La nascita della fotografia a colori
Quando la fotografia fu inventata nel 1839, era un mezzo in bianco e nero, e rimase tale per quasi cento anni. La fotografia allora era un processo fragile, ingombrante e costoso. Per praticare, i fotografi avevano bisogno di molto denaro e tempo in più, o di uno sponsor.
In quel primo periodo, le persone che facevano progredire la tecnologia fotografica tendevano a concentrarsi non sul raggiungimento di fotografie a colori, ma sul miglioramento degli aspetti ottici, chimici e pratici della fotografia. Per molti, l’obiettivo era quello di rendere la fotografia più adatta alla ritrattistica, la sua applicazione più desiderata. Per questo, la tecnologia fotografica doveva essere più stabile, portatile e abbordabile, non più colorata.
Ma la gente voleva foto a colori. Dal 1880, una volta superati i primi ostacoli tecnici, i ritrattisti iniziarono a sperimentare il colore. Impiegarono artisti per colorare a mano i dagherrotipi e i calotipi dei fotografi.
I fotografi britannici introdussero le fotografie colorate a mano in Giappone, dove la pratica si diffuse e gli artisti giapponesi perfezionarono ulteriormente la tecnica. La raffinata e delicata colorazione a mano divenne una caratteristica distintiva della fotografia turistica giapponese, i cui risultati furono riportati in Occidente, influenzando l’arte della colorazione a mano. In Giappone, la colorazione a mano durò ancora una ventina d’anni.
Autochrome
Debuttato in Francia nel 1907 da Auguste e Louis Lumière, Autochrome fu il primo processo fotografico a colori generalmente pratico. Gli autocromi erano belli, ma il processo era complicato. Gli autocromi richiedevano tempi di esposizione più lunghi dei loro contemporanei processi in bianco e nero. Il processo era anche additivo: il risultato era una trasparenza a colori positivi che poteva essere vista solo in controluce o come immagine proiettata. La fotografia a colori era diventata un’alternativa possibile, ma erano necessarie migliori tecnologie a colori.
Film positivi e negativi a colori
Entra la pellicola Kodachrome. Nel 1935, mentre lavoravano ai Kodak Research Laboratories, Leopold Godowsky Jr. e Leopold Mannes inaugurarono l’era moderna della fotografia a colori inventando il Kodachrome, una pellicola positiva a colori (o “diapositiva”) prodotta con un processo fotografico a colori sottrattivo. Gli accoppiatori di colore venivano aggiunti durante l’elaborazione, richiedendo che la pellicola fosse elaborata da laboratori appositamente attrezzati, ma l’assenza di accoppiatori di colore nell’emulsione significava che la pellicola catturava dettagli fini. Il Kodachrome divenne noto per i suoi ricchi toni caldi e la sua nitidezza, rendendolo una pellicola popolare e preferita per oltre 70 anni, nonostante la sua necessità di una lavorazione complicata.
Nel 1936, solo un anno dopo l’invenzione del Kodachrome, la Agfa Company in Germania creò il processo negativo-positivo Agfacolor. Tuttavia, la seconda guerra mondiale ha impedito il rilascio del processo fino al 1949. Nel frattempo, nel 1942, Kodak rilasciò la sua pellicola a colori negativo-positivo, Kodacolor. Nel giro di vent’anni, dopo i miglioramenti nella qualità, nella velocità e nel prezzo, la Kodacolor divenne la pellicola più popolare tra i fotografi dilettanti.
La fotografia a colori ispira nuove opportunità creative
Con l’avvento della pellicola a colori, le possibilità creative della fotografia fiorirono. Il fotografo americano Eliot Porter realizzò fotografie di uccelli e natura con sfumature di colore senza precedenti; le sue immagini vennero sostenute sia per il loro successo scientifico che estetico. Il fotografo austriaco Ernst Haas fu il primo a portare la fotografia a colori nel fotogiornalismo: pubblicata dalla rivista Life, la sua serie, New York, ritraeva la vita quotidiana con una vivacità senza pari. Eppure, nonostante questi entusiasmanti sviluppi, ci vollero decenni prima che la fotografia a colori prevalesse e i giornali quotidiani la incorporassero.
La fotografia a colori viene accettata
Dopo la guerra, la fotografia con pellicola a colori raggiunse un punto di forza culturale, tecnologico e commerciale, e lì prosperò per diversi decenni. La pellicola a colori era migliorata ed era diventata un mezzo maturo: le emulsioni fotografiche erano più stabili e precise, era stata creata una rete mondiale affidabile di laboratori e venditori e gli standard internazionali avevano avuto successo. Per i professionisti, risultati di altissima qualità erano possibili con la moderna pellicola a colori.
La pellicola a colori, specialmente la pellicola negativa a colori, era anche un mezzo indulgente per i dilettanti e i fotografi occasionali (una nuova categoria di fotografi). Le immagini a colori divennero non solo qualcosa per scienziati, tecnici, artisti e pubblicitari, ma, sempre più, qualcosa di abbastanza facile e accessibile per molte persone. Era disponibile ogni tipo di macchina fotografica, da quelle usa e getta da negozio a quelle con le ottiche e i corpi speciali più performanti. Le persone in questo periodo trovarono tutti i tipi di uso per la pellicola a colori, registrando tutto, dalle vacanze sulla spiaggia al nebbioso alle prime immagini a colori della Terra prese dallo spazio.
La fotografia a colori come arte
Come mezzo artistico, la fotografia a colori è stata lentamente portata all’ovile. Notevoli progressi furono fatti da Ernst Haas, che stava colmando il divario tra il puro fotogiornalismo e la fotografia utilizzando la fotografia a colori come mezzo creativo ed espressivo. Come detto, Life (e Vogue) avevano già pubblicato il fotogiornalismo a colori di Haas, e nel 1962 il Museum of Modern Art fece un profilo di Haas nella sua prima mostra di fotografia a colori per un solo artista.
Era più di un decennio dopo quando il Museum of Modern Art espose le fotografie a colori di William Eggleston. Eggleston era stato introdotto alla fotografia a colori dal fotografo, pittore e scultore americano William Christenberry, un altro fotografo che utilizzava deliberatamente la fotografia a colori come mezzo espressivo. L’interesse particolare di Eggleston era l’uso della stampa a trasferimento di colore, un metodo ampiamente utilizzato per i materiali pubblicitari. Eggleston era attratto dai colori ricchi e profondi che poteva creare con la tecnica del dye-transfer. Anche se la mostra di Eggleston non fu la prima mostra di fotografia a colori del museo, segnalò l’arrivo della fotografia a colori ed è accreditata per legittimare la fotografia a colori nel mondo delle belle arti.
Altri corpi significativi di fotografia a colori d’arte seguirono subito dopo: Le immagini di interni della fotografa tedesca Candida Höfer e Desert Cantos di Richard Misrach, entrambi iniziati nel 1979; Falkland Road:Prostitutes of Bombay di Mary Ellen Mark (1981); Dulce Sudor Amargo del fotografo brasiliano Miguel Rio Branco e Ballad of Sexual Dependency di Nan Goldin (entrambi nel 1985); Subway di Bruce Davidson e Hot Light/Half-Made Worlds di AlexWebb:Photographs from the Tropics (entrambi nel 1986); e i lavori di Barbara Norfleet, Joel Meyerowitz, Stephen Shore, Barbara Kasten, e Franco Fontana, che in questo periodo hanno tutti utilizzato la fotografia a colori con straordinaria espressività.
Da allora in poi, l’apprezzamento estetico per la fotografia a colori si consolidò nella comunità delle belle arti, aprendo la porta a un numero imprevedibile di fotografi d’arte che preferirono lavorare a colori.
I giornali abbracciano il colore
I giornali hanno avuto una simile lenta ma definitiva acquiescenza alla fotografia a colori.
Tecnicamente parlando, l’Illustrated London News fu il primo a introdurre il colore in un giornale quando stampò immagini a colori nella sua edizione del giorno di Natale nel 1855. I lettori americani furono introdotti al colore nei giornali nel 1891, quando il Milwaukee Journal commemorò l’inaugurazione di un nuovo governatore con una barra blu e rossa in prima pagina.
Le riviste iniziarono a usare la fotografia a colori per la pubblicità nel 1890, ma la stampa era costosa e inaffidabile. Negli anni ’20, le tecniche erano migliorate e la pubblicità a colori divenne uno standard nelle riviste.
Ma fu solo nel 1954 che il primo giornale, il St. Petersburg Times, iniziò a usare il colore nelle sue pagine di notizie; quattro anni dopo, un altro giornale della Florida, l’Orlando Sentinel, lo seguì. Nel 1979, il 12% dei giornali americani incorporava il colore, e nel 1990, tutti tranne alcuni includevano il colore almeno parzialmente nelle loro pubblicazioni. Per stampare un intero giornale a colori erano necessarie e costose nuove attrezzature. Per altri, la riluttanza riguardava il mantenimento dell’integrità delle notizie. I tradizionalisti erano dell’idea che il colore distraeva dalle notizie, infondendovi emozioni e soggettività, e rappresentando i contenuti in un modo che era considerato frivolo o non serio.
La tradizione rallentò l’adozione del colore nei giornali in Gran Bretagna, dove esisteva una divisione classista tra i giornali di alta mentalità e i tabloid populisti. La pubblicità a colori apparve nel 1936 e il Sunday Times ruppe i ranghi nel 1962 pubblicando il primo supplemento a colori. Ci vollero altri vent’anni o giù di lì perché il colore si insinuasse nelle notizie quotidiane, guidato non da un giornale ma dal tabloid Today. Alla fine i giornali hanno dovuto seguire l’esempio.
C’è stato un contraccolpo contro la tavolozza di colori di USA Today (considerata sgargiante da alcuni) quando è stato lanciato come giornale a colori nel 1982, ma qualsiasi shock che il suo colore ha provocato è stato compensato o trascurato quando i risultati pubblicitari sono arrivati. Uno studio dimostrò che le pubblicità a colori producevano il 43% in più di vendite rispetto a quelle in bianco e nero. Allo stesso tempo, i lettori cominciarono a richiedere il colore (soprattutto i giovani): nel 1986, circa il 75 per cento di tutti i lettori di giornali volevano le loro notizie a colori.
Con il tempo, i direttori dei giornali si resero conto che usare l’intero spettro del colore migliorava la qualità delle informazioni che potevano comunicare, offrendo “una nuova meravigliosa serie di strumenti giornalistici”, osservò Terry Schwadron, ex vice direttore del Los Angeles Times nel 1993. Il full color ha anche permesso ai giornali di competere meglio con le riviste e la televisione, entrambe le quali ritraevano il mondo in tutta la sua colorata gloria.
La fotografia a colori oggi
Oggi, naturalmente, nessuno discute la legittimità di ritrarre le notizie o fare belle arti a colori. E come per la fotografia a colori, la soluzione di questi problemi ha creato nuove opportunità per fotografi ed editori. In particolare, la fotografia digitale ha fatto progredire la fotografia a colori.
Anche se abbiamo avuto immagini a colori quasi dall’inizio della fotografia attraverso la colorazione a mano, per la maggior parte delle persone, il bianco e nero era il default, e il colore era una scelta estetica. Ma questo è cambiato con il digitale. Le immagini digitali in bianco e nero sono scattate prima a colori, il che significa che con il digitale, il colore è di default, e il bianco e nero per scelta.
La fotografia digitale ha anche reso più facile lavorare a colori, eliminando la necessità di avere a che fare con più pellicole a colori per ogni situazione di illuminazione. Invece, il bilanciamento del bianco è impostato nella fotocamera piuttosto che dalla scelta della pellicola. Non dover acquistare pellicole a colori o pagare per l’elaborazione ha anche abbassato il costo della fotografia a colori. Il risultato è che la fotografia a colori è ora più accessibile e più ampiamente utilizzata che mai, un’esperienza culturale umana quasi universale in modi che la pellicola non è mai stata.
È interessante notare che la maggior parte delle fotocamere digitali, anche quelle più costose, producono una qualità del colore inferiore. Mentre il colore digitale è molto migliorato di recente (specialmente nei dispositivi di fascia alta), è lontano dalla perfezione per la maggior parte delle persone. Per esempio, le fotocamere digitali inizialmente assegnano un pallido colore grigio-salmone ai toni della pelle di molte persone. Stiamo ancora cavalcando il bordo della transizione alla fotografia digitale, quindi è molto probabile che le persone che fotografano con i loro smartphone continueranno a ottenere colori sempre migliori.
Bianco e nero o colore?
La fotografia a colori ha fatto molta strada. Quello che non è sempre evidente, però, è come applicare il colore nella propria fotografia.
Soprattutto per i fotografi in erba, la domanda è quando e perché scegliere il colore o il bianco e nero. Come influisce il colore sulla nostra percezione come spettatori? Cosa offrono le immagini monocromatiche che la fotografia a colori non può offrire? Anche la tecnologia in bianco e nero è migliorata nel corso degli anni. Questo ha cambiato le cose? E il bianco e nero digitale?
Per le risposte a queste e altre domande sui processi divergenti della fotografia, continua a leggere “Colore contro bianco e nero: Come la tavolozza influenza ciò che vediamo e sentiamo”.
Se sei pronto a testare tu stesso la fotografia in bianco e nero rispetto a quella a colori, dai un’occhiata ai tutorial che si trovano nella guida alla fotografia in bianco e nero e in Everything Color.