En una época en la que los europeos dominaban la escena clásica, Aaron Copland consiguió establecer la música estadounidense como una fuerza a tener en cuenta.
¿Quién era? El compositor clásico más célebre de Estados Unidos
¿Por qué es importante? Él solo dio a la música clásica estadounidense su propia voz distintiva y su atractivo popular
¿Cuáles son sus obras más famosas? Fanfare For The Common Man; Rodeo; Appalachian Spring; Billy The Kid; El Salón México
Aaron Copland es ampliamente celebrado como el «decano de la música americana», y con razón. Hasta que él irrumpió en la escena en la década de 1920, la música clásica estadounidense había luchado por encontrar su propia y auténtica voz.
Personalidades de la composición como John Knowles Paine, Amy Beach, Edward MacDowell y Horatio Parker habían modelado conscientemente su música en la tradición romántica europea. El genio iconoclasta Charles Ives fue el primero en dar el paso, pero a pesar de su frecuente uso de material autóctono americano, su enfoque sin tapujos de la composición no era ciertamente para los pusilánimes.
George Gershwin ya había alcanzado una gran popularidad a través de sus canciones y espectáculos, pero la suya era la música del músico callejero dotado, más que la del alumno académico del conservatorio.
Debido al empeoramiento de la situación política en Europa, varios compositores emigrados habían cruzado el Atlántico hacia el Nuevo Mundo, sobre todo Rachmaninov. Esto impulsó a los compositores norteamericanos a redoblar sus esfuerzos para desarrollar un estilo nacional distintivo.
El camino estaba despejado para que surgiera una voz creativa que reuniera las diversas vertientes de la música popular y folclórica norteamericana para su presentación en salas de conciertos, y Copland demostró ser la persona adecuada en el lugar y el momento adecuados.
Como él mismo dijo: «La perspectiva de tener que escuchar una de las extensas sinfonías o conciertos para piano de Rachmaninov tiende, francamente, a deprimirme. Todas esas notas, ¿y para qué?»
La formación musical temprana de Copland fue completamente convencional. Su madre, cantante y pianista, le recetó una saludable dieta de ópera, ballet y conciertos de orquesta, además de clases de piano y violín, pero no fue hasta que vio al gran pianista-compositor polaco Paderewski dar un sensacional recital en 1915 que fijó su mirada en convertirse en compositor.
Dos años más tarde comenzó a recibir clases con Rubin Goldmark, quien se encargó de que Copland se pusiera al día con la música de los grandes maestros románticos. Sin embargo, Copland ya ansiaba algo más aventurero desde el punto de vista estilístico, como atestigua el latido debussyano de su primera composición publicada, The Cat And The Mouse (1920) para piano solo.
Ahora, sencillamente, no había quien le frenara. Entre 1921 y 1924, Copland se bañó en el manantial artístico que era el París de la posguerra, bajo la guía intelectualmente estimulante de Nadia Boulanger. Habiendo absorbido todo, desde Ravel y Satie hasta Proust y Picasso, Copland regresó a casa decidido a poner a Estados Unidos en el mapa musical de una vez por todas.
Al principio las cosas no fueron nada bien. La ardiente fusión de jazz y Stravinsky de su Concierto para piano resultó ser demasiado para el público de Boston del estreno de 1927.
«Me llamaron ogro», se desesperó Copland. «Incluso afirmaron que el director de orquesta Koussevitzky la había programado con la malicia de un extranjero que quería demostrar lo mala que es la música americana».
Sin embargo, esto no sirvió para apagar su entusiasmo, y bajo la influencia del incansable promotor artístico Alfred Stieglitz formó lo que él llamaba una «unidad de comando» de compositores americanos a la vanguardia del pensamiento contemporáneo con Roy Harris, Walter Piston, Roger Sessions y Virgil Thompson.
A través de partituras tan sorprendentemente inventivas como la Oda Sinfónica (1927-29), las Variaciones para piano (1930) y las Declaraciones para orquesta (1932-35), Copland intentó establecer una estética más objetiva, aunque esto tuvo el efecto involuntario de alejar al mismo público que quería atraer.
«Durante estos años», reflexionó más tarde, «empecé a sentir una creciente insatisfacción con las relaciones del público amante de la música y el compositor vivo. Me parecía que los compositores vivos corrían el peligro de vivir en el vacío. Sentí que valía la pena el esfuerzo de ver si podía decir lo que tenía que decir en los términos más sencillos posibles»
Este cambio de postura creativa, inspirado en parte por el movimiento alemán Gebrauchsmusik («música de utilidad»), iba a dar frutos instantáneos en una obra que estableció la reputación popular de Copland de un plumazo: su fantasía orquestal de ritmo de pies El Salón México (1933-36). Como resultado directo del abrumador éxito de la obra, Copland consiguió un contrato permanente con la importante editorial musical Boosey & Hawkes.
Desde la Latinoamérica contemporánea, Copland retrocedió en el tiempo hasta el Salvaje Oeste para su partitura de ballet Billy The Kid (1938). Incorporando canciones de vaqueros, el resultado es como un Pedro y el lobo americano (la obra maestra de Prokofiev tenía entonces sólo dos años), pero con coreografía en lugar de narración.
Tal fue el impacto de Billy The Kid que el Ballet Russes De Monte Carlo encargó un ballet de vaqueros posterior en forma de Rodeo (1942).
Descrita por Copland como la encapsulación del «problema al que se han enfrentado todas las mujeres estadounidenses desde los primeros tiempos de los pioneros, y que nunca ha dejado de ocuparlas a lo largo de la historia de la construcción de nuestro país: cómo conseguir un hombre adecuado», el estreno fue recibido con la asombrosa cifra de 22 llamadas al telón.
Ese mismo año Copland produjo dos obras diseñadas específicamente para elevar la moral de las fuerzas armadas de Estados Unidos al entrar en la Segunda Guerra Mundial: Lincoln Portrait para narrador y orquesta; y Fanfare For The Common Man, descrita modestamente por Copland como «una fanfarria tradicional, directa y poderosa, pero con un sonido contemporáneo», que estaba destinada a convertirse en su obra más popular.
Copland se había convertido efectivamente en «la voz de la música americana» cuando Martha Graham le pidió que compusiera un ballet con el enigmático título de Appalachian Spring a principios de 1943.
El escenario es la sencilla presentación de una fiesta de regreso a casa en los Montes Apalaches de Pensilvania para un hombre y su novia en la época de los pioneros. A partir de esta sencilla historia, Copland hila una red de música de brillante inspiración que sugiere inequívocamente los vastos paisajes ondulados de Estados Unidos.
Tras el estreno de Appalachian Spring en 1944, Copland se encontró en la cresta de la ola del reconocimiento público. La versión de cámara original de la partitura ganó el Premio del Círculo de Críticos de Nueva York en 1945, y su arreglo para orquesta sinfónica fue recompensado con el prestigioso Premio Pulitzer de la Música. Sus partituras cinematográficas para Of Mice And Men (1939), Our Town (1940) y The North Star (1943) habían recibido nominaciones a los premios de la Academia (llegó a ganar un Oscar en 1950 por The Heiress), y para el «público totalmente nuevo» de la radio, Copland había escrito tres piezas: Music For Radio (1937), la balada ferroviaria John Henry (1940) y Letter From Home (1944).
Sus libros What To Listen For In Music (1939) y Our New Music (1941) se habían convertido en éxitos de ventas, y estaba muy solicitado como uno de los conferenciantes y educadores musicales más respetados de Estados Unidos, sobre todo como director del departamento de composición del Berkshire Music Center de Tanglewood entre 1940 y 1965.
Con el tiempo, los compromisos extracurriculares de Copland empezaron a tener prioridad sobre su labor compositiva, hasta que a principios de la década de 1970 el flujo de nueva música se había reducido a un mero goteo.
«Era exactamente como si alguien hubiera cerrado un grifo», se lamentaba.
Al igual que sus poderes creativos empezaron a decaer en la década de 1960, Copland descubrió el placer de la dirección de orquesta como nunca antes, y, aunque fue en gran medida autodidacta y carente de una técnica virtuosa, causó tal impacto que empezaron a llegarle invitaciones para dirigir su propia música desde todo el mundo. Mientras tanto, el sello discográfico CBS (ahora Sony/BMG) aprovechó la oportunidad para grabar prácticamente toda su música orquestal para la posteridad.
Copland hizo su última aparición en público en 1983, tras lo cual su salud comenzó a deteriorarse debido a la aparición de la enfermedad de Alzheimer. Murió poco después de cumplir 90 años, el 2 de diciembre de 1990, dejando una considerable fortuna personal, gran parte de la cual fue legada a la creación de un Fondo para la Música.
Sólo en 2008, el Fondo concedió alrededor de 410.000 libras esterlinas a 83 organizaciones dedicadas al encargo y la interpretación de música contemporánea estadounidense.
«Si me obligaran a explicar el objetivo básico del músico creativo en términos elementales», escribió Copland en la edición del día de Navidad de 1949 del New York Times, «diría que un compositor escribe música para expresar y comunicar y plasmar en forma permanente ciertos pensamientos, emociones y estados del ser. La obra de arte resultante debe hablar a los hombres y mujeres de la propia época del artista con una franqueza e inmediatez de poder comunicativo que ninguna expresión artística anterior puede dar.»
Pocos podrían dudar de que tuvo éxito en su misión.