Numa altura em que os europeus dominavam a cena clássica, Aaron Copland conseguiu estabelecer a música americana como uma força a ter em conta.
Quem era ele? O compositor clássico mais celebrado da América
Por que é que ele é importante? Ele, sozinho, deu à música clássica americana a sua própria voz distintiva e apelo popular
Quais são as suas obras mais famosas? Fanfare For The Common Man; Rodeo; Appalachian Spring; Billy The Kid; El Salón México
Aaron Copland é amplamente celebrado como o “Reitor da música americana”, e com boas razões. Até entrar em cena na década de 1920, a música clássica americana tinha lutado para encontrar a sua própria voz autêntica.
Tantos dignitários da composição como John Knowles Paine, Amy Beach, Edward MacDowell e Horatio Parker tinham moldado conscientemente a sua música na tradição Romântica europeia. O génio iconoclástico Charles Ives tinha sido o primeiro a fazer a pausa, mas apesar do seu uso frequente de material indígena americano, a sua abordagem sem limites para compor não era certamente para os fracos de coração.
George Gershwin já tinha alcançado grande popularidade através das suas canções e espectáculos, mas a sua era a música do talentoso músico de rua e não a do aluno do conservatório académico.
Devido ao agravamento da situação política na Europa, vários emigrados compositores tinham atravessado o Atlântico para o Novo Mundo, muito especialmente Rachmaninov. Isto estimulou os compositores norte-americanos a redobrar os seus esforços para desenvolver um estilo distinto e nacional.
O caminho estava livre para o surgimento de uma voz criativa que reunisse as várias vertentes da música popular e folclórica americana para apresentação em concertos, e Copland provou ser a pessoa certa no lugar certo e na altura certa.
Como ele memoravelmente disse, “A perspectiva de ter de se sentar através de uma das sinfonias ou concertos de piano prolongados de Rachmaninov tende, muito francamente, a deprimir-me. Todas essas notas, e com que fim?”
A formação musical precoce de Rachmaninov era completamente convencional. A sua mãe cantora e pianista prescreveu uma dieta saudável de ópera, ballet e concertos de orquestra, para além de aulas de piano e violino, mas só quando viu o grande pianista-compositor polaco Paderewski dar um recital sensacional em 1915 é que fixou o seu objectivo em tornar-se compositor.
Dois anos mais tarde começou as lições com Rubin Goldmark, que assegurou que Copland fosse posto ao corrente da música dos grandes mestres românticos. No entanto, Copland já estava ansioso por algo mais estilisticamente aventureiro, como testemunha do batimento cardíaco Debussyian da sua primeira composição publicada, The Cat And The Mouse (1920) para piano solo.
Agora não havia simplesmente nada que o impedisse. Entre 1921 e 1924, Copland banhou-se na primavera artística que foi Paris do pós-guerra, sob a orientação intelectual de Nadia Boulanger. Tendo absorvido tudo desde Ravel e Satie a Proust e Picasso, Copland voltou para casa determinado a colocar os Estados Unidos no mapa musical de uma vez por todas.
No início, as coisas não correram nada bem. A fusão flamejante de jazz e Stravinsky do seu Concerto para Piano provou ser demasiado para a audiência da estreia em Boston em 1927.
“Eles chamaram-me um ogre”, Copland desesperado. “Afirmaram mesmo que o maestro Koussevitzky o tinha programado com a malícia de um estrangeiro que queria mostrar quão má é a música americana”.
No entanto, isto pouco fez para amortecer o seu entusiasmo, e sob a influência do incansável promotor artístico Alfred Stieglitz formou aquilo a que chamou uma “unidade de comando” de compositores americanos na vanguarda do pensamento contemporâneo com Roy Harris, Walter Piston, Roger Sessions e Virgil Thompson.
Via partituras tão impressionantemente inventivas como a Ode Sinfónica (1927-29), Variações para Piano (1930) e Declarações para Orquestra (1932-35) Copland tentou estabelecer uma estética mais objectiva, mas isto teve o efeito não intencional de alienar o próprio público que ele queria atrair.
“Durante estes anos”, reflectiu mais tarde, “comecei a sentir uma insatisfação crescente com as relações do público amante da música e do compositor vivo. Parecia-me que os compositores vivos estavam em perigo de viver no vácuo.
Esta mudança de postura criativa, inspirada em parte pelo movimento Gebrauchsmusik alemão (“música utilitária”), foi para dar frutos instantâneos numa obra que estabeleceu a reputação popular de Copland de uma só vez: a sua fantasia orquestral de tocar os pés no El Salón México (1933-36). Como resultado directo do sucesso esmagador da obra, Copland ganhou um contrato permanente com a principal editora musical Boosey & Hawkes.
Da América Latina contemporânea, Copland recuou no tempo para o Oeste Selvagem para a sua partitura de ballet Billy The Kid (1938). Incorporando canções de cowboy, o resultado é como um americano Peter And The Wolf (a obra-prima de Prokofiev tinha então apenas dois anos de idade), mas com coreografia no lugar da narração.
Tal foi o impacto de Billy The Kid que o Ballet Russes De Monte Carlo encomendou um ballet de cowboy de seguimento sob a forma de Rodeo (1942).
Described by Copland as encapsulating “the problem that has confrontted every American woman from early early pioneer times, and which has never cease to occupy them throughout the history of the building of our country: how to get a suitable man”, the premiere was gounted with a staggering 22 curtain calls.
Nesse mesmo ano Copland produziu duas obras concebidas especificamente para elevar o moral das forças armadas da América ao entrarem na Segunda Guerra Mundial: Lincoln Portrait para narrador e orquestra; e Fanfare For The Common Man, modestamente descrito por Copland como “uma fanfarra tradicional, directa e poderosa, mas com um som contemporâneo”, que estava destinada a tornar-se a sua obra mais popular.
Copland tinha-se tornado efectivamente “a voz da música americana” quando Martha Graham lhe pediu para compor um ballet com o título enigmático de Appalachian Spring no início de 1943.
O cenário é a simples apresentação de uma festa de regresso a casa da Pensilvânia nas Montanhas Apalaches para um homem e a sua noiva no tempo dos pioneiros. Deste conto simples Copland gira uma teia de música de inspiração resplandecente inconfundivelmente sugestiva das vastas paisagens ondulantes da América.
Na sequência da estreia de 1944 da Primavera dos Apalaches, Copland viu-se na crista de uma onda de reconhecimento público. A versão original de câmara da partitura ganhou o Prémio Círculo da Crítica de Nova Iorque em 1945, e o seu arranjo completo de orquestra sinfónica foi premiado com o prestigioso Prémio Pulitzer para a Música.
Por esta altura Copland tinha-se ramificado com sucesso para outros campos de esforço criativo. As suas partituras para o filme Of Mice And Men (1939), Our Town (1940) e The North Star (1943) tinham recebido nomeações para o Oscar (ganhou um Óscar em 1950 por The Heiress), e para o “público inteiramente novo” da rádio, Copland tinha escrito três peças: Music For Radio (1937), a balada ferroviária John Henry (1940), e Letter From Home (1944).
Os seus livros What To Listen For In Music (1939) e Our New Music (1941) tinham-se tornado best-sellers, e era muito procurado como um dos mais respeitados professores e educadores de música da América, sobretudo como chefe do departamento de composição no Tanglewood’s Berkshire Music Center entre 1940 e 1965.
Todos os anos, os compromissos extracurriculares da Copland começaram a prevalecer sobre a sua composição, até que no início dos anos 70 o fluxo de nova música tinha abrandado para um mero gotejar.
“Era exactamente como se alguém tivesse simplesmente fechado uma torneira”, lamentou.
Apenas quando os seus poderes criativos começaram a diminuir nos anos 60, Copland descobriu as alegrias de conduzir como nunca antes, e, embora em grande parte autodidacta e sem técnica virtuosa, causou um tal impacto que os convites para dirigir a sua própria música começaram a chegar de todo o mundo. Entretanto, a gravadora CBS (agora Sony/BMG) agarrou a oportunidade de gravar praticamente toda a sua música orquestral para a posteridade.
Copland fez a sua última aparição pública em 1983, após o que a sua saúde começou a deteriorar-se devido ao aparecimento da doença de Alzheimer. Morreu pouco depois do seu 90º aniversário, a 2 de Dezembro de 1990, deixando para trás uma considerável fortuna pessoal, grande parte da qual foi legada à criação de um Fundo para a Música.
Só em 2008, o Fundo concedeu cerca de £410.000 a 83 organizações dedicadas à encomenda e execução de música contemporânea americana.
“Se forçado a explicar o objectivo básico do músico criativo em termos elementares”, Copland escreveu na edição de 1949 do New York Times, “Eu diria que um compositor escreve música para expressar e comunicar e colocar em forma permanente certos pensamentos, emoções e estados de ser. A obra de arte resultante deve falar aos homens e mulheres do próprio tempo do artista com uma força de comunicação directa e imediata que nenhuma expressão artística anterior pode dar.”
Poucos poderão duvidar do êxito da sua missão.
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