Escena de «La soprano calva» de Eugène Ionesco
Introducción
El Teatro del Absurdo es un movimiento formado por muchas obras diversas, la mayoría de las cuales fueron escritas entre 1940 y 1960. Cuando se representaron por primera vez, estas obras conmocionaron al público, ya que eran sorprendentemente diferentes a todo lo que se había representado anteriormente. De hecho, muchas de ellas fueron calificadas como «antiobras». En un intento de aclarar y definir este movimiento radical, Martin Esslin acuñó el término «Teatro del Absurdo» en su libro homónimo de 1960. Lo definió así porque todas las obras hacían hincapié en lo absurdo de la condición humana. Mientras que nosotros tendemos a utilizar la palabra «absurdo» como sinónimo de «ridículo», Esslin se refería al significado original de la palabra: ‘fuera de armonía con la razón o la propiedad; ilógico’ (Esslin 23). Esencialmente, cada obra hace que la existencia del hombre sea ilógica y, además, sin sentido. Esta idea fue una reacción al «colapso de las estructuras morales, religiosas, políticas y sociales» tras las dos guerras mundiales del siglo XX (Abbotson 1).
Influencias
El cuadro de Sísifo de Franz von Stuck
El Teatro Absurdo estuvo muy influenciado por la filosofía existencial. Se alineó mejor con la filosofía del ensayo de Albert Camus El mito de Sísifo (1942). En este ensayo, Camus intenta presentar una respuesta razonable a por qué el hombre no debe suicidarse ante una existencia absurda y sin sentido. Para ello, recurre a la figura mitológica griega de Sísifo, que fue condenado a empujar un peñasco hacia la cima de una montaña, sólo para que volviera a rodar hacia abajo. Repite este ciclo inútil por toda la eternidad. Al final del ensayo, Camus concluye que «hay que imaginar a Sísifo feliz» (Camus 123). Quiere decir que sólo la lucha de la vida debería darnos la felicidad. Esencialmente, podemos encontrar el sentido de la vida incluso sin saber por qué existimos.
Los dramaturgos del absurdo, sin embargo, no resolvieron el problema de la existencia sin sentido del hombre de forma tan positiva como Camus. De hecho, normalmente no ofrecían ninguna solución al problema, sugiriendo así que la cuestión es, en última instancia, incontestable.
Temas
Si bien las obras de teatro absurdistas presentan una amplia variedad de temas, hay ciertos temas, o ideas, que se repiten con frecuencia dentro del movimiento. Estos temas son el producto de una nueva actitud que barrió la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial. Consistía principalmente en el reconocimiento de que las «certezas» y «suposiciones» de las generaciones anteriores «se habían puesto a prueba y se habían demostrado insuficientes, que se desacreditaban como ilusiones baratas y algo infantiles» (Esslin 23). Dos temas que se repiten con frecuencia a lo largo de los dramas absurdistas son un mundo sin sentido y el aislamiento del individuo.
Un mundo sin sentido
El declive de la fe religiosa en el siglo XX es en parte responsable de la creciente noción de que la vida no tiene un propósito identificable. Mientras que el que cree en el más allá ve la vida como un medio para llegar a él, el que no cree se ve obligado a concluir que no hay propósito o a encontrar una justificación alternativa para su vida. Esslin señala que este declive fue «enmascarado hasta el final de la Segunda Guerra Mundial por las religiones sustitutivas de la fe en el progreso, el nacionalismo y diversas falacias totalitarias» (23). Sin embargo, estos enfoques también parecían defectuosos, dejando la otra opción: la afirmación de que no hay ningún sentido detrás de la vida humana. En su obra Las sillas, Ionesco saca provecho de este sinsentido. A lo largo de la obra, los dos personajes principales preparan sillas para invitados invisibles que vienen a escuchar el sentido de la vida declarado por un orador. Los protagonistas se suicidan justo antes de que éste hable y el público descubre que el orador es sordomudo. El propio Ionesco describió el tema de la obra como «no el mensaje, ni los fracasos de la vida, ni el desastre moral de los dos ancianos, sino las propias sillas; es decir, la ausencia de personas, la ausencia del emperador, la ausencia de Dios, la ausencia de materia, la irrealidad del mundo, el vacío metafísico» (qtd. en Esslin 152). Este tipo de visión del mundo es característico del Teatro del Absurdo.
El aislamiento del individuo
Los dramaturgos involucrados con el Teatro del Absurdo no eran conscientes de pertenecer a un movimiento mientras escribían sus obras. Irónicamente, cada uno de ellos se consideraba a sí mismo como «un forastero solitario, apartado y aislado en el mundo privado» (Esslin 22). Esta perspectiva penetra claramente en su obra, ya que la mayoría de las obras hacen hincapié en el aislamiento del individuo, o en la incapacidad del hombre para conectar con los demás. La obra de Samuel Beckett //Esperando a Godot// (1952), la más conocida del movimiento absurdista, presenta esta idea. Los dos personajes principales, Vladimir y Estragón, son dos vagabundos que pasan toda la obra en las afueras de la sociedad. Aunque se tienen el uno al otro, al mismo tiempo están aislados entre sí. Una muestra de ello es que nunca son capaces de comunicarse adecuadamente; su conversación transcurre en círculos.
Forma
Beckett supervisa una producción de Esperando a Godot
La forma de una obra de arte a menudo se descuida en favor de su tema. Más concretamente, el drama se estudia a menudo en términos de lo que está diciendo en lugar de cómo lo está diciendo. (Al menos esto es así en la mayoría de los entornos académicos, porque los estudiantes suelen leer una obra de teatro en lugar de verla representada). La forma, sin embargo, es posiblemente el aspecto más importante de las obras absurdas. Es lo que las separa de otros movimientos de temática similar, principalmente el drama existencial. Esslin afirma que «el Teatro del Absurdo va un paso más allá al tratar de lograr una unidad entre sus supuestos básicos y la forma en que éstos se expresan» (24). En esencia, estos dramaturgos reaccionaban contra el realismo porque no se ajustaba a sus objetivos. No querían mostrar la vida tal y como era, sino la vida interior del hombre, lo que pasaba por su cabeza. Esslin explica que «el Teatro del Absurdo no hace más que comunicar la intuición más íntima y personal de un poeta sobre la situación humana, su propio sentido del ser, su visión individual del mundo» (402-403). Para retratar esta «intuición personal» los dramaturgos tuvieron que abandonar los métodos convencionales y adoptar una forma más poética, o lírica.
Devaluación del lenguaje
Una característica de esta forma poética fue la devaluación del lenguaje. Los dramaturgos del absurdo consideraban que el lenguaje convencional había fallado al hombre: era un medio de comunicación inadecuado. Por ello, el movimiento de los personajes en el escenario a menudo contradice sus palabras o diálogos. Por ejemplo, los dos actos de Esperando a Godot concluyen con la frase «Sí, vamos», sólo para ser seguida por la dirección escénica, «No se mueven» (Beckett 6). Esencialmente, los dramaturgos intentan subrayar la desconexión entre «la palabra y el objeto, el significado y la realidad, la conciencia y el mundo» (Blocker 1). Además, al hacerlo exponen lo poco fiable que es el lenguaje; uno puede decir fácilmente una cosa y hacer la contraria.
Otra forma común en la que presentaban la inutilidad del lenguaje era haciendo que sus personajes hablaran constantemente con clichés, o expresiones manidas y manidas. Un ejemplo paradigmático es el de La soprano calva, de Ionesco:
Señor Martin: ¡Qué curioso es, buen señor, qué bizarro!…
Señor Martin : ¡Qué curioso es, qué curioso es, y qué casualidad!
(Ionesco 14).
La frase «qué curioso es» se ha dicho tantas veces, incluso fuera de esta obra, que ha perdido su significado. Por lo tanto, su repetición es vacía: están hablando sin comunicarse realmente. Esencialmente, los dramaturgos afirman que el lenguaje se ha convertido en un medio para ocupar el tiempo y el espacio en lugar de una forma de comunicarse eficazmente con los demás.
Falta de argumento
Otro aspecto poético de las obras absurdistas es que carecen de un argumento o de un principio y un final claros con un desarrollo intencionado en medio. Suele haber una gran cantidad de repeticiones tanto en el lenguaje como en la acción, lo que sugiere que la obra no va realmente «a ninguna parte». En Esperando a Godot, las indicaciones escénicas indican que Vladimir y Estragón están en constante movimiento. Por ejemplo, repetidamente «rebuscan» en sus bolsillos y «miran» dentro de sus sombreros (Beckett 4-9). Sin embargo, estas acciones son tan frecuentes que el público empieza a sentir que está viendo lo mismo una y otra vez. Incluso podrían calificarse de acciones estáticas, ya que no aportan nada al flujo de la obra. Sin embargo, esta falta de movimiento intencionado en Esperando a Godot y en la mayoría de los demás dramas absurdos es intencionada. Como ya se ha dicho, las obras intentan representar una intuición que, por definición, debería ser instantánea o inmediata. Es «sólo porque es físicamente imposible presentar una imagen tan compleja en un instante, tiene que extenderse a lo largo de un período de tiempo» (Esslin 404). Por lo tanto, si uno no ve la obra como una historia, sino como una sola idea que se representa, esta supuesta falta de trama se vuelve irrelevante.
Conclusión
Sobre todo, los dramaturgos del absurdo buscaban reconciliar al hombre con el mundo moderno. Esslin afirma elocuentemente que «la dignidad del hombre reside en su capacidad para enfrentarse a la realidad en toda su falta de sentido; para aceptarla libremente, sin miedo, sin ilusiones, y para reírse de ella» (Esslin 429). Los dramaturgos del absurdo fueron los primeros en propagar esta idea de aceptación ante el absurdo. Al hacerlo, desafiaron las ideas preconcebidas sobre lo que constituye y no constituye el teatro. Esencialmente, los dramaturgos del absurdo redefinieron la forma de arte y crearon un espacio en el que pudieron florecer los movimientos posteriores.
Figuras clave
- Samuel Beckett (1906-1989)
- Arthur Adamov (1908-1970)
- Eugene Ionesco (1909-1994)
- Jean Genet (1910-1986)
- Edward Albee (1928)
- Harold Pinter (1930-2008)
- Tom Stoppard (1937)
Abbotson, Susan. Thematic Guide to Modern Drama. Westport, Conn.: Greenwood, 2003. Imprimir.
Beckett, Samuel. Esperando a Godot: Una tragicomedia en 2 actos. New York: Grove, 1982. Print.
Blocker, Gene H. The Metaphysics of Absurdity. Washington: University of America, 1979. Imprimir.
Camus, Albert. El mito de Sísifo y otros ensayos. Trans. Justin O’Brien. New York: Vintage, 1983. Imprimir.
Esslin, Martin. The Theatre of the Absurd. New York: Vintage, 2004. Imprimir.
Ionesco, Eugene. La soprano calva y La lección. Trans. Tina How. New York: Grove, 2006. Print.
Imagen de La soprano calva y de Sísifo cortesía de Wikimedia Commons.
La imagen de Beckett y el reparto se puede encontrar aquí: http://www.themodernword.com/beckett/sb_german_godot.html
Contribuidor: Delanie Laws