudeza emocional era un justo reflejo del estado de ánimo de Bowie (en ese momento, cotizaba como The Thin White Duke), Station… marcó un importante alejamiento del soul despreocupado de Young Americans, e insinuó la dirección electrónica que la «trilogía de Berlín» exploraría posteriormente. Golden Years fue el gran éxito del álbum, y es uno de los momentos más destacados.Ver oferta
Buena – vale la pena explorar
«Heroes” (RCA, 1977)
Bowie aceptó el reto de seguir a Low con su segundo álbum inspirado en Berlín, grabado en el estudio Hansa de la ciudad.
«Heroes» comparte muchas de las cualidades de su predecesor (especialmente en temas instrumentales tan austeros como Sense Of Doubt y Neuköln), pero podría decirse que hay más luz bajo el telón, desde el desafío de la canción que da título al disco hasta el ritmo de barril de Beauty And The Beast. También es notable por la impresionante actuación de Robert Fripp (cuyas partes de guitarra fueron supuestamente grabadas en un solo día – a pesar de que nunca había escuchado ninguna de las canciones antes).Ver Oferta
El hombre que vendió el mundo (RCA, 1971)
Los primeros indicios del potencial de Mick Ronson como catalizador se dieron en este bombazo de 1971, que destrozó la sensibilidad folk-pop de Bowie y lo situó como una auténtica estrella del rock.
Si bien no es tan consistente como sus posteriores álbumes de los 70, es difícil despreciar el poder primitivo de momentos como Black Country Rock y la sección inicial de The Width Of A Circle. Los riffs raquíticos de She Shook Me Cold, por su parte, casi podrían pasar por heavy metal, y la versión definitiva del tema principal era hipnótica e inquietante. A Bowie y a Ronson les esperaba algo mejor, pero este disco fue un buen comienzo.Ver Oferta
Diamond Dogs (RCA, 1974)
Cuando a Bowie se le negó el permiso para montar una producción teatral basada en 1984 de George Orwell, las canciones redundantes pasaron a la segunda mitad de Diamond Dogs.
Este enfoque de cortar y pegar dio como resultado un álbum conceptual suelto (está unido por una visión de un futuro en decadencia) y algunas de las canciones más rockeras de Bowie hasta la fecha, con puntos culminantes como el estridente tema principal y el frágil zapateado de Rebel Rebel. Todos echábamos demasiado de menos a Ziggy como para apreciarlo adecuadamente en su momento, pero escuchado en retrospectiva, algunas partes de Diamond Dogs son la locura del chucho (por así decirlo).Ver Trato
Blackstar (ISO/Columbia, 2016)
Mucha de la producción de Bowie en sus últimos 25 años hacía honor a sus inclinaciones vanguardistas mientras que, en su mayoría, se ceñía a unos parámetros de indie-rock bastante directos.
Con Blackstar, profundizó mucho más, haciendo su álbum más aventurero e intransigente desde su clásica serie de colaboraciones con Brian Eno. Incluso más que el álbum de «regreso» de 2013, The Next Day, estos siete temas sugerían que los sonidos dentro de su cabeza estaban en sintonía con su hermano del alma de toda la vida, Scott Walker, aunque afortunadamente se mantuvo en términos más cálidos con la melodía y la emoción a la antigua. Una impresionante sorpresa final. Ver oferta
Evitar – El enano de la camada
Labyrinth – La banda sonora original (EMI, 1986)
Ya había hecho un esfuerzo para interpretar a Jareth, el rey de los duendes, en la película de Jim Henson, y Bowie añadió más indignidad a su tambaleante carrera al colaborar con la banda sonora. Quizás números tan infantiles como Magic Dance no habrían sido tan malos si la producción musical «seria» de Bowie hubiera estado floreciendo en ese momento.
Sin embargo, después de álbumes tan olvidables como Tonight y Absolute Beginners, las cinco canciones que Bowie aportó a Labyrinth son claramente decepcionantes.