El nacimiento de la fotografía en color
Cuando se inventó la fotografía en 1839, era un medio en blanco y negro, y así permaneció durante casi cien años. La fotografía de entonces era un proceso frágil, engorroso y caro. Para poder practicar, los fotógrafos necesitaban mucho dinero y tiempo extra, o un patrocinador.
En ese primer periodo, la gente que avanzaba en la tecnología fotográfica tendía a centrarse no en conseguir fotografías en color, sino en realizar mejoras en los aspectos ópticos, químicos y prácticos de la fotografía. Para muchos, el objetivo era hacer que la fotografía fuera más adecuada para el retrato, su aplicación más deseada. Para ello, la tecnología fotográfica debía ser más estable, portátil y asequible, no más colorida.
Pero la gente quería fotos en color. En 1880, una vez superados los primeros obstáculos técnicos, los fotógrafos de retratos comenzaron a experimentar con el color. Emplearon a artistas para que tiñeran a mano los daguerrotipos y calotipos de los fotógrafos.
Los fotógrafos británicos introdujeron las fotografías coloreadas a mano en Japón, donde la práctica se generalizó y los artistas japoneses perfeccionaron la técnica. El refinado y delicado coloreado a mano se convirtió en una característica definitoria de la fotografía turística japonesa, cuyos resultados se trasladaron a Occidente, influyendo en el arte del coloreado a mano allí.
Esta técnica tan popular persistió en Europa y América hasta veinte años después, cuando llegaron las placas Autochrome. En Japón, el coloreado a mano duró aún otros veinte años más.
Autocromo
Debido a Auguste y Louis Lumière en Francia en 1907, el autocromo fue el primer proceso fotográfico en color generalmente práctico. Los autocromos eran hermosos, pero el proceso era complicado. Los autocromos requerían tiempos de exposición más largos que los procesos contemporáneos en blanco y negro. Además, el proceso era aditivo: el resultado era una transparencia positiva en color que sólo podía verse a contraluz o como imagen proyectada. La fotografía en color se había convertido en una alternativa posible, pero se necesitaban mejores tecnologías de color.
Positivos en color, películas en negativo en color
Entre la película Kodachrome. En 1935, mientras trabajaban en los Laboratorios de Investigación Kodak, Leopold Godowsky Jr. y Leopold Mannes inauguraron la era moderna de la fotografía en color al inventar el Kodachrome, una película positiva en color (o «diapositiva») producida con un proceso de fotografía en color sustractivo. Los acopladores de colorante se añadían durante el proceso, lo que requería que la película fuera procesada por laboratorios especialmente equipados, pero la ausencia de acopladores de colorante en la emulsión significaba que la película capturaba detalles finos. El Kodachrome se hizo muy conocido por su riqueza de tonos cálidos y su nitidez, lo que lo convirtió en una película popular y preferida durante más de 70 años, a pesar de su necesidad de un procesamiento complicado.
En 1936, sólo un año después de la invención del Kodachrome, la empresa Agfa de Alemania creó el proceso negativo-positivo Agfacolor. Sin embargo, la Segunda Guerra Mundial impidió el lanzamiento del proceso hasta 1949. Mientras tanto, en 1942, Kodak lanzó su película de color negativa-positiva, Kodacolor. En veinte años, tras las mejoras en calidad, velocidad y precio, Kodacolor se convirtió en la película más popular entre los fotógrafos aficionados.
La fotografía en color inspira nuevas oportunidades creativas
Con la llegada de la película en color, las posibilidades creativas de la fotografía florecieron. El fotógrafo estadounidense Eliot Porter realizó fotografías de aves y de la naturaleza con un matiz de color sin precedentes; sus imágenes fueron defendidas tanto por sus logros científicos como estéticos. El fotógrafo austriaco Ernst Haas fue el primero en llevar la fotografía en color al fotoperiodismo: publicada por la revista Life, su serie, New York, retrataba la vida cotidiana con una vitalidad sin igual. Sin embargo, a pesar de estos emocionantes avances, pasarían décadas antes de que la fotografía en color se impusiera y los periódicos la incorporaran.
La fotografía en color gana aceptación
Después de la guerra, la fotografía con película en color alcanzó un punto dulce cultural, tecnológico y comercial, y allí floreció durante varias décadas. La película en color había mejorado y se había convertido en un medio maduro: las emulsiones fotográficas eran más estables y precisas, se había establecido una red mundial fiable de laboratorios y vendedores, y los estándares internacionales habían triunfado. Para los profesionales, era posible obtener resultados de muy alta calidad con la película en color moderna.
La película en color, especialmente el negativo en color, también era un medio indulgente para los aficionados y los fotógrafos ocasionales (una nueva categoría de fotógrafos). Las imágenes en color se convirtieron no sólo en algo para científicos, técnicos, artistas y publicistas, sino, cada vez más, en algo lo suficientemente fácil y asequible como para que mucha gente se dedicara a ello. Había todo tipo de cámaras, desde las desechables de las droguerías hasta las que contaban con ópticas y cuerpos especializados de mayor rendimiento. La gente de esta época encontró todo tipo de usos para la película en color, grabando desde unas brumosas vacaciones en la playa hasta las primeras imágenes en color de la Tierra tomadas desde el espacio.
La fotografía en color como arte
Como medio de arte, la fotografía en color se fue incorporando lentamente. Se produjeron notables avances gracias a Ernst Haas, que tendía un puente entre el fotoperiodismo puro y la fotografía, utilizando la fotografía en color como medio creativo y expresivo. Como se ha mencionado, Life (y Vogue) ya habían publicado el fotoperiodismo en color de Haas, y en 1962, el Museo de Arte Moderno presentó a Haas en su primera exposición de fotografía en color de un solo artista.
Fue más de una década después cuando el Museo de Arte Moderno expuso las fotografías en color de William Eggleston. Eggleston había sido introducido en la fotografía en color por el fotógrafo, pintor y escultor estadounidense William Christenberry -otro fotógrafo que utilizaba deliberadamente la fotografía en color como medio expresivo-. Eggleston estaba especialmente interesado en utilizar la impresión por transferencia de color, un método muy utilizado para los materiales publicitarios. Eggleston se sentía atraído por los colores ricos y profundos que podía crear con la técnica de transferencia de color. Aunque la exposición de Eggleston no fue la primera muestra de fotografía en color del museo, marcó la llegada de la fotografía en color y se le atribuye la legitimación de la fotografía en color en el mundo de las bellas artes.
Poco después llegaron otros conjuntos importantes de fotografía artística en color: Las imágenes de interiores de la fotógrafa alemana Candida Höfer y los Cantos del desierto de Richard Misrach, ambos iniciados en 1979; Falkland Road: Prostitutes of Bombay (1981), de Mary Ellen Mark; Dulce Sudor Amargo, del fotógrafo brasileño Miguel Rio Branco, y Ballad of Sexual Dependency, de Nan Goldin (ambos en 1985); Subway, de Bruce Davidson, y Hot Light/Half-Made Worlds, de AlexWebb:Photographs from the Tropics (ambas en 1986); y las obras de Barbara Norfleet, Joel Meyerowitz, Stephen Shore, Barbara Kasten y Franco Fontana, que también utilizaron la fotografía en color con extraordinaria expresión durante este periodo.
A partir de entonces, el aprecio estético por la fotografía en color se consolidó en la comunidad de las bellas artes, abriendo la puerta a un número imprevisible de fotógrafos de bellas artes que preferían trabajar en color.
Los periódicos adoptan el color
Los periódicos tuvieron una aceptación igualmente lenta pero eventual de la fotografía en color.
Técnicamente hablando, el Illustrated London News fue el primero en introducir el color en un periódico cuando imprimió imágenes en color en su edición del día de Navidad de 1855. Los lectores estadounidenses conocieron el color en los periódicos en 1891, cuando elMilwaukee Journal conmemoró la toma de posesión de un nuevo gobernador con una barra azul y roja en su portada.
Las revistas comenzaron a utilizar la fotografía en color para la publicidad en la década de 1890, pero la impresión era cara y poco fiable. En la década de 1920, las técnicas habían mejorado y la publicidad en color se convirtió en un estándar en las revistas.
Pero no fue hasta 1954 cuando el primer periódico, el St. Petersburg Times, comenzó a utilizar el color en sus páginas de noticias; cuatro años más tarde, otro periódico de Florida, el Orlando Sentinel, le siguió. Para imprimir todo un periódico en color, era necesario contar con nuevos equipos y eran costosos. Para otros, la reticencia tenía que ver con el mantenimiento de la integridad de la información. Los tradicionalistas pensaban que el color restaba valor a las noticias, infundiéndolas con emoción y subjetividad, y representando el contenido de una manera que se consideraba frívola o poco seria.
La tradición frenó la adopción del color en los periódicos de Gran Bretaña, donde existía una división clasista entre los periódicos de alto nivel y los tabloides populistas. La publicidad en color apareció en 1936 y el Sunday Times rompió el hielo en 1962 al publicar el primer suplemento en color. Tuvieron que pasar unos veinte años más para que el color se introdujera en las noticias diarias, no por un periódico sino por el tabloide Today. Los periódicos tuvieron que seguir su ejemplo.
Hubo una reacción contra la paleta de colores del USA Today (considerada chillona por algunos) cuando se lanzó como periódico a todo color en 1982, pero cualquier choque que provocó su color acabó siendo compensado o pasado por alto cuando llegaron los resultados publicitarios. Un estudio demostró que los anuncios en color producían un 43% más de ventas que los anuncios en blanco y negro. Al mismo tiempo, los lectores empezaron a demandar el color (sobre todo los más jóvenes): en 1986, cerca del 75% de los lectores de periódicos querían las noticias en color.
Con el tiempo, los editores de periódicos se dieron cuenta de que el uso de todo el espectro de color mejoraba la calidad de la información que podían comunicar, ofreciendo «un nuevo y maravilloso conjunto de herramientas periodísticas», comentó Terry Schwadron, antiguo director adjunto de Los Angeles Times en 1993. El color también permitió a los periódicos competir mejor con las revistas y la televisión, que mostraban el mundo en todo su colorido.
La fotografía en color hoy en día
Hoy en día, por supuesto, nadie discute la legitimidad de retratar las noticias o de hacer bellas artes en color.
Cuando llegó la fotografía digital, también presentó obstáculos técnicos que impidieron una mayor adopción. Y al igual que con la fotografía en color, la resolución de esos problemas creó nuevas oportunidades para los fotógrafos y los editores. En particular, la fotografía digital hizo avanzar la fotografía en color.
Aunque hemos tenido imágenes en color casi desde el comienzo de la fotografía mediante el tintado a mano, para la mayoría de la gente, el blanco y negro era el predeterminado, y el color era una opción estética. Pero eso cambió con la tecnología digital. Las imágenes digitales en blanco y negro se toman primero en color, lo que significa que con el digital, es el color por defecto, y el blanco y negro por elección.
La fotografía digital también facilitó el trabajo en color al eliminar la necesidad de lidiar con múltiples películas de color para cada situación de iluminación. En su lugar, el balance de blancos se establece en la cámara en lugar de elegir la película. El hecho de no tener que comprar películas de color ni pagar por el procesado también ha reducido el coste de la fotografía en color. El resultado es que la fotografía en color es ahora más accesible y se utiliza más que nunca, una experiencia cultural humana casi universal en formas que la película nunca fue.
Interesantemente, la mayoría de las cámaras digitales, incluso muchas de las más caras, producen una calidad de color inferior. Aunque el color digital ha mejorado mucho recientemente (especialmente en los dispositivos de gama alta), está lejos de ser perfecto para la mayoría de la gente. Por ejemplo, las cámaras digitales asignan inicialmente un color gris salmón pálido a los tonos de piel de muchas personas. Todavía estamos en el filo de la transición a la fotografía digital, así que es muy probable que la gente que fotografíe con sus smartphones siga mejorando el color.
¿Blanco y negro o color?
La fotografía en color ha avanzado mucho. Sin embargo, lo que no siempre es evidente es cómo aplicar el color en tu propia fotografía.
Especialmente para los fotógrafos noveles, la cuestión es cuándo y por qué elegir el color o el blanco y negro. ¿Cómo afecta el color a nuestra percepción como espectadores? ¿Qué ofrece la imagen monocromática que la fotografía en color no puede ofrecer? La tecnología del blanco y negro también ha mejorado con los años. ¿Ha cambiado eso las cosas? ¿Qué pasa con el blanco y negro digital?
Para obtener respuestas a estas y otras preguntas sobre los procesos divergentes de la fotografía, continúe leyendo «Fotografía en color frente a fotografía en blanco y negro: Cómo la paleta afecta a lo que vemos-y sentimos».
Si está preparado para probar usted mismo la fotografía en blanco y negro frente a la de color, eche un vistazo a los tutoriales que se encuentran en la guía de aprendizaje de la fotografía en blanco y negro y en Everything Color.