Scena da “Il Soprano Calvo” di Eugène Ionesco
Introduzione
Il Teatro dell’Assurdo è un movimento composto da molte opere diverse, la maggior parte delle quali furono scritte tra il 1940 e il 1960. Quando furono rappresentate per la prima volta, queste opere scioccarono il pubblico perché erano sorprendentemente diverse da qualsiasi cosa fosse stata messa in scena in precedenza. Infatti, molti di loro furono etichettati come “anti-plays”. Nel tentativo di chiarire e definire questo movimento radicale, Martin Esslin coniò il termine “Teatro dell’Assurdo” nel suo libro omonimo del 1960. Lo definì così, perché tutte le opere teatrali enfatizzavano l’assurdità della condizione umana. Mentre noi tendiamo ad usare la parola “assurdo” come sinonimo di “ridicolo”, Esslin si riferiva al significato originale della parola: “fuori armonia con la ragione o la correttezza; illogico” (Esslin 23). Essenzialmente, ogni opera teatrale rende l’esistenza dell’uomo illogica e, inoltre, senza senso. Questa idea fu una reazione al “crollo delle strutture morali, religiose, politiche e sociali” dopo le due guerre mondiali del XX secolo (Abbotson 1).
Influenze
Il quadro di Sisifo di Franz von Stuck
Il teatro assurdo fu pesantemente influenzato dalla filosofia esistenziale. Si allineava meglio con la filosofia del saggio di Albert Camus Il mito di Sisifo (1942). In questo saggio, Camus cerca di presentare una risposta ragionevole sul perché l’uomo non dovrebbe suicidarsi di fronte ad un’esistenza assurda e senza senso. Per farlo, usa la figura mitologica greca di Sisifo, che fu condannato a spingere un masso su per una montagna, solo per farlo rotolare giù. Egli ripete questo ciclo futile per tutta l’eternità. Alla fine del saggio, Camus conclude che “Bisogna immaginare Sisifo felice” (Camus 123). Intende dire che la sola lotta della vita dovrebbe portare la felicità. In sostanza, possiamo trovare un senso nel vivere anche senza sapere perché esistiamo.
I drammaturghi dell’assurdo, tuttavia, non hanno risolto il problema dell’esistenza senza senso dell’uomo in modo così positivo come Camus. Infatti, in genere non offrivano alcuna soluzione al problema, suggerendo così che la domanda è in definitiva irrisolvibile.
Temi
Mentre le opere assurde presentano una grande varietà di argomenti, ci sono alcuni temi, o idee, che ricorrono frequentemente all’interno del movimento. Questi temi sono il prodotto di un nuovo atteggiamento che ha spazzato l’Europa dopo la seconda guerra mondiale. Consisteva principalmente nel riconoscimento che le “certezze” e le “supposizioni” delle generazioni precedenti erano state “messe alla prova e trovate carenti, screditate come illusioni a buon mercato e un po’ infantili” (Esslin 23). Due temi che ricorrono frequentemente nei drammi assurdisti sono un mondo senza senso e l’isolamento dell’individuo.
Un mondo senza senso
Il declino della fede religiosa nel ventesimo secolo è in parte responsabile della crescente nozione che la vita non abbia uno scopo identificabile. Mentre chi crede nell’aldilà vede la vita come un mezzo per arrivarci, chi non crede è lasciato a concludere che non c’è scopo o a trovare una giustificazione alternativa per la sua vita. Esslin nota che questo declino è stato “mascherato fino alla fine della seconda guerra mondiale dalle religioni sostitutive della fede nel progresso, il nazionalismo e varie fallacie totalitarie” (23). Eppure anche questi approcci apparivano fallaci, lasciando l’altra opzione: l’affermazione che non c’è alcun significato dietro la vita umana. Nella sua opera Le sedie, Ionesco capitalizza questa mancanza di senso. Nel corso della commedia, i due personaggi principali preparano delle sedie per degli ospiti invisibili che vengono tutti ad ascoltare il senso della vita dichiarato da un oratore. I personaggi principali si uccidono poco prima che lui parli e poi il pubblico scopre che l’oratore è un sordomuto. Ionesco stesso ha descritto il soggetto della commedia come “non il messaggio, né i fallimenti della vita, né il disastro morale dei due vecchi, ma le sedie stesse; cioè l’assenza di persone, l’assenza dell’imperatore, l’assenza di Dio, l’assenza di materia, l’irrealtà del mondo, il vuoto metafisico” (qtd. in Esslin 152). Questo tipo di visione del mondo è caratteristica del Teatro dell’Assurdo.
L’isolamento dell’individuo
I drammaturghi coinvolti nel Teatro dell’Assurdo non erano consapevoli di appartenere ad un movimento mentre scrivevano le loro opere. Ironicamente, ognuno di loro pensava a se stesso come “un outsider solitario, tagliato fuori e isolato nel mondo privato” (Esslin 22). Questa prospettiva penetra chiaramente nel loro lavoro, dato che la maggior parte delle opere sottolinea l’isolamento dell’individuo, o l’incapacità dell’uomo di connettersi con gli altri. Aspettando Godot// (1952) di Samuel Beckett, l’opera più conosciuta del movimento assurdista, presenta questa idea. I due personaggi principali, Vladimir ed Estragon, sono entrambi barboni che trascorrono l’intera opera ai margini della società. Anche se hanno l’un l’altro, sono allo stesso tempo isolati l’uno dall’altro. Un’indicazione di ciò è che non sono mai in grado di comunicare adeguatamente; la loro conversazione gira in tondo.
Forma
Beckett supervisiona una produzione di Aspettando Godot
La forma di un’opera d’arte è spesso trascurata in favore del suo soggetto. Più specificamente, il dramma è spesso studiato in termini di ciò che dice piuttosto che di come lo dice. (Almeno questo è così nella maggior parte degli ambienti accademici perché gli studenti tipicamente leggono un’opera teatrale piuttosto che vederla rappresentata). La forma, tuttavia, è probabilmente l’aspetto più importante delle opere assurde. È ciò che li separa da altri movimenti a tema simile, principalmente il dramma esistenziale. Esslin sostiene che “il Teatro dell’Assurdo fa un passo avanti nel cercare di raggiungere un’unità tra i suoi assunti di base e la forma in cui questi sono espressi” (24). Essenzialmente, questi drammaturghi stavano reagendo contro il realismo perché non era in linea con i loro obiettivi. Non volevano mostrare la vita come era realmente, ma piuttosto la vita interiore dell’uomo – quello che succedeva nella sua testa. Esslin spiega che “il Teatro dell’Assurdo comunica semplicemente l’intuizione più intima e personale di un poeta della situazione umana, il suo senso dell’essere, la sua visione individuale del mondo” (402-403). Per rappresentare questa “intuizione personale” i drammaturghi dovettero abbandonare i metodi convenzionali e adottare una forma più poetica, o lirica.
Svalutazione del linguaggio
Una caratteristica di questa forma poetica era la svalutazione del linguaggio. I drammaturghi dell’assurdo sentivano che il linguaggio convenzionale aveva fallito con l’uomo – era un mezzo di comunicazione inadeguato. Di conseguenza, il movimento dei personaggi sul palco spesso contraddice le loro parole o il dialogo. Per esempio, entrambi gli atti di Aspettando Godot si concludono con la battuta “Sì, andiamo”, solo per essere seguiti dalla direzione di scena, “Non si muovono” (Beckett 6). Essenzialmente, i drammaturghi stanno cercando di sottolineare una disconnessione tra “parola e oggetto, significato e realtà, coscienza e mondo” (Blocker 1). Inoltre, così facendo espongono quanto sia inaffidabile il linguaggio; si può facilmente dire una cosa e fare il contrario.
Un altro modo comune in cui presentano l’inutilità del linguaggio è far parlare i loro personaggi costantemente con cliché, o espressioni abusate e stanche. Un esempio lampante è quello de Il Soprano Calvo di Ionesco:
Signora Martin: Com’è curioso, buon Dio, com’è bizzarro!…
Signor Martin: Com’è curioso, com’è curioso, e che coincidenza!
(Ionesco 14).
La frase “com’è curioso” è stata detta così tante volte, anche al di fuori di questo spettacolo, che ha perso il suo significato. Pertanto, la loro ripetizione è vuota – stanno parlando senza realmente comunicare. Essenzialmente, i drammaturghi stanno sostenendo che il linguaggio è diventato un mezzo per occupare il tempo e lo spazio piuttosto che un modo per comunicare efficacemente l’uno con l’altro.
Mancanza di trama
Un altro aspetto poetico delle opere assurde è che mancano di una trama o di un chiaro inizio e fine con uno sviluppo mirato nel mezzo. Di solito c’è una grande quantità di ripetizioni sia nel linguaggio che nell’azione, il che suggerisce che l’opera non sta effettivamente “andando da nessuna parte”. In Aspettando Godot, le direzioni di scena indicano che Vladimir ed Estragon sono costantemente in movimento. Per esempio, ripetutamente “frugano” nelle loro tasche e “scrutano” nei loro cappelli (Beckett 4-9). Queste azioni sono così frequenti, tuttavia, che il pubblico comincia a sentirsi come se stesse guardando la stessa cosa più e più volte. Potrebbero anche essere definite azioni statiche, dato che non contribuiscono in alcun modo al flusso dell’opera. Eppure questa mancanza di movimento intenzionale in Aspettando Godot e nella maggior parte degli altri drammi assurdi è intenzionale. Come discusso sopra, i drammi stanno tentando di ritrarre un’intuizione che per definizione dovrebbe essere un’intuizione istantanea o immediata. È “solo perché è fisicamente impossibile presentare un’immagine così complessa in un istante che deve essere distribuita su un periodo di tempo” (Esslin 404). Pertanto, se non si considera il dramma come una storia, ma piuttosto come una singola idea che viene recitata, questa presunta mancanza di trama diventa irrilevante.
Conclusione
Soprattutto, i drammaturghi dell’assurdo hanno cercato di riconciliare l’uomo con il mondo moderno. Esslin afferma eloquentemente che “la dignità dell’uomo sta nella sua capacità di affrontare la realtà in tutta la sua insensatezza; di accettarla liberamente, senza paura, senza illusioni – e di riderne” (Esslin 429). I drammaturghi dell’assurdo furono i primi a propagare questa idea di accettazione di fronte all’assurdo. Nel fare ciò, hanno sfidato i preconcetti di ciò che fa e non fa teatro. Essenzialmente, i drammaturghi dell’assurdo ridefinirono la forma d’arte e crearono uno spazio in cui i movimenti successivi poterono fiorire.
Figure chiave
- Samuel Beckett (1906-1989)
- Arthur Adamov (1908-1970)
- Eugene Ionesco (1909-1994)
- Jean Genet (1910-1986)
- Edward Albee (1928)
- Harold Pinter (1930-2008)
- Tom Stoppard (1937)
Abbotson, Susan. Guida tematica al dramma moderno. Westport, Conn.: Greenwood, 2003. Stampa.
Beckett, Samuel. Aspettando Godot: Una tragicommedia in 2 atti. New York: Grove, 1982. Stampa.
Blocker, Gene H. The Metaphysics of Absurdity. Washington: University of America, 1979. Stampa.
Camus, Albert. Il mito di Sisifo e altri saggi. Trans. Justin O’Brien. New York: Vintage, 1983. Stampa.
Esslin, Martin. Il teatro dell’assurdo. New York: Vintage, 2004. Stampa.
Ionesco, Eugene. Il Soprano calvo e La lezione. Trans. Tina How. New York: Grove, 2006. Stampa.
Immagine da Il soprano calvo e di Sisifo per gentile concessione di Wikimedia Commons.
Immagine di Beckett e del cast si trova qui: http://www.themodernword.com/beckett/sb_german_godot.html
Collaboratore: Delanie Laws