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Die Geburt der Farbfotografie

Als die Fotografie 1839 erfunden wurde, war sie ein Schwarz-Weiß-Medium, und das blieb sie fast hundert Jahre lang. Die Fotografie war damals ein zerbrechliches, umständliches und teures Verfahren. Um praktizieren zu können, brauchten Fotografen viel Geld und Zeit oder einen Sponsor.

In dieser frühen Periode konzentrierten sich die Menschen, die die Fototechnik vorantrieben, nicht darauf, Farbfotografien zu erreichen, sondern darauf, Verbesserungen in den optischen, chemischen und praktischen Aspekten der Fotografie vorzunehmen. Für viele war es das Ziel, die Fotografie besser für die Porträtfotografie geeignet zu machen – ihre meist gewünschte Anwendung. Dafür musste die fotografische Technologie stabiler, tragbarer und erschwinglicher werden, nicht bunter.

Aber die Menschen wollten Farbfotos. (Porträts vor der Fotografie waren Gemälde – in voller, prächtiger Farbe.) Um 1880, nachdem die ersten technischen Hürden überwunden waren, begannen die Porträtfotografen mit Farbe zu experimentieren. Sie beschäftigten Künstler, um die Daguerreotypien und Kalotypien der Fotografen von Hand zu tönen.

Britische Fotografen führten die Handkolorierung von Fotografien in Japan ein, wo sich die Praxis verbreitete und japanische Künstler die Technik weiter perfektionierten. Die raffinierte, zarte Handkolorierung wurde zu einem bestimmenden Merkmal der japanischen Touristenfotografie, deren Ergebnisse zurück in den Westen getragen wurden und dort die Kunst der Handkolorierung beeinflussten.

Diese äußerst beliebte Technik hielt sich in Europa und Amerika bis zwanzig Jahre später, als die Autochromplatten aufkamen. In Japan überdauerte die Handkolorierung noch weitere zwanzig Jahre darüber hinaus.

Autochrom

Das 1907 in Frankreich von Auguste und Louis Lumière eingeführte Autochrom war das erste allgemein praktikable farbfotografische Verfahren. Autochrome waren wunderschön, aber das Verfahren war knifflig. Die Autochrome-Fotografie benötigte längere Belichtungszeiten als die zeitgenössischen Schwarz-Weiß-Fotografie-Verfahren. Außerdem war das Verfahren additiv: Das Ergebnis war ein positives Farbdia, das nur gegen ein Gegenlicht oder als projiziertes Bild betrachtet werden konnte. Die Farbfotografie war zu einer möglichen Alternative geworden, aber bessere Farbtechnologien wurden benötigt.

Farbpositiv, Farbnegativfilme

Einstieg in den Kodachrome-Film. Leopold Godowsky Jr. und Leopold Mannes läuteten 1935 in den Kodak-Forschungslaboratorien die moderne Ära der Farbfotografie ein, indem sie den Kodachrome erfanden, einen Farbpositivfilm (oder „Diafilm“), der mit einem subtraktiven Farbfotografieverfahren hergestellt wurde. Die Farbkuppler wurden während der Entwicklung hinzugefügt, so dass der Film in speziell ausgerüsteten Labors entwickelt werden musste, aber das Fehlen von Farbkupplern in der Emulsion bedeutete, dass der Film feine Details einfing. Kodachrome wurde für seine satten, warmen Farbtöne und seine Schärfe bekannt, was ihn zu einem beliebten und bevorzugten Film für mehr als 70 Jahre machte, obwohl er eine komplizierte Entwicklung benötigte.

Im Jahr 1936, nur ein Jahr nach der Erfindung des Kodachrome, entwickelte die Firma Agfa in Deutschland das Agfacolor Negativ-Positiv-Verfahren. Der Zweite Weltkrieg verhinderte jedoch die Freigabe des Verfahrens bis 1949. In der Zwischenzeit, im Jahr 1942, brachte Kodak seinen Negativ-Positiv-Farbfilm Kodacolor heraus. Innerhalb von zwanzig Jahren, nach Verbesserungen in Qualität, Geschwindigkeit und Preis, wurde Kodacolor der beliebteste Film unter den Amateurfotografen.

Farbfotografie inspiriert neue kreative Möglichkeiten

Mit dem Aufkommen des Farbfilms blühten die kreativen Möglichkeiten der Fotografie auf. Der amerikanische Fotograf Eliot Porter machte Aufnahmen von Vögeln und der Natur mit noch nie dagewesenen Farbnuancen; seine Bilder wurden sowohl für ihre wissenschaftliche als auch für ihre ästhetische Leistung gelobt. Der österreichische Fotograf Ernst Haas war der erste, der die Farbfotografie in den Fotojournalismus einbrachte: Seine Serie „New York“, die von der Zeitschrift „Life“ veröffentlicht wurde, zeigte das alltägliche Leben in einer unübertroffenen Lebendigkeit. Doch trotz dieser aufregenden Entwicklungen sollte es noch Jahrzehnte dauern, bis sich die Farbfotografie durchsetzte und von den Tageszeitungen übernommen wurde.

Farbfotografie setzt sich durch

Nach dem Krieg erreichte die Farbfilm-Fotografie einen kulturellen, technologischen und kommerziellen Höhepunkt und florierte dort für mehrere Jahrzehnte. Der Farbfilm hatte sich verbessert und war zu einem ausgereiften Medium geworden: Die fotografischen Emulsionen waren stabiler und genauer, ein zuverlässiges weltweites Netzwerk von Laboren und Verkäufern hatte sich etabliert, und internationale Standards hatten sich durchgesetzt. Für Profis waren mit modernem Farbfilm sehr hochwertige Ergebnisse möglich.

Farbfilm, insbesondere Farbnegativfilm, war auch für Amateure und Gelegenheitsfotografen (eine neue Kategorie von Fotografen) ein verzeihendes Medium. Farbbilder wurden nicht mehr nur etwas für Wissenschaftler, Techniker, Künstler und Werber, sondern zunehmend etwas, das für viele Menschen einfach und erschwinglich genug war, um es zu betreiben. Jede Art von Kamera, vom Drogeriemarkt-Einmaleins bis hin zu den leistungsfähigsten Spezialoptiken und -gehäusen, war verfügbar. Die Menschen in dieser Zeit fanden alle möglichen Verwendungszwecke für Farbfilme und hielten alles fest, von dunstigen Strandurlauben bis hin zu den ersten Farbbildern der Erde, die aus dem Weltraum aufgenommen wurden.

Farbfotografie als bildende Kunst

Als Medium der bildenden Kunst wurde die Farbfotografie langsam in den Vordergrund gerückt. Bemerkenswerte Fortschritte machte Ernst Haas, der die Kluft zwischen reinem Fotojournalismus und Fotografie überbrückte, indem er die Farbfotografie als kreatives, ausdrucksstarkes Medium einsetzte. Wie bereits erwähnt, hatte Life (und Vogue) bereits Haas‘ Farb-Fotojournalismus veröffentlicht, und 1962 stellte das Museum of Modern Art Haas in seiner ersten Einzelausstellung mit Farbfotografie vor.

Es war mehr als ein Jahrzehnt später, als das Museum of Modern Art die Farbfotografien von William Eggleston ausstellte. Eggleston war von dem amerikanischen Fotografen, Maler und Bildhauer William Christenberry in die Farbfotografie eingeführt worden – ein weiterer Fotograf, der die Farbfotografie bewusst als Ausdrucksmittel einsetzte. Egglestons besonderes Interesse galt dem Farbstofftransferdruck, einer Methode, die für Werbematerialien weit verbreitet war. Eggleston wurde von den satten, tiefen Farben angezogen, die er mit der Farbstofftransfertechnik erzeugen konnte. Obwohl die Eggleston-Ausstellung nicht die erste Farbfotografie-Ausstellung des Museums war, signalisierte sie doch die Ankunft der Farbfotografie und wird für die Legitimierung der Farbfotografie in der Welt der bildenden Kunst verantwortlich gemacht.

Weitere bedeutende Werke der Farbfotografie in der bildenden Kunst folgten bald darauf: Die Interieurbilder der deutschen Fotografin Candida Höfer und RichardMisrachs Desert Cantos, beide 1979 begonnen; Mary Ellen Marks Falkland Road:Prostitutes of Bombay (1981); die brasilianische Fotografin Miguel Rio Branco’s Dulce Sudor Amargo und Nan Goldin’s Ballad of Sexual Dependency (beide 1985); Bruce Davidson’s Subway und AlexWebb’s Hot Light/Half-Made Worlds:Photographs from the Tropics (beide 1986); und die Arbeiten von Barbara Norfleet, Joel Meyerowitz, Stephen Shore, Barbara Kasten und Franco Fontana, die in dieser Zeit ebenfalls Farbfotografie mit außergewöhnlichem Ausdruck einsetzten.

Von da an verfestigte sich die ästhetische Wertschätzung der Farbfotografie in der Kunstszene und öffnete die Tür für eine unvorhersehbare Anzahl von Kunstfotografen, die es vorzogen, in Farbe zu arbeiten.

Zeitungen nehmen Farbe an

Die Zeitungen haben sich ähnlich langsam, aber schließlich doch an die Farbfotografie gewöhnt.

Technisch gesehen war die Illustrated London News die erste, die Farbe in einer Zeitung einführte, als sie 1855 in ihrer Weihnachtsausgabe Farbbilder druckte. Amerikanische Leser lernten Farbe in Zeitungen im Jahr 1891 kennen, als das Milwaukee Journal die Amtseinführung eines neuen Gouverneurs mit einem blau-roten Balken auf der Titelseite feierte.

Magazine begannen in den 1890er Jahren, Farbfotografie für Werbung zu verwenden, aber der Druck war teuer und unzuverlässig. In den 1920er Jahren hatten sich die Techniken verbessert und Farbwerbung wurde zum Standard in Zeitschriften.

Aber erst 1954 begann die erste Zeitung, die St. Petersburg Times, ihre Nachrichtenseiten in Farbe zu drucken; vier Jahre später folgte eine weitere Zeitung aus Floridan, der Orlando Sentinel.

Bis 1979 verwendeten 12 Prozent der amerikanischen Zeitungen Farbe, und bis 1990 hatten alle bis auf einige wenige zumindest teilweise Farbe in ihren Publikationen.

Für einige Zeitungen war die Zurückhaltung gegenüber der Farbfotografie hauptsächlich eine finanzielle Frage. Um eine ganze Zeitung in Farbe zu drucken, war eine neue Ausrüstung notwendig und kostspielig. Bei anderen ging es darum, die Integrität der Berichterstattung zu bewahren. Traditionalisten waren der Meinung, dass Farbe von den Nachrichten ablenkt, sie mit Emotionen und Subjektivität durchtränkt und Inhalte auf eine Art und Weise darstellt, die als frivol oder nicht seriös angesehen wird.

Tradition verlangsamte die Einführung von Farbe in Zeitungen in Großbritannien, wo eine klassistische Kluft zwischen anspruchsvollen Zeitungen und den populistischen Boulevardblättern bestand. Farbige Werbung erschien 1936 und die Sunday Times brach 1962 mit der Veröffentlichung der ersten Farbbeilage. Es dauerte noch etwa zwanzig Jahre, bis sich Farbe in die täglichen Nachrichten einschlich – angeführt nicht von einer Zeitung, sondern von der Boulevardzeitung Today. Die Zeitungen mussten schließlich nachziehen.

Es gab einen Rückschlag gegen die Farbpalette der USA Today (die von einigen als grell empfunden wurde), als sie 1982 als vollfarbige Zeitung auf den Markt kam, aber jeder Schock, den die Farbe auslöste, wurde schließlich ausgeglichen oder übersehen, als die Werbeergebnisse eintrafen. Eine Studie zeigte, dass Farbanzeigen 43 Prozent mehr Umsatz brachten als Schwarz-Weiß-Anzeigen. Gleichzeitig begann die Leserschaft, Farbe zu verlangen (vor allem die jüngere): 1986 wollten etwa 75 Prozent aller Zeitungsleser ihre Nachrichten in Farbe.

Mit der Zeit erkannten die Zeitungsredakteure, dass die Nutzung des vollen Farbspektrums die Qualität der Informationen, die sie vermitteln konnten, verbesserte und „ein wunderbares neues journalistisches Instrumentarium“ bot, bemerkte Terry Schwadron, ehemaliger stellvertretender Geschäftsführer der Los Angeles Times im Jahr 1993. Durch die Farbigkeit konnten die Zeitungen auch besser mit Magazinen und dem Fernsehen konkurrieren, die beide die Welt in all ihrer bunten Pracht darstellten.

Farbfotografie heute

Heute stellt natürlich niemand mehr die Legitimität der Darstellung von Nachrichten oder Kunst in Farbe in Frage.

Als die Digitalfotografie aufkam, gab es auch hier technische Hürden, die eine weitere Verbreitung verhinderten. Und wie bei der Farbfotografie schuf die Lösung dieser Probleme neue Möglichkeiten für Fotografen und Verleger. Vor allem aber hat die Digitalfotografie die Farbfotografie weiterentwickelt.

Obwohl es fast seit den Anfängen der Fotografie Farbbilder gab, die von Hand eingefärbt wurden, war Schwarz-Weiß für die meisten Menschen der Standard, und Farbe war eine ästhetische Entscheidung. Aber das änderte sich mit der Digitalisierung. Digitale Schwarz-Weiß-Bilder werden zuerst in Farbe aufgenommen, was bedeutet, dass mit der Digitalfotografie standardmäßig in Farbe und wahlweise in Schwarz-Weiß fotografiert wird.

Die Digitalfotografie macht es auch einfacher, in Farbe zu arbeiten, da man nicht mehr mit mehreren Farbfilmen für jede Lichtsituation arbeiten muss. Stattdessen wird der Weißabgleich in der Kamera eingestellt und nicht durch die Wahl des Films. Der Wegfall des Kaufs von Farbfilmen und der Kosten für die Entwicklung hat auch die Kosten für die Farbfotografie gesenkt. Das Ergebnis ist, dass die Farbfotografie heute zugänglicher und verbreiteter ist als je zuvor, eine fast universelle menschliche kulturelle Erfahrung, wie es der Film nie war.

Interessanterweise liefern die meisten Digitalkameras, selbst viele teure, eine minderwertige Farbqualität. Obwohl die digitale Farbdarstellung in letzter Zeit stark verbessert wurde (vor allem bei High-End-Geräten), ist sie für die meisten Menschen noch lange nicht perfekt. Zum Beispiel ordnen Digitalkameras den Hauttönen vieler Menschen anfangs eine fahle grau-lachsfarbene Farbe zu. Wir befinden uns immer noch am Rande des Übergangs zur Digitalfotografie, daher ist es sehr wahrscheinlich, dass Menschen, die mit ihren Smartphones fotografieren, immer bessere Farben erhalten.

Schwarz-Weiß oder Farbe?

Die Farbfotografie hat einen langen Weg hinter sich. Was aber nicht immer offensichtlich ist, ist, wie man Farbe in der eigenen Fotografie einsetzt.

Besonders für angehende Fotografen stellt sich die Frage, wann und warum man sich für Farbe oder Schwarz-Weiß entscheidet. Wie wirkt sich Farbe auf unsere Wahrnehmung als Betrachter aus? Was bietet monochromes Bildmaterial, das die Farbfotografie nicht bieten kann? Auch die Schwarz-Weiß-Technik hat sich im Laufe der Jahre verbessert. Hat das die Dinge verändert? Wie sieht es mit digitalem Schwarz-Weiß aus?

Antworten auf diese und andere Fragen zu den unterschiedlichen Verfahren in der Fotografie finden Sie in „Farb- vs. Schwarz-Weiß-Fotografie: Wie die Palette beeinflusst, was wir sehen – und fühlen“.

Wenn Sie bereit sind, Schwarzweiß- versus Farbfotografie selbst auszuprobieren, schauen Sie sich die Tutorials an, die Sie im Lernhandbuch Schwarzweißfotografie und in Alles Farbe finden.